martes, 21 de noviembre de 2017

Fundamentos del arte I. Repaso

















Fundamentos del Arte II: El realismo. Courbet.



"El Realismo aparece principalmente en Francia y en Gran Bretaña, durante la segunda mitad del siglo XIX. En sus comienzos, este movimiento se manifiesta tanto en literatura, con Balzac, Champfleury, como en pintura con un cierto número de artistas, entre ellos Gustave Courbet. En un periodo marcado por la oposición entre el Romanticismo y el Clasicismo, el Realismo abre una nueva vía, evocando la realidad sin idealización y abordando temáticas políticas y sociales.
No hay que entender "realismo" como un intento de imitación servil de lo real.

La voluntad de Courbet consiste en dar a ver una visión personal de lo real, que a veces se enfrenta a la incomprensión de sus contemporáneos.

En 1849  presentó al Salón de París la obra Los picapedreros y un año más tarde Un entierro en Ornans. Según la tradición de la pintura y el criterio academicista, los cuadros de gran formato están reservados a temas históricos, bíblicos, mitológicos o alegóricos. Courbet rompe con dicha tradición académica.
El jurado del Salón de 1855 acepta más de diez cuadros de Courbet, pero rechaza su Taller, debido al tamaño del cuadro. Esta decisión incita a Courbet a organizar una exposición particular, al margen de la Exposición Universal, en un recinto edificado a su costa y que nombra el "Pabellón del Realismo".
En 1866 pinta por encargo "El origen del mundo"

Courbet no expresa directamente sus firmes convicciones republicanas en su pintura. Pese a representar los ambientes populares, considera de hecho que su arte no tiene porqué ser didáctico o propagandista. El Realismo aparece desde entonces como un movimiento heterogéneo y no estructurado.
Courbet pinta sin teatralizar, lo que lo diferencia de los demás realistas que desarrollan su arte a partir de motivos populares, pero con una inclinación hacia una dramatización" (Texto adaptado Museo D'Orsay)
Puedes consultar más información sobre el pintor y su contexto histórico en el siguiente enlace Museo d'Orsay


Comenta el siguiente texto.

Champfleury, Del Realismo, Cartas a la Señora Sand 1855
"En estos instantes, Señora, vemos a dos pasos de la Exposición de pintura, de la avenida Montaigne, un cartel que pone claramente: DEL REALISMO. G. Courbet. Exposición de cuarenta cuadros de su obra. Es una exposición a la manera inglesa. Un pintor, cuyo nombre se ha dado a conocer desde la revolución de febrero, ha elegido, en su obra, los lienzos más significativos y ha hecho construir un taller.
¡Es un atrevimiento increíble, derroca a todas las instituciones con jurado, es el llamamiento directo al público, es la libertad, dicen unos!
¡Es un escándalo, la anarquía, el arte arrastrado hasta el fango, son tableros de feria, dicen otros! [...]
Courbet es un faccioso por haber representado de buena fe a burgueses, campesinos, mujeres de pueblo a tamaño natural. Esto ha sido el primer punto. No se quiere admitir que un picapedrero vale tanto como un príncipe: la nobleza se indigna por haber dedicado tantos metros de lienzo a gente del pueblo; solo los soberanos tienen derecho a ser pintados de pie, con sus condecoraciones, sus bordados y sus fisionomías oficiales. ¿Cómo? Un hombre de Ornans, un campesino en su ataúd, se permite congregar en su entierro a una considerable muchedumbre: granjeros, gente de baja condición..."
a) ¿Quién es Champfleury?
b) ¿A qué dos tipos de exposiciones hace alusión el texto?
c) ¿Quiénes son los protagonistas de la obra de Courbet?
d) ¿Cuál es la mayor crítica que reciben las obras de Courbet?


Para un conocimiento más profundo del Entierro de Ornans y  la técnica de Courbet  puedes visionar este video:



Más información en ENSEÑ-ARTE

lunes, 6 de noviembre de 2017

Fundamentos del arte I y II. Historia de la moda: Colección Masters de Louis Vuitton


Saludos!
En muchas ocasiones los diseñadores se han inspirado en el arte para componer sus colecciones.
En esta ocasión Jeff Konns reconocido artista contemporáneo ha colaborado con la firma Louis Vuitton en una campaña llamada "Masters". Jeff Konns recrea obras maestras de Boucher, Turner, Manet, Gauguin y Monet. 

MASTERS - UNA COLABORACIÓN CON JEFF KOONS - Louis Vuitton Moda NEWS

"En los últimos años, Louis Vuitton ha confirmado su compromiso con el mundo del arte a través de una serie de colaboraciones de primer nivel con algunos de los artistas más influyentes de nuestros tiempos. Esta segunda edición de la colección "Masters" desarrollada con Jeff Koons continúa con su sólido fundamento, seguir explorando la intersección entre arte y moda.

Este mes, Louis Vuitton lanzará la segunda colección desarrollada junto a Jeff Koons. Reconocido como una de las figuras más importantes del panorama artístico contemporáneo y basándose en su serie de obras “Masters”, este segundo capítulo llegará a las tiendas el próximo 27 de octubre. Incluirá Joven recostada (Reclining Girl) de François Boucher; Tierra deliciosa (Delightful Land) de Paul Gauguin; Almuerzo sobre la hierba (Luncheon on the Grass) de Edouard Manet; Nenúfares (Water Lilies) de Claude Monet; El triunfo de Pan (The Triumph of Pan) de Nicolas Poussin, venta exclusiva en la nueva Maison Louis Vuitton Vendôme; y Antigua Roma (Ancient Rome) de J.m.W. Turner.

Esta nueva serie de obras simbolizan la conexión de Koons con cada uno de los artistas. “Son parte de mi ADN,” comenta Koons. “Cuando alguien camine en la calle con este bolso, o se siente en una cafetería con este bolso,” dice Koons sobre el bolso Manet Neverfull, “estará comunicando su amor por el humanismo.”" 


Podéis acceder a la página oficial de Louis Vuitton y su video publicitario aquí: Campaña Louis Vuitton

(Imágenes e información tomadas de la página web oficial de Louis Vuitton España con finalidad exclusivamente didáctica,  http://es.louisvuitton.com/esp-es/lv-now)

ACTIVIDADES

Fundamentos de Arte I.
1. Buscad una colección inspirada en la Antigua Grecia.
2. Investiga la indumentaria habitual femenina y masculina en Grecia. Escribe los tipos y componentes de cada uno describiendolos brevemente.
3. Realizaremos en clase el patrón de peplo griego que luego confeccionaremos.


Fundamentos de Arte II

1. Buscad una colección inspirada en el s. XIX, Romanticismo.
2. Investigad las partes de la indumentaria femenina y masculina. Describir los distintos componentes.
Os dejo un resúmen en este documental:





En el siguiente podéis acercaros al cambio hacia la moda del s. XX













lunes, 30 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte I. Arte griego

Hola chicos, os dejo el enlace a los apuntes de Ana Galván sobre el arte griego. Descargar e imprimir: Arte Griego

Feliz semana a todos!

sábado, 28 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte I. Los guerreros desnudos de Xian - Documental



Saludos!!! Hoy os dejo dos documentales sobre un periodo apasionante de la historia de la Humanidad, el nacimiento la gran civilización china.
(Antes de empezar podéis leer las páginas 15 a 18 de vuestro libro digital). Espero que os guste.





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jueves, 26 de octubre de 2017

Fundamentos del arte I: La indumentaria egipcia. Actividad 27.10. 2017


Hola chicos,
para analizar las características del vestido en general y del atuendo real egipcio en particular os dejo el estudio que se realizó en el Museo Arqueológico Nacional sobre una pieza conservada en el mismo. Se trata de una escultura realizada en granito de color oscuro y fechada en periodo Ptolemaico (332-30a. C), esto es, bajo la dominación griega.
Teniendo en cuenta la invariabilidad en las formas del arte egipcio podemos, gracias al estudio de una pieza, extraer las características generales de la indumentaria en el antiguo Egipto.
Espero que os sea útil en vuestra investigación, Estudio del atuendo egipcio,

Además podéis consultar los siguientes documentos Historia de la moda. Boucher,  Vestidos y cosméticos de Egipto y las siguientes páginas aquí,  aquí

Actividad grupal de libre organización

1. Realizad una presentación tipo prezzi, canva o power point en el que junto a las imágenes aparezca el texto explicativo, con las características del atuendo masculino y femenino en el Antiguo Egipto.

2. Buscad imágenes de colecciones de diseñadores actuales que hayan utilizado Egipto como fuente de inspiración, como por ejemplo Jean Paul Gaultier en 2008. (Podeis inspiraros leyendo esta noticia en harpersbazaar.es)


3. Egipto en el cine:
 "Cleopatra".
a)¿Quién fue el director y protagonistas de ésta película de 1963?
b) Realiza una breve investigación sobre la historia de los personajes principales Cleopatra, César y Marco Antonio




4. Actividad individual. Tras esta investigación debéis diseñar una prenda, joya u objeto de inspiración egipcia.




Fundamentos del Arte I. Temas 1 y 2

Hola chicos! Os enlazo apuntes de la profesora Ana Galván realizados para la asignatura de Fundamentos del arte I. Podéis acceder a todo su material didáctico desde este enlace Fundamentos del Arte I
Os recomiendo descargarlos o imprimirlos porque os serán de gran ayuda durante el estudio y preparación de los contenidos de la asignatura.

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. Grandes Epocas Arte 9 Siglo XIX



¡Saludos! Para asentar conocimientos, obtener una visión general del s. XIX os propongo el visionado de este documental de 56 m. de duración.



Fundamentos del Arte II. Actividades 27 de Octubre. Goya grabador.



Saludos! Hoy os dejo trabajar sobre un aspecto artístico concreto: el grabado y otras técnicas artísticas. Para ello estudiaremos a uno de los grandes grabadores de la historia: Goya
Para entender mejor el proceso os dejo un fragmento de la película "Los fantasmas de Goya". Tras leer la información relativa a su labor como grabador,  realiza las actividades finales.

Goya grabador.

Goya, a igual que la mayoría de los jóvenes que deseaban dedicarse a las artes, se inició en el dibujo copiando estampas para ejercitar la mano pero pocas veces eso supuso que el futuro pintor hubiera de realizar grabados. Esta es una de las singularidades de Goya pues dedicó parte de su actividad artística al grabado.

Goya sabía el potencial que tenía el grabado como técnica artística, método de enseñanza y medio de difusión de su obra.

En 1778 Goya presentó a la Academia de San Fernando ocho estampas por pinturas de Velázquez que tuvieron una gran acogida.

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En el grabado Goya podía expresarse libremente al igual que en las obras que nacían sin ser obra de encargo.

La evolución de su técnica fue constante, utilizó y combinó todas las técnicas y útiles: el aguafuerte, aguatinta, punta seca, buril, bruñidor, rascador y  ya anciano, realizó litografías sobre la obra velazqueña.

Los caprichos:


La técnica de grabado de los Caprichos es una combinación de aguafuerte y aguatinta. Se les consideran una crítica a la sociedad de su época, a instituciones, órdenes religiosa, la Inquisición y a  personajes de la Corte como el propio Godoy.

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En 1808 Goya va a ser testigo de la Guerra de Independencia (1808-1814). El pintor vivía en Madrid cuando se produjo el levantamiento el 2 de mayo pero se trasladó a Zaragoza convocado por el General Palafox para realizar unas pinturas que diesen testimonio de la resistencia de la ciudad frente al asedio francés

Los Desastres de la guerra:


Serie al aguafuerte que a modo de crónica de guerra deja de manifiesto la violencia, la crueldad humana. Técnicamente aparece una gran innovación, la aguada. Se trata de la aplicación directa del aguafuerte sobre la plancha con un pincel sin que medie protección alguna en ésta.

Se pueden distinguir varios temas: el levantamiento y la lucha popular, los efectos devastadores de la contienda, el hambre en Madrid, las consecuencias de los seis primeros años de reinado de Fernando VII y la esperanza por el Trienio Liberal que los estudiosos han clasificado en tres grandes grupos.

Se conservan 56 dibujos preparatorios en el Museo del Prado.

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Imagen relacionada


La Tauromaquia


La tercera de las series grabadas por Goya tiene como centro la fiesta de los toros, las corridas y espectáculos taurinos firmadas y fechadas en 1815

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Los disparates


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Son estampas realizadas en su vejez que algunos estudiosos han relacionado con escenas del carnaval. Fue iniciada poco antes de poner a la venta Tauromaquia. En cualquier caso ninguna estampa va fechada. La primera edición es de 1864.
Para saber más sobre la vida y obra de Goya pincha aquí y aquí


Por último, realiza las siguientes actividades:

1. Define: estampa, aguafuerte, aguatinta,  litografía, xilografía, buril, punta seca. (Para obtener más información sobre la técnica del grabado y sus tipos pincha aquí,  aquí y aquí)

2. Busca y conserva una imagen diferente a las anteriores que ilustre cada una de las técnicas antes descritas, (preferentemente de otras obras de Goya, Durero, Rembrandt, Marc Chagall), realizadas con las distintas técnicas antes descritas.

3. Busca información sobre Durero y Rembrandt, considerados grandes grabadores. Elige una de sus obras con la técnica del grabado (cualquiera de sus tipos)

4. Explica las características especiales del grabado japonés ukiyo-e. Para ello puedes acceder leer sobre ello aquíaquíaquíHistoriaMaterialesRealización


Además os dejo el enlace a una página web sobre todo lo relacionado con el mundo del grabado que me ha parecido interesante: tecnicasdegrabado



Fundamentos del Arte II. Goya. Actividad 27.10.2017

Saludos! Os dejo el enlace a los apuntes de Goya realizados por la profesora Ana Galvan. Todos sus materiales didácticos los podéis encontrar en su blog, (tenéis el enlace en el apartado de recursos). Os recomiendo que los vayáis consultando.

Apuntes Goya

viernes, 20 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte I. Arte rupestre. Venus de Willendorf


Saludos! Quiero compartir con vosotros algunas imágenes de la actividad realizada con los alumnos de 1º de Bachillerato de Artes el pasado 6 de Octubre. 
Quisimos practicar con el modelado y el volumen empleando como material la arcilla. Utilizamos como modelo  la Venus de Willendorf, ejemplo fundamental del arte simbólico rupestre.
La experiencia con la arcilla y el trabajo en equipo fue muy enriquecedor.
¡Enhorabuena por vuestro trabajo!





jueves, 19 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte II. Los fantasmas de Goya.



Os propongo una actividad voluntaria, a partir del visionado de la película realizar:

- una síntesis de la época y vida del genial pintor.
- establecer cronológicamente sus obras más destacadas.
- buscar los retratos de los personajes (duquesa de Alba, y otros que pudieran aparecer )
- una pequeña síntesis sobre la moda española del s. XIX.

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. Neoclasicismo y Romanticismo. Esquemas visuales





martes, 17 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte I. Actividades

Hola chicos, os dejo trabajo para mañana 18 de octubre.

En el desplegable de la derecha tenéis una etiqueta "arte egipcio". Ya hemos visionado alguno de los videos pero aún queda mucha información adicional que tenéis que consultar.

Hemos trabajado el origen de la arquitectura funeraria, mastabas, pirámides e hipogeos (podéis ver la info sobre la tumba de Nefertari)

Los templos de Karnak y Luxor  ejemplifican las grandes construcciones arquitrabadas cuyo soporte, las columnas, adquieren gran importancia. Realizad la actividad de la pag 12 del libro digital.

En el libro digital dispones de información para completar este ejercicio:

1. Identifica las imágenes, señalando características  y tipología:











lunes, 16 de octubre de 2017

Copying Beethoven - ACTIVIDADES FUNDAMENTOS ARTE II




EL PRIMER ROMÁNTICO: BEETHOVEN (1770-1827).


Ludwig van Beethoven nació en Bonn, Alemania. No tuvo un hogar familiar acogedor. A los catorce años fue nombrado organista en la corte del Elector de Colonia. En 1787 fue enviado a Viena para que estudiase con Mozart, pero una enfermedad de su madre lo obligó a regresar a su ciudad natal. Su inquietud cultural lo convirtió en un ávido lector y llegó a matricularse en la Universidad.

En 1792 vuelve a viajar a Viena, siendo alumno de Salieri y Haydn, entre otros. Su experiencia como pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa, entre la que adquirió prestigio.

Cuando tenía 26 años advirtió los primeros síntomas de sordera, que fue aumentando progresivamente, lo que lo llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y a tener un carácter “difícil”.

Influenciado políticamente por las ideas de la Revolución Francesa, se consideraba republicano y demócrata. En 1827 muere rodeado de fama y admirado en todo el mundo.

Aportaciones y trascendencia de la obra de Beethoven.-

. Es un músico que comienza a componer al estilo Clásico y hace evolucionar la música hasta el romanticismo; es más, todos los compositores posteriores recibirán su influencia.

. Da relevancia a la música, que se convierte en el mejor lenguaje del hombre romántico.

. Es el prototipo del genio romántico, ejerciendo influencia no sólo sobre los músicos, sino sobre pintores y literatos.

. Liberó al músico de trabajar “por encargo” (al servicio de) puesto que él se considera un “artista libre”. El artista beethoviano, ya no escribe lo que su público espera de él, sino lo que él quiere imponer a su público.

Desde Beethoven el componer no consiste, como ocurría en el Clasicismo, en seguir unas normas que se imponen al artista, sino, por el contrario, consiste en expresar los propios sentimientos ("Claro de luna", Beethoven) e ideas que uno tiene del mundo.

.Lleva a la cumbre la SINFONÍA (escribe nueve), y, al mismo tiempo, hace que esta forma signifique para el pensamiento romántico el culmen de la expresión musical.

Dentro de su producción musical podemos distinguir tres períodos:

1ª.-Sus composiciones están muy influenciadas por el Clasicismo, aunque ya se aprecian formas románticas, como, por ejemplo, en su sonata “PATÉTICA”.


2ª.- Aparecen signos claramente románticos, como la preocupación por el color tímbrico, como ocurre en la “Sinfonía Pastoral”.

3ª.-En esta etapa Beethoven es plenamente romántico, hasta el punto de aportar “novedades” a la sinfonía como ocurre en la “Novena”, en la que en su cuarto movimiento introdujo la voz humana cantando la “Oda a la alegría”, de Schiller”, que es un canto de amor a la Humanidad, un grito de fraternidad.

ACTIVIDADES.

1. Realiza una pequeña investigación biográfica sobre la vida de Beethoven
2. Investiga y resume las características del Romanticismo (la música, literatura, pintura, escultura, etc)
3. Investiga sobre la figura de Goya. Realiza una breve biografía del pintor e indica puntos de similitud entre ambos personajes.
4. Realiza una breve investigación sobre la moda del s. XIX. diferenciando entre moda masculina y femenina.  Incluye alguna obra pictórica que lo ilustre.
5. Finalmente busca alguna colección de un diseñador o casa de moda actual que haya realizado una colección inspirándose en estos modelos del diecinueve.

Para realizar las actividades disponéis de la película sobre la vida y obra de Beethoven, teniendo en cuenta su larga duración  tendríais que terminar su visionado en casa para proseguir y terminar el trabajo en la siguiente clase (miércoles 18)
En el blog podéis encontrar numerosa información así como en el libro digital y en los recursos web.
Ánimo!

martes, 10 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte II. Neoclasicismo


El Neoclasicismo

El Neoclasicismo es un estilo artístico ligado al racionalismo de la Ilustriación. Defiende un nuevo concepto estético difundido por las Academias artísticas, que defendían la recuperación del arte clásico grecorromano.
Winckelmann publicó en 1764 una obra titulada “Sobre la imitación de las obras griegas, donde defendía los modelos griegos como máxima expresión de la belleza.

Arquitectura
La arquitectura neoclásica se basa en la imitación de los modelos de la Antigüedad clásica griega y romana. Por ello busca la proporción y la armonía pero a una escala monumental.
El material constructivo mayoritario es la piedra, aparejada en sillares isódomos. Como soportes emplean el muro, el pilar, la pilastra y sobre todo la columna. Encontramos todos los  órdenes clásicos, aunque mayoritariamente el dórico y el corintio.
En las estructuras interiores se utilizan los arcos de medio punto, las cúpulas y bóvedas de cañón y en las fachadas predominan los entablamentos y frontones triangulares.

La tipología de edificios responde a la función que vaya a desempeñar y son diversos: bibliotecas, teatros, …

Accede al archivo aquí








También puedes consultar los siguientes apuntes: 



domingo, 8 de octubre de 2017

Fundamentos del Arte I. Historia de la construcción de Egipto



Este vídeo resume y explica muy claramente la forma de construir de los egipcios.
Tras el visionado realiza las siguientes actividades:

1. ¿Qué origen tienen las pirámides?
2. ¿Cuáles son las partes fundamentales de las pirámides?
3. Enumera en orden de aparición los tipos de pirámides y cita los ejemplos más importantes.
4. ¿Quién fue Imhotep?
5. ¿Qué es una esfinge?
6. ¿Qué es un hipogeo?
7. Resume las características de la arquitectura egipcia.

Fundamentos del arte I. Esquemas arte egipcio


Fundamentos del arte I. Mesopotamia





Leeeste texto de E. Gombrich sobre la civilización mesopotámica de su libro "Breve historia del tiempo". A continuación contesta el cuestionario sobre el mismo.

“ La semana tiene siete días. Se llaman..., ¡bueno, eso ya lo sabes! Pero, probablemente, no sabrás desde cuándo los días no van pasando uno tras otro, sin nombre ni orden, como pasaban para los hombres primitivos. Ni quién los reunió en semanas y les dio su nombre a cada uno. Eso no ocurrió en Egipto, sino en otro país donde también hacía calor. Y, en vez de un río, el Nilo, había incluso dos: el Eufrates y el Tigris. Por eso, aquel país se llama el país de los dos ríos. Y, como la tierra que merece la pena se extiende entre las dos corrientes, se le llama también país entre ríos, o con una palabra griega, Mesopotamia. Esta Mesopotamia no se halla en África, sino en Asia, pero no demasiado lejos de nuestra zona. Está situada en el Próximo Oriente. Los dos ríos, el Eufrates y el Tigris, desembocan en el golfo Pérsico.

Tienes que imaginar una amplísima llanura a través de la cual corren esos dos ríos. Es cálida y pantanosa y, a veces, las aguas inundan también el país. En esa llanura se ven en la actualidad de vez en cuando grandes colinas, aunque no son colinas de verdad: si comenzamos a excavar en ellas, encontraremos en primer lugar una gran cantidad de ladrillos y escombros. Poco a poco, nos iremos topando con altas y sólidas murallas, pues estas colinas son, en realidad, ciudades en ruinas, grandes ciudades con calles largas tiradas a cordel, casas altas, palacios y templos. Al no estar construidas en piedra, como en Egipto, sino con ladrillos, se han desmoronado con el paso del tiempo por la acción del Sol y, finalmente, se han hundido formando grandes montones de escombros.

Una de esas escombreras de un paraje desértico es hoy Babilonia, que fue en otros tiempos la mayor ciudad del mundo, con un increíble pulular de personas llegadas de todos los rincones que llevaban allí sus mercancías para intercambiarlas. Otra de esas escombreras, al pie de la montaña, aguas arriba, es también la segunda ciudad mayor del país: Nínive. Babilonia fue la capital de los babilonios. Eso es fácil de recordar. Nínive, sin embargo, fue la capital de los asirios.

Este país no estuvo casi nunca gobernado en su totalidad por un único rey, como Egipto. Tampoco fue un imperio de duración tan larga y que se mantuviera con fronteras fijas. En él habitaron múltiples pueblos y numerosos reyes que gobernaron sucesivamente; los pueblos más importantes fueron los sumerios, los babilonios y los asirlos. Hasta hace poco se creía que los egipcios eran el pueblo más antiguo en poseer todo cuanto denominamos cultura: ciudades con artesanos, príncipes y reyes, templos y sacerdotes, funcionarios y artistas, una escritura y una técnica.

Desde hace algunos años sabemos que los sumerios se hallaban por delante de los egipcios en varios de estos asuntos. Excavaciones realizadas en las escombreras que surgen del llano en las proximidades del golfo Pérsico nos han mostrado que a los habitantes de aquellos lugares se les había ocurrido la idea de modelar ladrillos con barro para construir con ellos casas y templos más de 3.100 años a. C. Bajo uno de los mayores montones de escombros se hallaron ruinas de la ciudad de Ur, donde, según la Biblia, vivieron los antepasados de Abraham. Allí se encontró un gran número de tumbas que debían de remontarse, aproximadamente, al mismo tiempo que la pirámide de Keops en Egipto. Pero, mientras la pirámide se halla vacía, en este otro lugar se descubrieron objetos magníficos y sorprendentes. Maravillosas alhajas de oro para mujeres y recipientes también de oro para ofrendas sepulcrales. Cascos de oro y puñales cubiertos de ese metal y piedras preciosas. Arpas suntuosas decoradas con cabezas de toros e—imagínatelo—un tablero de juego con cuadrados como los del ajedrez hecho de preciosas incrustaciones.

En estas escombreras se encontraron también piedras redondas con sellos, y tablillas cerámicas con inscripciones. Pero no en jeroglíficos, sino en otro tipo de escritura casi más difícil aún de descifrar. Precisamente porque ya no emplea imágenes, sino trazos aislados acabados en punta y con aspecto de triángulos o cuñas. Se llama escritura cuneiforme. En Mesopotamia no se conocieron los libros de papiro. Todos los signos se escribían en arcilla blanda que, luego, se cocía en hornos, formándose así tablillas de cerámica duras. Se han hallado grandes cantidades de esa clase de tablillas de época antigua. Contienen largas y hermosísimas leyendas y relatos fabulosos que hablan del héroe Gilgamesh y de su lucha con monstruos y dragones. Y también numerosas inscripciones en las que ciertos reyes informan sobre sus hazañas y se enorgullecen de los templos erigidos por ellos para la eternidad y de cuántos pueblos han subyugado.

Se han encontrado tablillas antiquísimas con informes de comerciantes, contratos, certificaciones, listas de mercancías, etcétera. Por eso sabemos que los antiguos sumerios fueron ya, como lo serían más tarde los babilonios y los asirios, un gran pueblo de comerciantes capaz de llevar muy bien las cuentas y distinguir con claridad lo justo de lo injusto.

De uno de los primeros reyes babilonios que dominaron todo el país conocemos una de esas grandes inscripciones grabada en una piedra. Es el código legal más antiguo del mundo: las leyes del rey Hammurabi. El nombre suena como salido de un libro de cuentos, pero las leyes son muy razonables, rigurosas y justas. Por eso podrás guardar en la memoria cuándo vivió Hammurabi, aproximadamente: unos 1.700 años a. C., es decir, hace 3.700 años.

Los babilonios eran rigurosos y diligentes, como lo fueron también más tarde los asirios. Pero no pintaban figuras tan coloristas como los egipcios. En sus esculturas y representaciones sólo suele verse, en la mayoría de los casos, al rey de caza o a sus enemigos presos y atados de pies y manos arrodillados ante él, además de carros de guerra que ponen en fuga a pueblos extranjeros, y a guerreros que asaltan fortalezas. Los reyes tienen una mirada sombría, llevan barbas largas negras y rizadas y pelo largo y en bucles. A veces los vemos ofreciendo sacrificios a los dioses; al dios del Sol, Baal, y la diosa de la Luna, Ishtar o Astarté.

En efecto, los babilonios y los asirios rezaban al Sol, la Luna y las estrellas, considerándolos sus dioses. En las noches claras y cálidas observaron durante años y siglos el curso de los astros. Y como eran personas de mente clara e inteligente, se dieron cuenta de la regularidad del recorrido de las estrellas. Pronto reconocieron las que parecen estar fijas en la bóveda del cielo y que vuelven a encontrarse cada noche en el mismo lugar. Y dieron nombres a las figuras formadas en el firmamento, tal como hoy hablamos de la «Osa Mayor». Pero aún se interesaron más por las estrellas que se mueven en la bóveda celeste y tan pronto se sitúan en la proximidad de la «Osa Mayor», como, por ejemplo, cerca de «Libra». Por aquel entonces se creía que la Tierra era un disco fijo, y el firmamento una especie de esfera hueca tendida como una concha sobre la Tierra y que giraba una vez al día. Seguro que les extrañaba de manera especial que las estrellas no estuviesen todas fijas en aquella concha celeste y que algunas pudieran ser móviles, por así decirlo, y desplazarse de un lado a otro.

Hoy sabemos que son los astros los que se mueven a una con la Tierra en torno al Sol. Los llamamos planetas. Pero era imposible que los antiguos babilonios y asirios lo supieran; por eso creían que detrás de aquello se escondía alguna magia misteriosa. Dieron a esos astros nombres propios y los observaron siempre con atención, pues creían que se trataba de seres poderosos y que su posición significaba algo para el destino de los seres humanos. Por eso deseaban predecir el futuro según la posición de dichos astros. Esta creencia se llama adivinación por los astros, o, con una palabra griega, astrología. Se creía que algunos planetas proporcionaban suerte; y otros, desgracia. Marte significaba guerra; Venus, amor. A cada dios de un planeta se le consagró un día. Y, como con el Sol y la Luna sumaban exactamente siete, dieron origen a nuestra semana. Todavía seguimos diciendo lunes (por la Luna) y martes (por Marte). Los cinco planetas conocidos entonces se llamaban Marte, Mercurio, Júpiter, Venus y Saturno. En los nombres castellanos de la semana se reconocen estos nombres de los planetas, al igual que en muchas otras lenguas que se siguen hablando en la actualidad. Fíjate en los nombres franceses de la semana. Se llaman mar-di (de Marte), mercre-di (de Mercurio), jeu-di (de Júpiter), vendre-di (de Venus). Para el sábado, observa el inglés. En esta lengua, el día de Saturno se llama Satur-day. En alemán es algo más complicado porque los nombres grecorromanos de los dioses han sido sustituidos dentro de lo posible por sus correspondientes dioses antiguos germánicos. Así el miércoles, Dienstag (mar-tes) deriva, quizá, de Zius-Tag [día de Ziu], pues Ziu era el antiguo dios alemán de la guerra; de la misma manera, Donnerstag (jueves) proviene de Donar, el antiguo dios alemán al que se veneraba de la misma manera que a Júpiter. ¿Podías creer que nuestros días de la semana tienen una historia tan honorable y curiosa y con tantos milenios de antigüedad?

Para hallarse más cerca de las estrellas y poderlas ver también mejor en su país brumoso, los babilonios, y todavía antes los sumerios, levantaron extraños edificios. Grandes y amplias torres superpuestas e imponentes formando varias terrazas, con enormes contrafuertes y altas escalinatas. El templo para la Luna o los planetas se alzaba justo en lo más alto. La gente acudía de lejos llevando consigo valiosas ofrendas para que los sacerdotes les pronosticaran el destino a partir de los astros. Estas torres escalonadas surgen aún hoy en ruinas por encima de los montones de escombros, y se pueden hallar inscripciones en que los reyes cuentan cómo las erigieron o repararon. Tienes que pensar que los primeros reyes de esta región vivieron hace alrededor de 3.000 años a. C.; y los últimos, hace unos 550, también a. C.

El último rey babilonio verdaderamente poderoso fue Nabucodonosor. Vivió hacia el 600 a. C. Sus campañas de guerra le hicieron famoso. Luchó contra Egipto y deportó a muchos pueblos a Babilonia como esclavos. Pero sus mayores hazañas no fueron en realidad sus campañas bélicas sino los imponentes canales y depósitos de agua que ordenó construir para hacer fértil la tierra. Desde que esos canales se cegaron y los depósitos de agua se cubrieron de lodo, el país se ha convertido en esa llanura desértica y pantanosa donde se ven surgir a veces colinas de escombros.

Y cuando nos alegremos porque acaba la semana y llega de nuevo el domingo (en alemán Sonn-Tag, el «día del Sol»), pensemos alguna vez en esas escombreras de aquella cálida región pantanosa y en los severos reyes con barbas largas y negras, pues ahora sabemos la relación existente entre todo ello.”

Cuestionario:
1. ¿Qué significa la palabra Mesopotamia? ¿De qué idioma viene?
2. ¿Sobre qué dos ríos se asentaba esta civilización?
3. ¿Por qué a diferencia de Egipto, se han conservado muy pocos restos de la arquitectura mesopotámica?
4. Nombra dos importantes ciudades de Mesopotamia.
5. ¿Quiénes eran los sumerios? ¿Qué inventaron?
6. ¿Qué es el Código de Hammurabi?
7. ¿En Mesopotamia creían en el poder de los astros y su influencia en el destino de los hombres?
8. ¿Cuál fue la mayor hazaña del rey Nabucodonosor?

FUNDAMENTOS DEl ARTE II. La música romántica s. XIX.




MÚSICA DEL ROMANTICISMO


ASPECTOS SOCIOPOLÍTICOS.- En los años finales del siglo XVIII tuvo lugar una renovación de las ideas y de la vida en Europa producida por estos dos hechos:

La Revolución francesa (1789), que, recogiendo las ideas de la Ilustración, declaró la igualdad de todos los ciudadanos ante la Ley y la supresión de la monarquía absoluta.

 El Imperio napoleónico.

A pesar de que fuera de Francia, las monarquías absolutas europeas se resistieron al cambio, la aristocracia fue perdiendo sus privilegios y acabaron triunfando la libertad y el individualismo, con lo que se dio paso a un mundo en el que se impusieron los ideales de la burguesía.

Paralelamente al triunfo del liberalismo político en Europa, el NACIONALISMO logró en la segunda mitad del siglo XIX, importantes éxitos con la unificación de Italia y de Alemania, países cuyos territorios pertenecían a diversos Estados.


ASPECTOS CULTURALES.-

El Romanticismo surge en Inglaterra y Alemania (“Sturm und Drang”, Tempestad y empuje”) y desde ahí se expande por Europa y América, este nuevo estilo supone una ruptura con el anterior, el neoclasicismo.

El individualismo, la expresión de los sentimientos y la libertad creadora, características principales del movimiento romántico, se reflejan en las artes:

- En Literatura surgió el interés por el pasado medieval, las tradiciones, el folklore.

- En pintura predominó el interés por la Naturaleza y el paisaje.



CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO


La burguesía cambió el papel social de la música. El músico se convirtió en un “profesional” de su arte, con libertad absoluta para poner precio a su trabajo. Los conciertos públicos (en teatros), donde las personas que pagaban pasaron a formar el nuevo auditorio (la música “clásica” deja de ser patrimonio exclusivo de la nobleza y de la Iglesia) y la música que se realiza en los salones de la burguesía adinerada, donde el PIANO es el instrumento rey, evidencian una “democratización “ de este arte. Si a esto unimos una nueva mentalidad, que valoraba la música como la más romántica de las artes, entenderemos ese cambio tan importante en la consideración social de los compositores, que acabaron convirtiéndose en ídolos de los salones de la burguesía, junto con los "virtuosos" (pianista o violinista).

Avances tecnológicos que permitieron el perfeccionamiento técnico de los instrumentos de viento y su elaboración en serie.

Con el Romanticismo llegan nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las mejoras técnicas que se producen en los instrumentos y a un mayor empleo del viento y la percusión, esto tiene como consecuencia la consolidación de la orquesta sinfónica.

"Orgullo y prejuicio" (Escena del baile ).

La emoción musical, reprimida por las normas del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos (amor, odio, ira, nostalgia, tristeza, desesperación …). Importa la inspiración y la fuerza expresiva.

Estilo melódico. La melodía es apasionada e intensa.

Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un ambiente de mayor expresividad.

Predominio de la música instrumental sobre la vocal. No obstante, la ópera seguirá teniendo una gran importancia (con grandes compositores como VERDI o WAGNER) y el lied conocerá un gran desarrollo en Alemania.

La forma más característica de la música vocal del romanticismo es el LIED ("Widmund", Shumann). Se trata de una canción para una sola voz, acompañada al piano, cuya letra se basa en un texto poético de gran calidad. El maestro de este género fue Schubert.

La intensidad se adapta a los sentimientos del artista, de ahí sus cambios inesperados.

El ritmo está a merced de los sentimientos que expresa el músico, por lo que abandona su regularidad.

Preferencia por piezas cortas (son más íntimas) como el PRELUDIO, el ESTUDIO, el NOCTURNO… Aunque es en este período cuando se desarrollaron al máximo la sinfonía y el concierto.
Aparición del “VIRTUOSO” en ese deseo de destacar la propia personalidad ante los demás.
Los instrumentos preferidos son el VIOLÍN y el PIANO. La técnica de construcción del piano se perfecciona y su aprendizaje se populariza entre la burguesía.
Muchos compositores se inspiran en el folklore de su propio país o de otro país para componer sus obras, lo que llevará a la aparición del NACIONALISMO MUSICAL.
En los salones de los burgueses la danza tuvo un especial interés, como había sucedido tiempo atrás entre la nobleza.
En cuanto al tipo de bailes, se seguían bailando piezas dieciochescas, como los minués, las mazurkas, las contradanzas, pero junto a ellas surgieron nuevos bailes como el galop, la redova, el vals.
El vals, tan de moda durante el Romanticismo, al necesitar de un contacto físico mayor que el resto de los bailes burgueses y populares, en los que apenas se producía ningún roce , era visto como un baile muy atrevido e incluso "salvaje".


EL PRIMER ROMÁNTICO: BEETHOVEN (1770-1827).


Ludwig van Beethoven nació en Bonn, Alemania. No tuvo un hogar familiar acogedor. A los catorce años fue nombrado organista en la corte del Elector de Colonia. En 1787 fue enviado a Viena para que estudiase con Mozart, pero una enfermedad de su madre lo obligó a regresar a su ciudad natal. Su inquietud cultural lo convirtió en un ávido lector y llegó a matricularse en la Universidad.

En 1792 vuelve a viajar a Viena, siendo alumno de Salieri y Haydn, entre otros. Su experiencia como pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa, entre la que adquirió prestigio.

Cuando tenía 26 años advirtió los primeros síntomas de sordera, que fue aumentando progresivamente, lo que lo llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y a tener un carácter “difícil”.

Influenciado políticamente por las ideas de la Revolución Francesa, se consideraba republicano y demócrata. En 1827 muere rodeado de fama y admirado en todo el mundo.


Aportaciones y trascendencia de la obra de Beethoven.-

. Es un músico que comienza a componer al estilo Clásico y hace evolucionar la música hasta el romanticismo; es más, todos los compositores posteriores recibirán su influencia.

. Da relevancia a la música, que se convierte en el mejor lenguaje del hombre romántico.

. Es el prototipo del genio romántico, ejerciendo influencia no sólo sobre los músicos, sino sobre pintores y literatos.

. Liberó al músico de trabajar “por encargo” (al servicio de) puesto que él se considera un “artista libre”. El artista beethoviano, ya no escribe lo que su público espera de él, sino lo que él quiere imponer a su público.

Desde Beethoven el componer no consiste, como ocurría en el Clasicismo, en seguir unas normas que se imponen al artista, sino, por el contrario, consiste en expresar los propios sentimientos ("Claro de luna", Beethoven) e ideas que uno tiene del mundo.

.Lleva a la cumbre la SINFONÍA (escribe nueve), y, al mismo tiempo, hace que esta forma signifique para el pensamiento romántico el culmen de la expresión musical.

Dentro de su producción musical podemos distinguir tres períodos:


1ª.-Sus composiciones están muy influenciadas por el Clasicismo, aunque ya se aprecian formas románticas, como, por ejemplo, en su sonata “PATÉTICA”.

2ª.- Aparecen signos claramente románticos, como la preocupación por el color tímbrico, como ocurre en la “Sinfonía Pastoral”.

3ª.-En esta etapa Beethoven es plenamente romántico, hasta el punto de aportar “novedades” a la sinfonía como ocurre en la “Novena”, en la que en su cuarto movimiento introdujo la voz humana cantando la “Oda a la alegría”, de Schiller”, que es un canto de amor a la Humanidad, un grito de fraternidad.

"Novena sinfonía"




COMPOSITORES DEL ROMANTICISMO:


-CHOPIN (1810-1849).- Nació en Polonia. Casi toda su obra está escrita para piano. Poseía una gran técnica pianística y sus composiciones son de una gran sensibilidad e intimismo. En ocasiones se inspiró en el folklore de su país, ej:”polonesas” (Polonesa Heroica"). Escribió nocturnos, valses (Vals del minuto"),..









- LISZT (1811-1886).-Compositor húngaro, virtuoso del piano, al que dedicó gran parte de su obra. Sus composiciones son brillantes y espectaculares, como ocurre con su famosa "Rapsodia húngara, No.22" o con la "Campanella".


- SCHUMANN (1810-1856).- Nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra pianística la realizó para su esposa CLARA, la pianista más famosa del momento.
Sus obras más importantes son las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como “Album de la juventud”. Escribió numerosos lieder entre ellos su ciclo “Amor de poeta”.

Schumann: "Traumerei"



-SCHUBERT (1797-1828).-Fue el verdadero creador del lied romántico. Su obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos, el lirismo y la exaltación del folklore alemán. Puso música a textos de los poetas Schiller y Goethe, entre otros. Sus temas predilectos fueron el amor, la muerte y la Naturaleza. Compuso más de 600 lieder agrupados en colecciones, como “La bella molinera”.

- BRAHMS (1833-1897).- compuso más de 300 lieder influenciado por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter popular.


LA ÓPERA ROMÁNTICA ALEMANA


RICHARD WAGNER (1813-1883)
Wagner nació e Leipzig, Alemania y, desde los 14 años, estudió filosofía, armonía y contrapunto. Fue maestro de canto y director de orquesta.
Vivió en Londres y en París. En 1864 se instaló en Munich, donde se dedicó a la composición, bajo la protección de Luis II de Baviera, quién aportó su propio dinero para que se construyera la sala de ópera de Bayreuth, según los ideales del drama wagneriano. El teatro se inauguró con el estreno de la ópera de Wagner “El anillo del Nibelungo” (es una tetralogía)
Características de las óperas de Wagner:
. Intento de crear una “obra de arte total”: unión de la poesía, la música, decoración, acción.
.Uso del alemán.
. Temas basados en los mitos y leyendas alemanas, lo que es muy importante, dado que es en esta época cuando comienza el sentimiento de nacionalidad alemana.
. Empleo de una gran orquesta.
. Creación del “leit-motiv”: motivo musical que caracteriza a los principales personajes de la ópera y los anuncia y describe.
Óperas de Wagner:” Lohengrin”, “Tristán e Isolda”, “Los maestros cantores de Nuremberg”,
“Tanhäuser” (trata las leyendas del Medievo medieval y el tema del Amor).


LA ÓPERA ROMÁNTICA ITALIANA
La ópera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad, libertad y patriotismo por las que luchó Italia durante el siglo XIX.
Características más importantes de la ópera italiana:
- Lo VOCAL tiene más importancia que los aspectos orquestales.
- En ciertos momentos de la ópera lo que interesa es el lucimiento de las cualidades vocales del cantante solista.
- Creación de bellas melodías para el lucimiento del cantante solista.


ROSSINI fue el músico que encarnó el tránsito entre la ópera del siglo XVIII y la ópera romántica.

Rossini: Obertura de la ópera "Guillermo Tell"



También destaca su ópera El barbero de Sevilla.

GIUSEPPE VERDI (1813-1901) será el gran genio de la ópera italiana.

Verdi: "Brindis" de la ópera "La traviata" 







FUNDAMENTOS DEL ARTE II. Origen del arte del s. XIX





Introducción


Neoclasicismo y Romanticismo conforman las dos principales manifestaciones culturales en los inicios del arte contemporáneo. Pese a su teórico antagonismo, ambos movimientos constituyen un fiel reflejo del ideario burgués: virtud cívica, rectitud moral, patriotismo e individualismo. Ahora bien, mientras algunos de ellos, como el patriotismo, son comunes, otros van más unidos a un momento concreto: la virtud cívica neoclásica, resultado del ideario revolucionario en el que se enmarca a ruptura con el Antiguo Régimen y el desarrollo de la Revolución Francesa de 1789; y el individualismo romántico, surgido del final de dicho proceso.

El concepto de NEOCLASICISMO: el triunfo de la razón. Objetivismo frente a subjetivismo.

Hay una serie de circunstancias que explican su desarrollo:

1. El redescubrimiento de la Antigüedad Clásica a través de la arqueología. Las excavaciones en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano impulsan este redescubrimiento. La obra del alemán Winckellman, “Historia del Arte en la Antigüedad”, contribuye a consolidar entre las élites los ideales clásicos.

2. La creación, por parte del Estado, de Academias que insistirán en convertir lo clásico en norma. Sus campañas antibarrocas, en pos del llamado buen gusto verán coronados sus esfuerzos.

3. El propio agotamiento de las formas barrocas en su variante rococó, identificadas con la Monarquía absolutista y la aristocracia (Antiguo Régimen).



LA REACCIÓN NEOCLÁSICA

La reacción neoclásica contra la estética barroca se inicia a mediados del s. XVIII; supondrá la ruptura plástica con el arte del Antiguo Régimen. La asunción plena del Neoclasicismo se prolongará durante el período napoleónico (estilo Imperio), consolidando el distanciamiento de la burguesía crítica con la aristocracia, amiga de la razón y el orden. El nuevo emperador se apropiaba del lenguaje de los césares para plasmar su idea de imperio universal.

Las formas artísticas en que se apoyan resucitan las nobles formas del pasado greco-romano, de gran prestigio moral por su identificación con los valores y virtudes republicanas, tan opuestas a la monarquía absoluta. La austeridad neoclásica se opondrá a la exuberancia del barroco, permitiendo la racionalización de la vida y la actividad social.

Aunque a mediados del siglo XIX se produce un espectacular desarrollo de la arquitectura historicista, mezclándose los estilos (eclecticismo), las nuevas clases dominantes y las instituciones burguesas (parlamentos, bolsas de comercio, academias, etc.) sintieron la necesidad de ennoblecerse con las formas arquitectónicas del pasado grecorromano.

LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA: CARACTERÍSTICAS GENERALES.

El rasgo más característico es, sin duda, la recuperación de los estilos arquitectónicos de la Antigüedad, tanto los griegos como los romanos. Esta resurrección de los estilos mediterráneos consigue su culminación creadora a principios del s. XIX; a medida que avanza el siglo la imitación de estilos adopta formas cada vez más superficiales y teatrales.

Podemos destacar los siguientes rasgos:

· Las dimensiones llegan a ser colosales, con un regusto por la pomposidad muy marcado. Las formas decorativas se sirven de materiales atractivos y fastuosos.

· La evolución recorre, en su misma sucesión histórica, todos los estilos dependientes de la antigua construcción por columnas: arquitectura griega, romana, se imita la basílica paleocristiana, el Renacimiento.

· Las tendencias clasicistas se manifiestan en aquellos arquitectos que anteponen la forma medida a la sentida, la exactamente delimitada a la dinámica. El clasicismo defiende su lenguaje de formas estereométricas básicas, como el cubo, la esfera, el cilindro y la pirámide. Construye volúmenes corpóreos y macizos.

· Se utiliza preferentemente el orden dórico con fuste acanalado; la columna recuperará su antigua importancia y vuelven los frontones cargados de columnas.

· De Roma se toma la concepción espacial, con especial preferencia por las formas con cúpula, que ahora presentan varios modelos a imitar. En el interior de los edificios suele haber una clara y ordenada distribución de la planta y en el exterior predominan los grandes volúmenes rectangulares, de apariencia sólida y equilibrada. En líneas generales predomina la copia sobre la imaginación creadora o renovadora. Esta arquitectura será la preferida para los edificios públicos, pues a los Estados de la época (autoritarios) les convenía la sensación de orden y autoridad que transmiten estas construcciones.

· Una novedad es la adaptación del templo griego al culto cristiano; y hacen lo que se había intentado durante el Renacimiento: copiar el templo clásico desde el frontón, con sus grupos escultóricos, hasta sus columnatas y sus gradas, y no solo para el templo, sino para toda clase de monumentos civiles. El Neoclasicismo, aún después de pasado de moda llenará el mundo de Partenones.


LA ARQUITECTURA DE LA RAZÓN EN FRANCIA

En Francia destaca el arquitecto Germain Soufflot (1713-1780), quien construye la iglesia de Santa Genoveva de París en 1757. En esta obra logra la estricta articulación de enormes cuerpos arquitectónicos en el exterior. Los modelos romanos y renacentistas determinan el proyecto que también tiene ecos de la catedral de San Pablo de C. Wren, en Londres.

Con más rigor aún tratan los modelos de la antigüedad clásica dos arquitectos de la siguiente generación:


· Claude Ledoux (1736-1806)
· Etienne Louis Boullée (1728-1799)

Recurren a la columna dórica y destacan el carácter pétreo y macizo del edificio; se acentúa todo aquello que refuerza el carácter grave y simbólico del edificio. A estos arquitectos que construyeron poco, pero proyectaron mucho, se les ha llamado arquitectos de la revolución. Su “Ethos” de mejorar el mundo se corresponde con el espíritu revolucionario, a través de una arquitectura que debía deparar felicidad y armonía a una sociedad purificada moralmente.


LA ARQUITECTURA NEOCLÁSICA EN ESPAÑA

Durante la segunda mitad del s. XVIII el esfuerzo por la depuración y simplificación de las formas arquitectónicas, es una tarea que se abordará desde la recién creadas “Academias”. La Academia de San Fernando fiscaliza todo cuanto se construye en España desde 1780; propugna el estudio de la arquitectura clásica y envía pensionados a Italia y París.

Los autores más importantes son:

· Ventura Rodríguez (1717-1785), un arquitecto de transición dentro de un marcada eclecticismo.

· Francisco Sabatini (1727-1798), que supone ya la consolidación definitiva de las tendencias clasicistas.

· Juan de Villanueva (1739-1811). Es el único arquitecto español relacionado con la arquitectura de la razón. Su estancia en Roma, pensionado por la Academia de San Fernando, y su fascinación por dicha ciudad marcarán toda su obra. Destacan las siguientes construcciones: Casita de arriba y Casita de Abajo, en El Escorial. El Museo del Prado, en el que alterna el uso de la piedra y el ladrillo, logrando conciliar la monumentalidad clásica, la modernidad de su tiempo y la funcionalidad de la obra. Fue concebido como Museo de Historia Natural. El Observatorio astronómico de Madrid, obra dotada de un sentido admirable de la proporción, de gran sobriedad y elegancia. El estilo siguió vigente durante toda la primera mitad del siglo XIX; en 1850 se terminaba el edificio de las Cortes.

miércoles, 4 de octubre de 2017

Michelangelo Buonarroti Miguel Ángel I)

Fundamentos del Arte I. Escultura y volúmenes básicos: Venus de Willendorf.



Saludos!!

Como sabéis este viernes realizaremos una actividad práctica sobre la escultura, el modelado y el volúmen además de profundizar en el arte paleolítico realizando una reproducción de la que podemos considerar una de las mejores representaciones simbólicas de la prehistoria: la Venus de Willendorf.

En este video de apenas un minuto os muestran cómo se podría iniciar la realización del modelado de la Venus.

Espero que os sea útil para plantear el trabajo

jueves, 21 de septiembre de 2017

La perspectiva


La perspectiva en la pintura italia del Quattrocento.

Elena Sarnago
A MANERA DE RECORDATORIO
El estudio de la perspectiva es clave en el Quattrocento. Los antecedentes se encuentran en algunos pintores del Trecento, como GIOTTO y AMBROGIO LORENZETTI. Aunque ambos crean un espacio tridimensional no sistematizan sus logros. No se llega a una formulación teórica hasta la publicación del tratado de ALBERTI  De pictura (1436). En esta obra se recoge la concepción brunelleschiana de la perspectiva y se estudia su aplicación al campo de la pintura. En Centroeuropa estos estudios no se desarrollan hasta el siglo XVI, con el tratado de DURERO (1471-1528), pese a que soluciones similares aparecen empíricamente en obras anteriores. Así, JAN VAN EYCK (h. 1400-h. 1441) consigue en el Retrato del Matrimonio Arnolfini (National Gallery, Londres, 1434) dar profundidad a la sala gracias al espejo que aparece al fondo.

En la Antigüedad, el problema de cercanía y lejanía se resuelve mediante la ley de frontalidad y las imágenes se disponen sin un orden preestablecido. En la Edad Media, la composición es más ordenada. La yuxtaposición en horizontal y vertical organiza el espacio, sin olvidar el condicionante religioso. Aparece la llamada perspectiva teológica, es decir, el tamaño de las figuras está en función de su importancia. Así, Dios, Cristo y la Virgen están en el centro de la escena y se representan en gran tamaño, disminuyendo éste al pintar santos y ángeles, llegando al grado mínimo en las figuras de donantes o comitentes.

Esta jerarquización se abandona en el Renacimiento. Con el Humanismo, el hombre se convierte en el centro y medida de todas las cosas. El espacio se distribuye en función del hombre. Se crea una perspectiva en la que los personajes tienen el tamaño que les corresponde según el lugar que ocupan en la escena. Surge un espacio pictórico homogéneo, continuo e infinito, en el que cualquier punto se toma como centro. La perspectiva es el conjunto de reglas gráficas y matemáticas que permiten reproducir sobre cualquier superficie plana el aspecto de la realidad con exactitud científica. Se busca la tridimensionalidad en las figuras, colocarlas en un espacio bien definido. MASACCIO es el iniciador de la nueva manera de pintar.


Para acceder a la página web del artículo original pincha  aquí

martes, 19 de septiembre de 2017

El nacimiento de Venus de Botticelli

"Cuantos nacieron de Gea y Urano, los más terribles de los hijos, estaban irritados con su padre desde el comienzo, pues cada vez que iba a nacer uno de éstos, Urano los ocultaba en el seno de Gea, sin dejarlos salir y se complacía en su mala acción. La monstruosa Gea en su interior se lamentaba oprimida y tramó una malvada artimaña. Tras haber creado al punto una especie de blanco acero, fabricó una gran hoz y explicó el plan a sus hijos. Les habló valerosa pero afligida en su corazón: "Hijos míos y de orgulloso padre. Si queréis obedecerme, vengaremos el malvado ultraje de vuestro padre, pues él fue el que empezó a maquinar obras indignas". Así dijo y, como es natural, de todos se apoderó el temor, de modo que ninguno se atrevió a contestar; pero el poderoso Crono, astuto, cobrando ánimo, al punto respondió a su respetable madre: "Madre, te prometo que puedo realizar este trabajo, puesto que no siento preocupación alguna por nuestro odioso padre, ya que fue el primero en maquinar obras indignas". De este modo se expresó y la monstruosa Gea mucho se alegró en su mente. Tras ocultarlo, lo colocó para la emboscada; puso en su mano una hoz de agudos dientes y le enseñó todo el engaño. Vino el poderoso Urano trayendo la noche y deseoso de amor se echó sobre Gea y se extendió por todas las partes. Su hijo desde la emboscada lo alcanzó con la mano izquierda, a la vez que con la derecha tomó la monstruosa hoz, larga, de agudos dientes, y a toda prisa segó los genitales de su padre y los arrojó hacia atrás... En cuanto a los genitales, desde el preciso instante en que los cercenó con el acero y los arrojó lejos del continente en el tempestuoso ponto , fueron luego llevados por el piélago (mar) durante mucho tiempo. A su alrededor surgía del miembro inmortal una blanca espuma y en medio de ella nació una muchacha. Primeramente navegó hacia la divina Citerea; luego, desde allí, se fue a Chipre, rodeada de corrientes. Salió del mar la respetable bella diosa y bajo sus delicados pies a ambos lados la hierba crecía. Afrodita, diosa nacida de la espuma, y Citerea, ceñida de bella corona, suelen llamarla tanto dioses como hombres, porque en medio de la espuma se formó, pero también Citerea, porque a Citerea se dirigió. Ciprogénea, porque nació en Chipre de muchas olas, y Filomena, porque nació de los genitales. La acompañó Eros y la siguió el bello Hímero al principio cuando nació, y luego en su marcha hacia la tribu de los dioses. Y estas atribuciones posee desde el comienzo y ha recibido como lote entre los hombres y dioses inmortales: las intimidades con doncellas, las sonrisas, los engaños, el dulce placer, el amor y la dulzura". Hesíodo. Teogonía. 





1. Descubre los referentes iconográficos utilizados por Botticelli ( Venus de Cnido, Venus Capitolina, Venus de Milo) y realiza una comparación  entre las distintas obras indicando parecidos y diferencias.
Indica autor y época de realización de cada una.
¿Cuál crees que fue el modelo más cercano al utilizado por Botticelli? ¿Por qué?

2. Descubre el referente literario utilizado por Botticelli. Consulta la obra de Ovidio "Las Metamorfosis" y lee el mito del nacimiento de la diosa. 

3. Consulta la web de la Galería Uffizi de Florencia aquí y descubre quién encargó la obra y qué simbolizaría para los florentinos de la época.

4. Andy Warhol realizó esta obra:


Realiza una breve ficha técnica: dimensiones, técnica pictórica utilizada, soporte, localización y cronología de la misma.
Busca información sobre el autor y la corriente artística a la que pertenece.

5. Para concluir busca la imagen de otra obra pictórica con la misma temática o título: el nacimiento de Venus. Indica el autor y su fecha de realización.