jueves, 27 de abril de 2017

Repaso a las Vanguardias pictóricas

Hola chicos! Quedan pocos días antes de los exámenes finales así que sería bueno empezar a repasar. Os dejo más recursos como esta Presentación de repaso a las Vanguardias

Cine surrealista: Un perro andaluz (1929)


El surrealismo y el cine surrealista
El surrealismo nace oficialmente en París, Francia en 1924 con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton, quien era un poeta y crítico que al término de la Primera Guerra Mundial empezó a buscar nuevas formas de conocer al hombre en su totalidad; planteando un acercamiento que se alejara del realismo y de la razón, las fuerzas que regían la sociedad en esa época.

“Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control”. Se trata de plasmar las imágenes más significativas de la realidad, el subconsciente y el mundo de los sueños a través de símbolos y figuras abstractas.
Una característica fundamental de este movimiento es, sin duda, la provocación. La meta es alejarlo de la realidad que conoce para sumergirlo en un nuevo mundo donde la magia, la fantasía y el sinsentido son el principio protagónico.  Aquello que la clase burguesa tildaba de vulgar e inapropiado se convirtió en el elemento más utilizado para expresar de manera irónica el lugar que ocupaban en la sociedad.

Para resumir ,el surrealismo se apoyó en los siguientes recursos para entrelazar la realidad racional y la onírica:
• Animación de lo inanimado
• Metamorfosis
• Aislamiento de fragmentos anatómicos
• Máquinas fantásticas
• Elementos incongruentes
• Representación de perspectivas vacías, autómatas y espasmos
• Evocación del caos
• El sexo y lo erótico
• Libido del inconsciente
• Relaciones entre desnudos y maquinaria
• Lo prohibido y lo oculto 

Cine Surrealista

A partir de los años veinte los artistas europeos de vanguardia se opusieron al arte oficial y rechazaron los modelos clásicos de expresión. Muchos de estos artistas provenían de otras disciplinas estéticas pero se habían interesado en el cine. En un principio fueron los pintores y literatos quienes conformaron el movimiento cinematográfico alternativo.

En el año 1928 hizo su aparición la primera película con carácter surrealista llamada La Caracola y el Clérigo, del director francés Germaine Dulac. El año siguiente se estrenó el film más representativo del género, Un Perro Andaluz del director español Luis Buñuel; quien se mantuvo en la línea surrealista para la realización de su siguiente película La Edad de Oro, obra que cuestiona las normas morales y sociales de la época.

Se denomina cine surrealista a toda producción cinematográfica que aplique los conceptos, recursos y técnicas surrealistas en su realización. Al igual que el surrealismo como movimiento plástico, el cine surrealista se apoya en el automatismo y el mundo de los sueños para presentarle al espectador una realidad alterna. Automatismo es la libre asociación de ideas e imágenes donde la coherencia, la racionalidad y el sentido no deben intervenir. Los sueños se refieren a la formación de imágenes oníricas.
El cine surrealista cumplió la función de escandalizar. Nace como una extensión de la pintura. Se trata de otorgarle movimiento a imágenes autómatas. La imagen conservó su estatus y se mantuvo como la herramienta principal de narración. Por este motivo, los realizadores tuvieron que recurrir a distintas técnicas de cámara y composición, tales como angulaciones inusuales, efectos ópticos y distintas velocidades de filmación. El cine surrealista otorga al espectador una mirada no convencional de la realidad que no responde a ningún principio estético o moral. Nos revela un mundo onírico en el que el inconsciente fluye con total libertad.
Los sueños, las alucinaciones, la imaginación espontánea, el inconsciente, la fantasía, y el azar son elementos esenciales en el cine surrealista. Además, presenta las siguientes características:
• Cámaras lentas
• Uniones absurdas entre secuencias y planos
• Tiempos y espacios confusos o ambiguos
• Erotismo lírico
• Fantasía onírica
• Automatismos
• Humor desvergonzado y cruel


Un perro andaluz
Un Perro Andaluz es un cortometraje de Luis Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí en el guión. La cinta tiene una duración de diecisiete minutos, está filmada en blanco y negro y al momento de su estreno era muda. En el cortometraje
 van sucediendo una serie de imágenes impactantes. Un hombre secciona el ojo de una mujer con una navaja; un ciclista vestido de forma estrafalaria se cae y es recogido por la mujer; una mano llena de hormigas... 
[...] Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple, adoptada de común acuerdo: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar por qué. (Buñuel, 1982)
La película se concibe como un experimento surrealista que transgrede las convenciones, desafía la racionalidad y provoca al espectador.
Este particular film nos enfrenta a un relato y una narrativa revolucionarios. No se trata de una trama tradicional en la que se distinga un orden lógico de acontecimientos. No se puede señalar puntualmente el inicio, el desarrollo y el desenlace. La acción no transcurre de forma lineal y los límites espaciales tampoco están definidos. Se trata más bien de una sucesión de imágenes. Buñuel denomina decoupage a este tipo de narración que refleja el funcionamiento de la mente humana a partir de la asociación de ideas. A lo largo de la película el espectador experimenta saltos en el tiempo. Con ayuda de inter-títulos tan variados como: «Érase una vez», «Ocho años después», «Hacia las tres de la mañana», «Dieciséis años antes », o «En primavera», Buñuel nos transporta hacia adelante y hacia atrás en el tiempo constantemente. Además la narración no se encuentra limitada a un espacio coherente. Los personajes aparecen en cualquier lugar y las acciones pueden empezar en una locación para terminar de desarrollarse en otra completamente diferente. Esta ruptura de la continuidad nos remite al delirio y el sueño, dos estados en que la mente permite entender secuencias insólitas.
 Un Perro Andaluz, busca que las imágenes surjan una tras otra sin tener en cuenta la coherencia o el sentido. Se busca dejar de lado el control ejercido por la razón y permitir que las ideas fluyan libremente. Para poder “guiar” al espectador hacia esta libertad, Buñuel utiliza varias herramientas cinematográficas. Para comenzar, alterna montajes paralelos y montajes alternos. Un montaje alterno ocurre cuando se narran dos o más historias que ocurren simultáneamente, pero que en algún momento se cruzan. Así por ejemplo, mientras una mujer lee un libro sentada en su habitación, un ciclista de vestimenta estrafalaria pedalea por una calle desierta.
Se denomina montaje paralelo a la narración de dos o más historias que pueden o no ocurrir simultáneamente pero jamás se cruzan. El ejemplo más claro del uso de este recurso en Un Perro Andaluz es la escena inicial en la que se secciona el ojo de una mujer con una navaja. Ninguna otra escena de la película hará referencia a esos escasos primeros minutos de la trama. 

Buñuel también se apoya en el uso de primeros planos para intensificar el dramatismo de las imágenes que captura. Uno de los más recordados es el acercamiento que le hace a la fotografía de una mariposa cuyo tórax se asemeja a una calavera. Asimismo “usa el plano picado (la cámara orientada hacia abajo) con un valor simbólico para marcar las distancias”
Sus imágenes superpuestas y fundidos encadenados tienen aun más protagonismo. Siempre en la búsqueda de la asociación libre de ideas, Buñuel invita al espectador a presenciar como una figura se transforma en una y luego en otra que parecen no guardar relación entre sí. El agujero negro de la mano de un hombre “se transforma en el vello axilar, un erizo de mar y en un grupo de personas que rodean a una mujer de apariencia andrógina que tantea con un bastón una mano cortada que yace en medio de la calle” (Wikipedia, 2010). 
Las situaciones planteadas en Un Perro Andaluz pueden dar lugar a diversos análisis e interpretaciones que pueden o no develar las intenciones de Buñuel. Sin embargo una cosa no admite dudas ni especulaciones, el film no se realizó para ser comprendido sino para exaltar sensaciones y provocar reacciones en el espectador.  El espectador debe dejarse guiar por el juego de imágenes interrelacionadas. La interpretación es personal y debe ser libre. 

 

«Un perro andaluz» © Colección Filmoteca Española

Ficha técnica

Guión
Luis Buñuel, Salvador Dalí

Intérpretes
Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Salvador Dalí

Fotografía
Albert Duverger

Música
Richard Wagner

Duración
16 minutos

Producción
Blanco y negro. Cine mudo

Luis Buñuel. Biografía. 

Nace en Calanda (Teruel), el 22 de febrero de 1900. Después de estudiar bachillerato en Zaragoza, en 1917 se instala en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoce a Federico García Lorca y a Salvador Dalí. En 1924 se traslada a París, donde trabaja como asistente del cineasta Jean Epstein. En 1929 estrena su primera película “El perro andaluz”, cuyo guión escribe Dalí. Realiza después “La edad de oro”. En México rueda "Los olvidados" (1947), con la que gana el primer premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 1951. En 1961 vuelve a España y comienza el rodaje de "Viridiana", que obtiene la Palma de Oro en Cannes. En 1967 recibe el León de Oro del Festival de Venecia por “Belle de jour”. Fallece en México, el 29 de julio de 1983.

El perro andaluz


Para saber más del significado de la película desde un punto de vista simbólico puedes visitar la página Aula de Filosofía aquí

Esquema de la portada románica. Fundamentos arte I

Escultura contemporánea



Saludos! Existen numerosos recursos en la red que os puedan ser de ayuda a la hora de preparar la asignatura. En el apartado de recursos del blog tenéis una buena selección. En cualquier caso para facilitar el tema de la escultura  os enlazo estos apuntes: Escultura contemporánea creada por el profesor Enrique Valdearcos Guerrero y disponible en su web. También tiene comentario de las obras de referencia y apuntes.
Espero que os sea útil.


martes, 25 de abril de 2017

"Recuerda" A. Hitchcock y Dalí





Basada en la novela  The House of Dr. Edwardes, de Hilary St. George Saunders y John Palmer. La película fue dirigida por A. Hitchcock, y contó con Ingrid Bergman y Gregory Peck como actores principales.

El psiquiatra Anthony Edwardes (Gregory Peck) se incorpora al cargo de director del sanatorio en sustitución del antiguo director, el Dr. Murchison (Leo G. Carroll). En el centro trabaja como psiquiatra la Dra. Constance Petersen (Ingrid Bergman) que rápidamente se enamora de él. La doctora que observa el extraño comportamiento del Dr. Edwardes intenta desvelar un trauma de su pasado que no logra recordar. 

Para realizar la parte onírica de la escenografía Hitchcock contactó con Salvador Dalí al que encargó la realización de la secuencia más freudiana del film, el sueño del personaje interpretado por Gregory Peck. La secuencia del sueño, que duraba en principio veinte minutos, fue recortada quedando en unos dos minutos porque, aunque Dalí era ya muy reconocido como artista, no era del agrado del productor.  La secuencia mantiene la esencia del pintor y del surrealismo. 

A continuación podéis ver la secuencia del sueño:


Título original: Spellbound
Director: A. Hitchcock
Año: 1945

y si os quedáis con ganas de más también podéis disfrutar la película íntegra. 

ARTE DEL s. XX - partes 1, 2, 3 y 5

Saludos! En esta serie de videos queda resumido lo más importante del arte de vanguardia del s. XX.
Es una forma sencilla y amena de acercarnos a la gran diversidad de movimientos pictóricos y a los grandes artistas del momento.





Dalí y Disney: Destino

Fuentes
 http://rz100.blogspot.com.es/2015/05/arte-para-ninos-destino-un-corto-de.html
https://www.salvador-dali.org/es/servicios/prensa/noticias/176/dali-disney-destino


Destino, 1946

"En 1946, el arte de Salvador Dalí y los dibujos de Walt Disney se fusionan en el proyecto de dibujos animados Destino. La colaboración entre Dalí y Disney se formaliza en un contrato de trabajo que se firma el 14 de enero de 1946 y tiene una duración de 2 meses. En este período de tiempo, Dalí trabaja de manera formal en los Disney Studios de la localidad de Burbank, California, creando los dibujos para Destino. En este proceso también intervienen dos colaboradores de Disney, John Hench y Bob Cormack, con los que Dalí idea y trabaja las imágenes que deberán ilustrar la historia de amor que transcurre en el film.

La fuente de inspiración para el proyecto de Dalí y Disney es la canción mexicana Destino, de Armando Domínguez, cuya letra da cuerpo al argumento de la película y cuya música acompaña las imágenes en todo momento. A través del dibujo animado, Destino quiere explicar y remarcar la importancia del tiempo mientras esperamos a que el destino actúe en nuestras vidas. La historia de amor entre una bailarina y el jugador de béisbol/dios Cronos es el hilo conductor a través del cual se nos muestran las múltiples peripecias que sucederán antes de que el destino haga su aparición.

En Destino, Dalí recurre una vez más a la iconografía más propia y personal, y hace uso del paisaje ampurdanés y del recurso de las dobles imágenes para transportarlos y trabajarlos en el lenguaje nuevo de los dibujos animados. La combinación de las dobles imágenes con las transformaciones de objetos y las constantes referencias a obras ilustran un mundo de sueños en el que se mezclan los dibujos llenos de personalidad de Disney y el imaginario surrealista daliniano. El propio Dalí explica que con Destino trata de reflejar una «mágica exposición de los problemas de la vida en el laberinto del tiempo», y describe, muy explícitamente, alguna secuencia: « [...] la sombra de la campana se confunde con la silueta de la joven y ambas se ponen a bailar. La cabeza de Cronos esculpida sobre la pirámide se libera de la piedra y comienza también a bailar, intentando ahuyentar una lluvia de monstruos que caen del cielo. Cronos aparta a los monstruos de su cuerpo, y cada vez que se quita uno de encima se le hace un agujero».
[...]
La película original, de una duración de entre seis y ocho minutos, tenía que formar parte de un package film, entendido este como un largometraje en el que se combinan diferentes episodios o relatos cortos. Pero Destino no se completó en 1946, sino que solo se rodó una secuencia experimental de quince segundos; se deduce que el conflicto de la Segunda Guerra Mundial y la falta de presupuesto del momento impidieron que el proyecto saliera adelante. Finalmente, y gracias a los esfuerzos de diferentes instituciones encabezadas por Disney, en el 2003 se decide retomar el proyecto y se procede a recuperar las primeras ideas y los bocetos sobre los que se basaba el film. Destino acaba siendo una realidad para ser contemplada y disfrutada por un amplio público, tal y como sus creadores originales previeron.

Aunque Disney posee la mayoría de los dibujos, e incluso 5 pinturas, que Dalí y sus colaboradores de la factoría Disney realizaron para Destino, la Fundació Gala-Salvador Dalí conserva diversos bocetos y croquis para las imágenes de la película que el artista guardó para él. Se trata principalmente de estudios preparatorios hechos a lápiz y tinta sobre papel vegetal, muy poco conocidos, procedentes de los cuadernos en que Dalí dibujaba y volvía a dibujar las imágenes que tenía en la cabeza, en un proceso creativo concentrado y apasionado que refleja su entusiasmo por el proyecto" 

Información original aquí

jueves, 20 de abril de 2017

Actividades

1. Sintetiza las características de futurismo
2 . Enumera los representantes más significativos del futurismo
3. ¿Qué relación existe entre cubismo y futurismo? ¿Y con el impresionismo?
4. Elige una obra futurista y coméntala

Puedes consultar sobre esta corriente artística aqui

miércoles, 19 de abril de 2017

Esquema obras del s. XX



El arte del siglo XX
1. La nueva arquitectura
- Vanguardias, funcionalismo y racionalismo. Autores como Le Corbusier o los
de la escuela de la Bauhaus (W. Gropius) se basaban en sencillas formas de geometría pura, sin decoración, y concebían la obra arquitectónica como un elemento útil y bello a la vez. (imágenes 1 a 6)
- Arquitectura organicista: Frank Lloyd Wright pretendía que los edificios se
adecuaran a los materiales utilizados y al medio natural. (Im. 7)
- Arquitectura de después de la Segunda Guerra Mundial (imágenes 8 a 11)
 2. Las Primeras Vanguardias hasta 1914  (Im.12 a 22)
 – El fauvismo (Matisse) utilizó de forma subjetiva el color, el dibujo y las perspectivas.
– El expresionismo (Kirchner, Nolde), mediante la fuerza de los colores, la textura y lalínea, transmitía los problemas de su época.
– El cubismo (Picasso, Braque) pretendía descomponer los objetos en formas geométricas,mostrando así el volumen, la tercera dimensión.
– El futurismo (Boccioni) rechazaba el arte pasado y pretendía captar la sensación de mo-vimiento.– El dadaísmo (Duchamp) creó auténticas provocaciones, burlas a las convencionessociales, obras que deliberadamente no presentaban ningún significado racional.

 3. Vanguardias en el período de entreguerras. (Im. 23 a 32)
Los avances científicos y técnicos y los importantes cambios sociales de la posguerra hicieronplantearse a los artistas la función y el sentido del arte:
– La abstracción (Kandinsky, Miró, Mondrian, Malevich) buscó provocar emociones solomediante la armonía de las líneas y colores.
– El surrealismo (Dalí, Magritte) mostró la parte irracional e inconsciente de la mente.

4. Las Segundas Vanguardias (Im. 33 a 44)
 - nuevas tendencias abstractas: action painting (Pollock, Rothko).- También surgió el informalismo, que no es figurativo ni abstracto, pues usa el collage y
múltiples materiales (Tàpies, Saura).
- Después de la segunda mitad del siglo XX, los estilos pictóricos se diversificaron y se convir-
tieron en arte para la sociedad de masas y consumista:
– En la década de 1960 apareció el pop-art (Warhol, Lichtenstein, Equipo Crónica), quecriticó la sociedad de consumo.
– También destaca el hiperrealismo (Estes, López), el arte pobre y el arte conceptual.
– Últimamente, nuevas tendencias convierten el arte en una experiencia (performances,body art). Christo.


1. Pabellón de Turbinas AEG (1908-1909) de Behrens (I)2. Torre Einstein (1919-1921) de Mendelsohn (I)3. Casa Schröder (1924) de Rietveld (I)4. Edificio de la Bauhaus (1925) de W. Wropius ©5. Villa Saboya (1929-1931) de Le Corbusier ©6. Iglesia de Notre Dame de Ronchamp (1950-56) de Le Corbusier (I)7. La Casa de la Cascada (1936) de Frank LLoyd Wright ©8. Centro Pompidou (1971-1977) de Piano y Rogers (París). (I)9. Museo de Arte Romano de Mérida. (1980-1985) de Moneo. (BC)10. Museo Guggenheim de Bilbao (1993-1997) de F. O´Ghery (BC)11. Ciudad de las Artes y las Ciencias (1990) de Santiago Calatrava ©

 Las Primeras Vanguardias hasta 1914
12. Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso (1907). ©13. La danza de Henri Matisse (1910). (I)14. El portugués de George Braque (1911). ©15. Desnudo bajando una escalera de Marcel Duchamp (1912). (I)16. Los grandes caballos azules de Franz Marc (1911). (I)17. Escena callejera en Berlín de Kirchner (1913) (I)18. Primera acuarela abstracta de Kandinsky (1910-1913). (BC)19. Rueda de bicicleta de Duchamp (1913). (I)20. Rusia, a los asnos y a los demás de Marc Chagall (1911). (I)21. Mlle. Pogany de Brancusi (1912). (I)22. Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni (1913). (BC)
Las Primeras Vanguardias (período de entreguerras)

23. Tres músicos de Picasso (1921) ©24. El carnaval del arlequín de Joan Miró (1924-1925). (BC)25. La vista del obispo de Gutiérrez Solana (1926) (I)26. Los amantes de Magritte (1928) (BC)27. El gran masturbador de Dalí (1929). (I)28. La persistencia de la memoria de Dalí (1931). (BC)29. Composición II con azul y rojo de Mondrian (1929). (BC)30. Cuadrado negro sobre fondo blanco de Malevich (1929). (I)31. El profeta de Pablo Gargallo (1933). (I)32. Guernica de Picasso (1937). ©


Dalí, Maestro de los sueños.

Abstracción pictórica




1. La negación de la figuración. Kandinsky y la abstracción.

La aparición de la abstracción fue un fenómeno en estrecha conexión con las experiencias llevadas a cabo durante la primera década del siglo XX, por las diferentes tendencias de vanguardia. Fue la consecuencia de las experiencias entorno a la autonomía de la pintura y de sus componentes; forma, color y, en este caso, representación. Las primeras obras abstractas de Kandinsky proporcionaron la autonomía total al cuadro, suprimiendo el único elemento que quedaba vinculado a la tradición: la representación. Su supresión otorgaba al cuadro una autonomía total, dependiendo en todos los aspectos, color, forma, composición de sí mismo. Era el último paso para liquidar la visión perspectiva, incluso de su negación o manipulación.

Sólo en la abstracción, el mundo perspectivo de la pintura, por muy diluido que apareciera en el cubismo o el futurismo, se convierte en una imagen aperspectiva. Con la aparición de la abstracción el concepto tradicional de cubo pictórico, del cuadro entendido como una ventana abierta se rompe y desaparece sustituido por un nuevo cuadro-objeto.

Kandinsky (1866-1944), en su ensayo “De lo Espiritual en el Arte” se refiere a la atención a la necesidad anterior como el único camino para expresar la necesidad mística:
“Todos los medios son sagrados si son interiormente necesarios. Todos los medios son sacrílegos si no brotan de la fuente de la necesidad interior”.

Frente al enfoque cósmico de Mondrian el misticismo de Kandinsky revistirá un carácter fundamentalmente pasional; como la mayoría de los expresionistas centroeuropeos su aspiración pictórica era la de transformar en la tela la impresión que el artista recibe de la naturaleza en una expresión intensa, por medio de una fuerza elemental.

Tras descubrir casualmente, el poder expresivo de lo abstracto ante uno de sus lienzos apoyado, en vez de sobre la base, sobre una de aristas laterales, el objeto se convertirá en un simple pretexto para liberar el poder de los colores, fundiéndose así las superficies de color, dominadas por fuertes rojos, amarillos, azules y verdes, y las formas de sus paisajes.

Aunque su primera acuarela abstracta está fechada en 1910, durante tres años Kandinsky continuó realizando cuadros con temas específicos junto a otros puramente abstractos, hasta que estos últimos terminaron por centrar completamente su atención. En sus grandes composiciones realizadas a partir de 1912 los colores aparecían confrontados entre sí sobre una superficie uniforme, creando diferentes planos pictóricos, y los elementos de tensión eran distribuidos sobre el plano de forma que no generaran estructuras centralizadas, para evitar así caer en un resultado simplemente decorativista, lo que siempre le había preocupado. Tras la guerra, y sobre todo durante su permanencia en la Bauhaus, Kandisky buscará la sistematización de su vocabulario, a través de una mayor geometrización de sus líneas y superficies.


2. Forma, línea, color y plano. La nueva dimensión del cuadro.

La aparición del arte abstracto puso de relieve que la representación y el tema no era una condición imprescindible de la obra de arte. La abstracción introducía una valoración de las formas, líneas y colores en estado puro, desvinculadas de sus connotaciones temáticas, en sintonía con los análisis formalistas de la Historia del Arte. El fenómeno de la abstracción aparece en el campo del arte como un fenómeno paralelo al de la pura visualidad de la crítica. Por primera vez se planteaba la percepción del arte como un fenómeno formal aislado de connotaciones iconográficas de carácter figurativo.

A diferencia de otras corrientes de las vanguardias históricas, la abstracción no fue una tendencia, sino una opción de la pintura que se manifestará a través de corrientes diferentes, incluso contradictorias entre sí, hasta ese momento.

3. Kandinsky teórico. Robert Delaunay y sus formas circulares.

La Bauhaus (taller) debe su prestigio a su intrépido y eficaz programa de formación artística y a la calidad de sus enseñantes. Su creación y concepción se debe a Gropius (1883-1969), a quien Henry van de Velde encargó la reforma de la Escuela de Artes y Oficios de Weimar, que él había creado.

El concepto de Gropius para la Bauhaus se fundamentaba en dos instancias prioritarias:


a) La primera radicaba en un ideal de creación artística guiado por el paradigma de la obra colectiva, de la obra total en la que confluían todas las artes.
b) El segundo, viene marcado por el énfasis en la formación artesanal no especializada.

A su vuelta de la Unión Soviética, Kandinsky fue contratado como profesor en 1922. su función en Weimar fue determinante. Allí publicó en 1926 su ensayo más leído: Punto y línea sobre el plano. A diferencia de Klee, Kandinsky prescindió en su pintura de toda relación con el mundo de las cosas visibles. Su aportación pionera al arte de vanguardia había sido la pintura sin tema, con la que instó a la abstracción. Cuando se integró Kandinsky en la Bauhaus su pintura ya no guardaba fidelidad a lo que había sido su primer expresionismo abstracto, como se le denominó.

Durante su estancia en Rusia (1915-1921) había reorientado su imaginería. Encontró afinidades con Malevich y asumió algunos principios constructivistas.

El reto de la pintura de Kandinsky en los años veinte seguía siendo la unidad interna de la imagen sobre la base de acordes formales y cromáticos, pero buscó una determinación más exacta de la forma, el compromiso constructivo propio de la abstracción geométrica. El orden intelectual se hizo más acusado. Abundó en la equivalencia entre vivencias ópticas y vivencias musicales.

Estudió leyes de composición partiendo de un patrimonio formal muy conciso: las formas geométricas simples, los colores primarios y sus mezclas elementales, las relaciones y combinaciones relevantes entre estos elementos.

A las interacciones formales acompañan leyes de armonía y disarmonía que actúan en la pintura, según Kandinsky, de forma a lo que ocurre en las composiciones musicales. Su finalidad era la orquestación plástica a partir de un repertorio no objetivo, pero de preciso efecto psíquico. Fue en esos años cuando más se interesó por la pintura mural y la consagración de la pintura a espacios virtuales.

La abstracción tuvo representantes que, como Paul Klee y Robert Delaunay, realizaron su labor en solitario, fue el fundamento de tendencias como el Neoplatonismo holandés de De Stijl o las tendencias constructivistas rusas. El neoplasticismo fundamenta su arte en la combinación de formas geométricas, a base de rectángulos y líneas verticales y horizontales. Las composiciones de Mondrian desarrollan esta idea basándose en el rectángulo a través de su color, su tamaño y su ubicación en la composición. Se trata de una formulación que tuvo su proyección en la arquitectura y el diseño.

Obras destacadas de Kandinsky son: “Proyecto para una pintura mural (fragmento)” (1922), “En el cuadro negro” (1923), “Escenario II.Gnomo” (1928), “Trece cuadrados” (1930).

4. Mondrian y el Neoplasticismo holandés.
Los atractivos de la abstracción hechizaron a un grupo de artistas y arquitectos neerlandeses que llegaron a articular un proyecto estético común, estilísticamente unitario, cuyo fin último será el de hincar a una nueva experiencia humana por la visualización de una obra de arte total.

El nuevo estilo artístico afectaba al conjunto de las artes y preparaba a un nuevo estilo de vida. Los principios de ese Gesamtkunstwerk fueron formulados en la revista del grupo: De Stijl (El Estilo). Esta se publicó desde 1917 hasta 1932. Su principal promotor fue Theo van Doesburg (1883-1931), cuyo pensamiento no fue siempre compartido por los otros fundadores, de modo que los principios De Stijl conocieron muchas revisiones y cambios a lo largo de su existencia. Al menos desde 1922 van Doesburg orientó la revista como órgano de expresión del Constructivismo internacional, del que se consideró portavoz. En 1925 rompió definitivamente con él el pintor más destacado del grupo, Mondrian.(1872-1944).

Fue Mondrian quien consolidó buena parte de las propuestas plásticas del grupo, y el que bautizó esta manifestación holandesa de la vanguardia con el nombre de Neoplasticismo.

Aparte de Mondrian y Van Doesburg, entre los fundadores del ideario stijliano se encuentra el pintor Bart van der Lek, el escultor flamenco Georges Vantogerloo, el diseñador húngaro Huuszár y los arquitectos Oud, Jan Wils y Robert van´t Hoff.

El objetivo principal de Mondrian fue ganar formas de armonía visual reduciendo los medios pictóricos a sus elementos constitutivos básicos, precisando constantes inmutables del lenguaje plástico, equivalentes a las de la realidad. Era esta una exigencia a la que se vio impelido por sus creencias teosóficas (tendencia mística en la que se mezclan eclécticamente creencias religiosas, filosóficas y ocultistas, de origen oriental).

Mondrian eliminó completamente la relación de profundidad, como en las de Van Doesburg, por la distinción de un fondo blanco sobre el que se colocaban las formas geométricas. Su estilo maduro se perfila en el momento en el que trabaja exclusivamente formas planas sin discontinuidad en la superficie del lienzo.

Consideró que la armonía objetiva sólo se basaba en el empleo de la línea recta y en relaciones ortogonales entre las líneas. El principio de composición descansaba en la subdivisión calculada del plano a partir de líneas horizontales y verticales: ángulo recto. La horizontal y la vertical eran los vectores complementarios que condensaban de forma paradigmática las líneas objetivas de fuerza. Por la intersección de dos líneas se expresaba la totalidad de la naturaleza visible. Los planos rectangulares podían estar dotados de color, o mejor dicho, habían de encarnar la unidad estricta entre forma y color. Los cuadrángulos se rellenaban de sendos colores planos, en cualquier caso uniformes y aislados. El espectro cromático se redujo al rojo, azul y amarillo, en su tonalidad de colores elementales, y a la presencia del blanco, el gris y el negro. Mondrian incluso llegó a excluir el gris.

Lo que podemos denominar el lenguaje clásico del neoplasticismo, que durante cierto tiempo fue un lenguaje compartido, se basaba en las normas mencionadas. El empleo del color verde, del gris o de las líneas diagonales, por ejemplo, fueron objeto de discusiones sumamente severas, incluso causa de rupturas. Los neoplasticistas llegaron a tales esquemas preceptivos rehuyendo todo lo no primordial de la visualidad, esto es, según ellos, todo aquello que condicionara el carácter absoluto de la imagen, ligando ésta a cualesquiera factores de la realidad externa, de las apariencias del acontecer orgánico: espacio tridimensional, formas o sensaciones del mundo empírico, impresiones sensuales…
La visualidad neoplástica fue eminentemente la de la abstracción intelectual. No operó con el énfasis patético del dinamismo y la ilimitación que primero en el constructivismo ruso. “De Stijl” buscó, por el contrario, una abstracción sobria, lógica y estáticamente organizada. Contradecía sobre todo a la estética futurista.

Alguna obra destacada de van der Lek es “La Tormenta” (1916); de Mondrian: “Árbol” (1912), “Composición con superficies de color” (1914), “Composición. Tablero de damas” (1919), “Cuadro I” (1921); “Composición” (1938-1939)…

Entrada originale en: http://contemporaneablogarte.blogspot.com.es/2008/03/dadasmo-y-surrealismo.html

CLÁSICOS UNED. Dalí y el surrealismo.

domingo, 16 de abril de 2017

David Bowie: "Pablo Picasso"


En 2003 D. Bowie realizó un cover  homenaje a Pablo Picasso en su album "Reality". Es una versión a la original canción realizada en 1976 por el grupo The Modern Lovers.
El video que ilustra la canción fue realizado como proyecto DEA de final de carrera por Stephane Evezard, cuando era un estudiante de arte en la Universidad de París.  Dada la excelente calidad muchos pensaron que se trataba de un video oficial de promoción y no el trabajo fin de año de un joven estudiante de arte.

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his finger nails

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his finger nails

Well some people try to pick up girls
They get called assholes
This never happened to Pablo Picasso

The girls would turn the colour of a juicy avocado
When he would drive down their street in his El Dorado

He could walk down your street
Girls could not resist his stare
So Pablo Picasso was never called an asshole
Not like you
Wow!

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his finger nails

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his finger nails

He could walk down your street
And girls could not resist his stare
Pablo Picasso never got called an asshole

Well the girls would turn the colour of a juicy avocado
When he would drive down their street in his El Dorado

Well he was only 5'3"
But girls could not resist his stare
Pablo Picasso never got called an asshole
Not in New York
Wow!

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his finger nails

Swinging on the back porch
Jumping off a big log
Pablo's feeling better now
Hanging by his picture nails

La versión original de 1976 realizada por The Modern Lovers en su album The Modern Lovers

Well, some people try to pick up girls and get called assholes
This never happened to Pablo Picasso
He could walk down your street
And girls could not resist his stare, and so
Pablo Picasso was never called an asshole

Well, the girls would turn the color of the avocado
When he would drive down their street in his El Dorado
He could walk down your street
And girls could not resist his stare
Pablo Picasso never got called an asshole
Not like you

Alright

Well, he was only five foot three
But girls could not resist his stare
Pablo Picasso never got called an asshole
Not in New York

Oh well, so be not schmuck, be not obnoxious
Be not bellbottom bummer or asshole
Remember the story of Pablo Picasso
He could walk down your street
And girls could not resist his stare
Pablo Picasso was never called an asshole
Alright, this is it

Well, some people try to pick up girls and they get called an asshole
This never happened to Pablo Picasso
He could walk down your street
And girls could not resist his stare, and so
Pablo Picasso was never called

miércoles, 5 de abril de 2017

Futurismo. Fundamentos de Arte II.



El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. 

Fue Marinetti quien publicó en el periódico parisiense Le Figaro, el 20 de Febrero de 1909, el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.


"Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia"

Resultado de imagen de futurismo los relampagos
Manifiesto futurista 1910

En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.

Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. 

La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción, (contornos reducidos a formas geométricas, la aparición de diferentes puntos de vista de un mismo objeto, las gamas cromáticas de algunos de sus cuadros),  como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.

Umberto Boccioni

Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.
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Dinamismo de un ciclista, 1912
Comentario: Es una de las primeras pinturas futuristas de exaltación de la idea del movimiento. La pintura futurista utilizó las teorías del color de los impresionistas y el principio de las visiones simultáneas de los cubistas para la representación de la forma y el espacio, para la expresión de ideas dinámicas. En este cuadro Boccioni (1913) deja bien patentes las tendencias cubistas y el conocimiento de las teorías del color. Pero más evidente aún es la utilización de ritmos dinámicos rectos y curvos para aglutinar los instantes cambiantes de un movimiento.
Los futuristas se opusieron sistemáticamente a la estática clasicista, al hieratismo, y a toda la estática inmovilidad de la pintura del pasado, afirmaron que el espacio ya no existe, y prodigaron un arte dinámico, capaz de presentar imprevistos grotescos desalma, sus chocantes violencias. Sin embargo, lo que justifica esa perentoria necesidad de dar cabida positiva al dinamismo mecánico, no es otra sino la voluntad de equiparar el nuevo arte con los avances de la ciencia moderna.
Son muy abundantes, incluso abrumadoras, las representaciones de ese motivo típico del futurismo: el dinamismo, que es su signo de progreso.


En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que expresan el desánimo.

Resultado de imagen de futurismo escultura boccioni
Formas únicas en la continuidad del espacio, 1913

Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influido por Cézanne.

Giacomo Balla

Sus primeras obras, Interpretaciones Iridiscentes, Vuelos rápidos y Líneas de velocidad dieron el impulso y ritmo a las experimentaciones de los primeros años del futurismo.

Trabajó fundamentalmente sobre los aspectos ópticos del movimiento en obras como Muchacha corriendo en el balcón, Las manos del violinista o Dinamismo de perro con correa

De la misma forma se interesa por realizar un análisis de los ritmos en ciertas aves, así como una serie sobre La velocidad del automóvil.

A partir de 1930, volvió a temas figurativos, pintando ciudades, paisajes y retratos. Fue, además, precursor del dadaísmo.

Luz de la calle, 1909
Luz de la calle, 1909

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Chica corriendo en un balcón, 1912

Dinamismo de un perro con correa, 1912

Luigi Russolo

Continúa con las sensaciones dinámicas en obras como Casas + luces + cielo, Síntesis plástica del movimiento de una mujer y Dinamismo de un automóvil.

Dinamismo de un automóvil, 1912.
Dinamismo de un automóvil, 1912



Luigi Russolo (30 de abril de 1885 – 4 de febrero de 1947) fue un pintor futurista y compositor italiano, y autor del manifiesto El arte de los ruidos (1913). Muy interesado por la música, por el sonido… que intenta fusionar el arte con los sentidos. Crear un arte que se puedan integrar más sentidos, jugando con la sinestesia. Daba conciertos de ruido (música vinculada al futurismo). Suele ser considerado como el primer compositor de música experimental noise de la historia. También es uno de los primeros filósofos de la música electrónica.


Al comienzo de su carrera empleó una técnica divisionista, y sus temas giraban en torno a la ciudad y la civilización industrial. Entre sus obras más significativas destaca “Los Relámpagos” de 1909-10. En 1910 firmó el Manifiesto Futurista y tuvo una participación activa en este grupo.

Aunque sus pinturas no tuvieron un amplio impacto, su música y sus instrumentos para hacer ruidos contribuyeron significativamente al movimiento futurista. Además de exponer sus principios en el manifiesto El arte de los Ruidos de 1913, inventó una máquina de ruido llamada Intonarumori o “entonador de ruidos”, que fue duramente criticada en la época. Nada de ella sobrevivió a los bombardeos de la guerra aunque sí quedaron grabaciones de cómo se escuchaba junto con una orquesta.


Gino Severini

En Pan Pan en Mónaco conserva parte la de figuración para fragmentarla y destrozarla dentro de sus ritmos vertiginosos.
Su pintura más importante es El tren blindado y Bal Tabarin es otra de sus obras más características.

Carlo Carrá

Se Interesó por el divisionismo de Seurat y su evolución posterior lo llevó hacia la pintura metafísica. 
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El caballero rojo, 1913


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Funeral del anarquista Galli.
Comentario: La tendencia futurista que no abandona totalmente el figurativismo, aparece en la obra de Carrá. En esta abigarrada composición, en la que se adivinan forman naturales, las diagonales de inclinación contradictoria sugieren la excitación violenta, mientras que la repetición de trayectorias curvas lleva al movimiento. La combinación de sutiles contrastes tonales enfatiza los centros de interés cálidos. En ellos confluyen diagonales y ritmos curvos que orientan el movimiento y dan coherencia a la composición.

El movimiento futurista desapareció con la Primera Guerra Mundial, sus miembros se fueron dispersaron en varias direcciones. 

Adaptación de un texto original de http://www.arteespana.com/futurismo.htm
Podéis obtener más info en la siguiente entrada: futurismo

lunes, 3 de abril de 2017

Dadaísmo 2ª parte. Fundamentos de Arte II.

El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.





El movimiento dadaísta surgió en 1916, en el contexto de la Primera Guerra Mundial. Zurich,  en Suiza, se convirtió en refugio de muchos intelectuales y artistas entre los que destacaron Hugo Ball y Tristan Tzara.

Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.

La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.


Se dice que el nombre del movimiento nació el 2 de febrero cuando Tristan Tzara tomó un diccionario, lo puso encima de su escritorio y queriendo buscar una palabra abrió el diccionario y buscó la palabra más rara y desconocida, y encontró dadà.


El mismo Tzara ofreció diversas explicaciones sobre la palabra, todas apuntando al sinsentido de la misma. Entre éstas encontramos, en el Manifiesto dadaísta de 1918, lo siguiente:







"Dadá no significa nada. Si alguien lo considera inútil, si alguien no quiere perder su tiempo con una palabra que no significa nada […]"


El dadaísmo nació como rebelión contra lo establecido, no sólo contra las técnicas o procedimientos artísticos empleados sino contra la actitud de conformismo y desinterés social que tenían los artistas y el público de la postguerra ante los atroces sucesos que se estaban desarrollado.











La influencia del dadaísmo hace que, en la actualidad, todavía se debata sobre qué es el arte y qué creaciones deben ser consideradas como artísticas. La ausencia de reglas fijas y convenciones que promulgaban los dadaístas aún tienen vigencia para muchos artistas. Los dadaístas nos hacen plantearnos los mismos límites del arte y su propio concepto.  

La expansión del mensaje dadaísta fue intensa, amplia y tuvo repercusiones en todos los campos artísticos. Con el fin de expresar el rechazo de todos los valores sociales y estéticos del momento, y de todo tipo de codificación, los dadaístas recurrían con frecuencia a la utilización de métodos artísticos y literarios deliberadamente incomprensibles, que se apoyaban en lo absurdo y en lo irracional. Sus representaciones teatrales y sus manifiestos buscaban impactar o dejar perplejo al público con el objetivo de que éste reconsiderara los valores estéticos establecidos. Para ello utilizaban nuevos materiales, como los de desecho encontrados en la calle, y nuevos métodos, como la inclusión del azar para determinar los elementos de las obras.



El Dadaísmo se presenta como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior. 

  • Su búsqueda de nuevas formas de expresión les lleva a emplear en sus obras materiales inusuales o a mostrar planos de pensamiento que hasta ese momento no se habían mezclado, con la consecuente provocación que esto supone. 
  • Sus espectáculos, sus obras suelen ser gestos y acciones provocadoras con los que los artistas pretenden destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando, de esta forma, un antiarte. Y es que con el dadaísta estamos ante un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético porque cuestiona la existencia misma del arte, la literatura y la poesía. 
  • El dadaísmo propugna la defensa del individuo, de lo inmediato, de la espontaneidad, de la aleatoriedad, de la contradicción, del caos y de la imperfección.
  • Con el gesto, el escándalo y la provocación como formas expresivas el dadaísmo quiso enseñarnos que el arte estaba en la acción y que las fronteras de arte y vida debían ser abolidas.
  • Además de dejarnos claro que todo en el arte es una convención que puede ser cuestionada y que, por tanto, no hay reglas fijas y eternas que legitimen de manera histórica lo artístico.


Tristan Tzara en 1924 dejó recogidos una serie de consejos de cómo hacer poesía dadaísta:

Coja un periódico 


Coja unas tijeras 

Escoja en el periódico un artículo de la longitud que quiera darle a su poema 
Recorte el artículo 
Recorte en seguida con cuidado cada una de las palabras que forman el artículo y métalas en una bolsa 
Agítela suavemente 
Ahora saque cada recorte uno tras otro 
Copie concienzudamenteen el orden en que hayan salido de la bolsa 
El poema se parecerá a usted 
Y es usted un escritor infinitamente original y de una sensibilidad hechizante, aunque incomprendido del vulgo

Aquí podéis escuchar dos poemas dadaístas: 






Hugo Ball: Karawane, 1916

Aquí puedes ver un film dadaísta: