Documental - Miguel angel, una super estrella

Frank Lloyd Wright - El arte de construir

Saludos,

hoy centramos nuestra atención sobre el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright (1869-1959), representante de la arquitectura organicista. Por arquitectura orgánica debemos entender todas aquellas manifestaciones arquitectónicas que tratan de adecuarse y aliarse con la naturaleza. Esta idea se puede rastrear en otros arquitectos anteriores pero la verdadera formulación teórica del Organicismo la realizó Frank Lloyd Wright . 

Los dos elementos más característicos de su arquitectura son la asimetría de los volúmenes, y la ausencia de fachadas. El edificio se concibe como una expansión a partir de un eje, ya sea en terrazas o en superficies continuas. Otros elementos característicos son el uso de la luz y los materiales naturales. 

Sus obras más destacadas fueron la Casa Kaufmann o Casa de la Cascada (1936), el Edificio de Oficinas Jhonson (1936-39) y el Museo Guggenhemim de Nueva York (1943-1959) donde concilia la rampa interior con la espiral exterior. 

Museo Guggenheim de Nueva York:   Iniciado el proyecto en 1943, las obras de construcción se retrasaron hasta 1956 por los cambios constantes de ubicación y los diversos obstáculos a los que tuvo que hacer la obra. El arquitecto no pudo ver inaugurado el edificio pues murió seis meses antes de la apertura del museo en 1959. 

El exterior del Museo Guggenheim es un cilindro blanco de hormigón reforzado que parece girar hacia el cielo. Las curvas del exterior del museo, sin embargo, tienen un efecto aún más impresionante en el interior. Dentro, Wright propuso "un gran espacio en un suelo continuo," y su concepto fue un éxito.


Más información sobre el Museo Guggenheim de Nueva York aquí y aquí


Oficinas Jhonson Wax (1936-39):

Wright diseñó un volumen horizontal, contrario a los altos edificios que tan de moda estaban en la época. Para Wright la línea horizontal era la del horizonte, la que se asocia con el terreno, y la única dirección que lograba hacer que el edificio perteneciese a dicho terreno.

El complejo cuenta con una torre vertical, pero esta no pertenece al proyecto original sino que sería proyectada diez años más tarde por el propio Wright, y aún en este volumen vertical quiso marcar la línea horizontal por encima de todo.

El edificio se sostiene mediante 60 columnas de 6,5 metros de altura, con una base de sólo 22 cm que se expanden al llegar al techo cubriendo toda la superficie.

Esta novedosa estructura causó mucha desconfianza entre las autoridades, quienes no sólo solicitaron un estudio minucioso de la misma sino que exigieron a su vez realizar una prueba real con un pilar modelo. Cada pilar debía ser capaz de soportar 6 toneladas de peso, sin embargo, debido a al escepticismo que esta estructura generó, la comisión sólo los aprobaría si eran capaces de soportar el doble.
Para más información sobre el Edificio de Oficinas Jhonson Wax pincha aquí

Casa Kaufmann, más conocida como Casa de la Cascada (1934-1937) concebida como una superposición de niveles en voladizo. Esta disposición permite al usuario una absoluta intimidad respecto al exterior, que sin embargo se puede contemplar sin interrupciones. Como en otras construcciones Wright utiliza el aparejo rústico, en combinación combinación con otras texturas y colores, lo que proporciona a su arquitectura gran expresividad.
Para más información puedes acceder aquí y a la página web oficial aquí

FUNDAMENTOS ARTE I. GÓTICO.

Actividad de repaso: 
Busca imágenes del interior y fachada de las catedrales de León, Burgos y Toledo. Observa sus peculiaridades y realiza un breve comentario de cada una de ellas.

Mies Van Der Rohe Vida y Obra

Arquitecto alemán nacionalizado estadounidense, uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna y con toda probabilidad el máximo exponente del siglo XX en la construcción de acero y vidrio. Nació el 27 de marzo de 1886 en Aachen (Alemania) y se formó como colaborador en los estudios del arquitecto y diseñador Bruno Paul —entre 1905 y 1907— y del pionero de la arquitectura industrial Peter Behrens —entre 1908 y 1911—. Allí conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él mismo y el estadounidense, F. Ll. Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.

En 1912 abrió su propio estudio en Berlín. Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses, a raíz del descubrimiento de la obra de H. P. Berlage. Tras el paréntesis de la Primera Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia (Novembergruppe, De Stijl) y empezó a realizar proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas de la Friedrichstrasse de Berlín, constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo central para escaleras y ascensores.

Entre los proyectos no construidos más emblemáticos de esta etapa están una colección de rascacielos de acero y vidrio, que se convirtieron en el símbolo de la nueva arquitectura.

A finales de la década de 1920 acometió dos de sus obras maestras más representativas: el pabellón alemán para la Exposición Universal de Barcelona de 1929 (para el que diseñó también el famoso sillón Barcelona, de acero cromado y cuero) y la casa Tugendhat (1930) en Brno (actual República Checa).

La arquitectura de Mies se caracteriza por una sencillez esencialista y por la sinceridad expresiva de sus elementos estructurales. Aunque no fue el único que intervino en estos movimientos, su racionalismo y su posterior funcionalismo se han convertido en modelos para el resto de los profesionales del siglo. Su influencia se podría resumir en una frase que él mismo dictó, y se ha convertido en el paradigma ideológico de la arquitectura del movimiento moderno, menos es más. Su obra se destaca por la composición rígidamente geométrica y la ausencia total de elementos ornamentales, pero su poética radica en la sutil maestría de las proporciones y en la elegancia exquisita de los materiales (en ocasiones empleó mármol, ónice, travertino, acero cromado, bronce o maderas nobles), rematados siempre con gran precisión en los detalles.

Mies dirigió la Escuela de Arte y Diseño de la Bauhaus, uno de los focos principales para la evolución del movimiento moderno, entre 1930 y 1933, fecha en que fue clausurada por el partido nazi. En 1937 emigró a Estados Unidos, donde ejerció el cargo de director de la Escuela de Arquitectura del Illinois Institute of Technology. Desde la ciudad de Chicago se convirtió en el maestro de varias generaciones de arquitectos estadounidenses, además de construir numerosos edificios, entre los que destacan los apartamentos de Lake Shore Drive (1948-1951) o el Crown Hall del MIT (1950-1956).

Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Seagram Building (1958), un rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip Johnson, y que se convirtió en el paradigma del international style, definido por el propio Johnson en un libro de 1932. Sin embargo, unos años antes Mies había realizado su obra maestra estadounidense, la casa Farnsworth en Plano (junto al río Fox, Illinois, 1950), un pequeño refugio delimitado por un muro-cortina de vidrio plano, que se ha convertido en una de las residencias más estudiadas (y también más criticadas) de la arquitectura del siglo XX. Se considera uno de los maestros más importantes de la arquitectura moderna, junto con el suizo-francés Le Corbusier y el estadounidense Frank Lloyd Wright. Su huella ha sido especialmente profunda en Estados Unidos y la mayoría de los rascacielos construidos por todo el mundo siguen parcial o totalmente sus planteamientos compositivos. Murió el 17 de agosto de 1969 en Chicago.

Para ampliar información sobre sus obras pincha aquí

Fundamentos del ARte II. Centenario de la Bauhaus

El 1 de abril se ha cumplido el centenario de la fundación de la  Bauhaus, Das Staatliche Bauhaus, y la televisión alemana le ha rendido un homenaje con el estreno de este film

Ficha técnica:

Título original: “Lotte am Bauhaus”

País y año de producción: Alemania, 2019.

Duración: 105 minutos.

Dirección: Gregor Schnitzler.

Guion: Jan Braren.

Dirección de fotografía: Christian Stangassinger.

Intérpretes: Alicia von Rittberg, Noah Saavedra, Jörg Hartmann, Nina Gummich, Marie Hacke.


Interesante revisión de la Bauhaus aquí

Así se construyó la Columna de Trajano

Fundamentos del Arte II. Der Blau Reiter

Fundado a finales de 1911 en torno a W. Kandinsky, considerado como segunda corriente expresionista, y al mismo tiempo como reacción contra el cubismo por su excesivo racionalismo. Estos artistas pretendían una pintura de contenido espiritual que tendía a la abstracción. No fue un grupo sólido sino un grupo de artistas que defendían la libertad de creación que no tenían programa común, ni pretendían hacer crítica social y política. 

La primera exposición del grupo se produjo en 1912 formado por F. Marc, A. Macke y el propio W. Kandinsky. Más tarde se les uniría Paul Klee. 

El grupo toma el nombre de una publicación "Der blau Reiter" en la que aparecía un artículo de Kandinsky "Sobre el problema de la forma" junto a los artículos de sus compañeros y sobre música, que es un componente siempre presente en la vida del pintor. 

Tras la muerte de Marc y Macke en la I Guerra Mundial, Kandinsky y Klee se convirtieron en referentes de la pintura de vanguardia. 

F. Marc (1880-1916) nacido en Munich viajó a París donde en 1906 entró en contacto con las obras impresionistas y con el fauvismo. 

Tenía una fuerte inclinación hacia lo espiritual. Sólo pintaba animales buscando los movimientos, la naturalidad. Sus Caballos azules y sus Caballos Rojos pintados en 1911 reflejan la importancia para él del simbolismo del color. En 1910 escribía a Macke: "Lo azul e el principio masculino, severo y espiritual. El amarillo es el principio femenino, delicado, suave y sensual. El rojo es la materia, la realidad dura y brutal, el color que tiene que entrar en conflicto con los otros dos y sucumbir ante ellos". 

A partir de estas ideas podemos intuir que su pintura, como la de su mentor Kandinsky hubiera desembocado en la abstracción. 

W. Kandinsky (1866-1944) llegó a Munich en 1896 procedente de Rusia para estudiar pintura. Conocía el fauvismo y el cubismo pero creía en una auténtica revolución artística. El problema que planteaba era si la forma y el color, libres de todo objetivo representativo, podían ser utilizados como lenguaje de contenido simbólico. 

Las formas coloreadas debían estar dispuestas sobre la tela tan claramente como las notas en una partitura. 

En su tratado "Sobre lo espiritual del arte" Kandisnky distinguía tres clases diferentes de obras suyas: 

- una impresión directa de la naturaleza exterior, a lo que llamó Impresión

- una expresión en gran parte inconsciente, espontánea, de carácter interior, de naturaleza no material (es decir, espiritual). A esto lo llamó Improvisación

- una expresión de un sentir interior lentamente formado, elaborado repetidamente; lo llamo una Composición

Al primer grupo pertenecen las obras realizadas hasta 1910, que son el antecedente directo del expresionismo abstracto; al segundo las abstracciones desde 1910 a 1921, y al último las Composiciones. 

Improvisación VI. Domingo


Improvisación 9.

Cuando se inició la I Guerra Mundial se trasladó a Moscú hasta 1921 año en el que regresó a Alemania para formar parte de la Bauhaus dirigida por W. Gropius.
Siendo profesor publicará su segundo tratado " Punto, línea y plano"

Fundamentos del Arte II. Expresionismo alemán

1. ¿Qué principios comparten el fauvismo y el expresionismo?
2. Realiza una lista con los autores representativos de la primera generación del expresionismo.
3. Explica las diferencias existentes entre los dos grupos representativos del Expresionismo alemán: El puente (Die Brücke) y El Jinente Azul ( Der Blaue Reiter)
4. Tras la I Guerra Mundial surgirá la tercera generación de expresionistas. ¿cuál es la principal característica de este grupo formado por E. Nolde y O. Kokoschka?
5. Tras el visionado de unas escenas de la obra cinematográfica "El gabinete del Dr. Caligary" (1920) de Wiene. Busca información sobre dicha película y realiza una breve sinopsis. ¿A qué movimiento artístico se adscribe?

Santa Sofia | En 18 MINUTOS

Las Cruzadas en 14 minutos

Fundamentos del Arte I. San Vital de Ravena (mosaicos)

"Los mosaicos de San Vital representan uno de los más bellos ejemplos de la aplicación de esta técnica milenaria. Primeramente los griegos helenísticos nos dejaron el mosaico que representa al emperador Alejandro, en la Batalla de Issos, luego los romanos llevaron el uso de la técnica a todo tipo de edificios y a todos los confines del imperio. También los primeros cristianos la utilizaron en las primitivas basílicas y finalmente, en el Imperio Bizantino, los mosaicos reinaron casi sin interrupciones hasta el siglo XV, momento en que los turcos otomanos tomaron Constantinopla en forma definitiva y se dio por terminado el Imperio Romano de Oriente. La única interrupción la constituyeron las "guerras iconoclastas", que durante los siglos VIII y IX impidieron el uso de las imágenes.

La técnica del mosaico consiste en la aplicación de pequeñas teselas de materiales varios (en especial, cerámicos o piedras) para formar motivos abstractos o concretos: geométricos, florales, animales, naturalezas muertas, paisajes y por supuesto, escenas de carácter mitológico o religioso, bíblico o evangélico, según la época, pero además, en el caso del arte cristiano, utilizando símbolos y signos. Según los estilos utilizados y la calidad de la factura, pueden encontrarse desde ejemplos sencillos hasta elaboradísimas composiciones. Son muy famosos, por ejemplo, los mosaicos del emperador Adriano en su Villa de Tívoli, o los encontrados en las sepultadas ciudades de Pompeya y Herculano. Pero también se encuentran ejemplos extraordinarios en las numerosas iglesias del Imperio Bizantino, a lo largo de todas las ciudades que integraron el imperio de Oriente. En Italia, tanto en Roma como en otras ciudades, son numerosos y muy valiosos los ejemplos de mosaicos paleocristianos que todavía pueden apreciarse, pero los más importantes, tanto por la cantidad que se concentra en ella como por la calidad, son los mosaicos de la ciudad de Rávena. Siendo una ciudad relativamente pequeña, es tal vez la que atesora la mayor cantidad de edificios religiosos con ejemplos de mosaicos: el mausoleo de Gala Placidia, las basílicas de San Apolinar Nuevo y de San Apolinar en Classe, el bautisterio de los Arrianos y el de los Ortodoxos, la iglesia de San Andrés, pero sin dudarlo la más importante de todas por el despliegue mosaístico es la basílica de San Vitale. 

La ubicación de escenas y personajes no es arbitraria, y mucho menos espontánea. Existe un verdadero programa iconográfico que despliega figuras, símbolos y escenas con un criterio definido.

Esquema de plan iconográfico.

Presbiterio, altar y ábside.

Pueden verse revestimientos de mosaicos en casi todas las superficies: paredes, arcos, intradós, lunetas, bóvedas, cúpulas... Sin embargo, y dado que el presbiterio y el ábside (la zona que rodea el altar y la zona cóncava detrás del mismo) son lo más importantes, éstas serán las zonas jerarquizadas con la aplicación de un estricto programa iconográfico. 

En el caso del programa de imágenes, hay una secuencia que va de lo terrenal a lo divino. Las figuras de personajes que están vivos (en ese momento) se ubican más cerca de la tierra. En un plano intermedio, las figuras terrenales bíblicas que prefiguran el Nuevo Testamento o pertenecen a él. Y en las zonas más elevadas, aquellas imágenes del tema cristológico: representaciones de Cristo en diferentes modalidades.

(1) Intradós (arco de acceso):

Intradós del arco de acceso.

Arco de acceso al presbiterio.

En la clave (A) la figura de Cristo, y a ambos lados, medallones con las figuras de los apóstoles: 6 de cada lado. Al final de cada hilera hay 2 medallones con las figuras de santos locales: Gervasio y Protasio (B).

San Gervasio.

Cristo de la clave.

El Cristo de la clave (A) responde a la tipología del Cristo sirio, es decir, con cabello oscuro, largo y con barba. A la izquierda, medallón con Gervasio.

(4) En las lunetas, en la pared izquierda, "La hospitalidad de Abrahám".

Interior del presbiterio: pared izquierda y detalle de la luneta.

El mosaico está realizado en lo que se conoce como "estilo narrativo", es decir, se trata de varias escenas juntas con un mismo protagonista, en tiempos diferentes. Así a la izquierda vemos a Abrahám mientras ofrece comida a sus invitados (3 ángeles enviados por Dios). Éstos ángeles han venido a anunciar el nacimiento de su hijo Isaac, cuya madre Sarah, está asomando por la puerta, y a la derecha el momento en el que Abrahám está a punto sacrificar a su hijo Isaac por mandato divino; finalmente Dios detiene su mano. (en la escena de la luneta de enfrente se reafirma esta idea del sacrificio) El tratamiento de la escena tiende a un naturalismo primitivo: cierto volumen, algo de profundidad espacial, intención de dar volumen y ubicación espacial a los cuerpos, la mesa con perspectiva invertida. El toque de sacralidad la dan las 3 aureolas doradas y planas de los ángeles y por supuesto, la mano de Dios asomando entre las nubes.

Ángeles que portan la cruz.

Por encima de ambas lunetas, dos ángeles enfrentados portan la cruz en un medallón, a la manera de las Victorias aladas griegas en el los arcos de triunfo. La figura de la Victoria alada se ha resignificado en la simbología cristiana como ángel. A los lados de ambos ángeles, se encuentran Jeremías y Moisés. Y arriba, a los lados del balconcito, dos evangelistas y sus símbolos: San Juan con el águila a la izquierda y San Lucas con un toro, a la derecha.

San Juan.

San Lucas.

En la luneta de enfrente, otra escena que prefigura la Redención: "El sacrificio de Abel y el de Melquisedec":

Sacrificio de Abel y de Melquisedec.

Abel como el rústico hijo de Eva, ofrece a Dios un cordero, y Melquisedec hace su sacrificio como primer  sacerdote. En medio de ambos la mesa del altar, y encima asomando entre las nubes, la mano de Dios. También aquí el estilo tiene influencias clásicas, y por lo tanto, de intenciones naturalistas. A ambos lados de esta escena se encuentran Moisés e Isaac, y arriba, a los lados del balcón, los evangelistas Mateo (con el toro) y Marcos (con el león) con sus símbolos.

(5) En la semicúpula del ábside, detrás del altar, "Cristo entronizado con ángeles y santos".

Cristo entronizado con ángeles y santos.

Aquí ya no se trata de una escena, sino de una presentación, un conjunto significativo de personajes de los cuales el más importante es Cristo entronizado en majestad (la maiestas), pero no sobre un trono sino sobre el mundo, el cosmos. Está flanqueado por dos ángeles, y en los extremos, a la derecha el obispo Ecclesius (con aureola cuadrada, ya que estaba vivo al momento de la consagración del ábside) constructor de la iglesia de San Vitale, que entrega a Cristo una maqueta de la misma como símbolo de su sacralidad. Y a la izquierda, el mismo San Vitale que entrega a Cristo un manto, a la vez que recibe de ÉL la corona que simboliza el martirio. En la otra mano, Cristo lleva el libro de los sellos cerrado, ya que será abierto en el Apocalipsis (la 2ª venida). Debajo del mundo, surgen los cuatro ríos como símbolo del Paraíso terrenal.

Se trata de un conjunto más hierático, más solemne y de mayor espiritualidad que los anteriores, y por lo tanto más alejado del naturalismo. La tipología del Cristo está a medio camino entre el clasicismo y el estilo orientalizante, ya que aparece como un joven sin barba pero de cabello oscuro como el Cristo sirio. En la base, algunos rudimentos de paisaje como son el césped y las flores. Enfatizando el sentido sagrado, el fondo que hace las veces de cielo, es de oro, con el sentido irreal y simbólico que le da el brillo dorado.

Bóveda del presbiterio con el Cordero Mïstico.

Como techo del presbiterio y sobre la tumba del santo y el altar (el lugar más importante de la iglesia), se encuentra la bóveda cuatripartita (2) que tiene, como motivo central, el Cordero Místico, Cristo representado como el cordero del sacrificio.

El Cordero Místico. Detalle.

Sobre un fondo azul profundo con estrellas, el cordero realizado en estilo naturalista (volumen, sombreado, ubicación espacial) es Cristo, por eso la aureola de oro que señala su sacralidad. El aro que lo encierra, a la manera de los medallones clásicos, está formado por guirnaldas con hojas y frutos, símbolos de la vida.
En cada uno de los paños de la bóveda, un ángel eleva sus brazos hacia el cordero místico, mientras apoya sus pies en la esfera celeste. Como fondo, mosaicos verdeazulados en dos de los paños, y dorados en los otros dos, con formas florales y vegetales. Ésa bóveda simboliza el Cielo, no como espacio físico sino como concepto religioso y espiritual.

En las paredes ubicadas a ambos lados del altar (3), se encuentran los que son, tal vez, los frisos de mosaicos más famosos de toda Rávena: los que representan al Emperador Justiniano con su séquito y la emperatriz Teodora con el suyo.

Emperador Justiniano y su séquito.

Emperatriz Teodora y su séquito.

Capitel bizantino en San Vitale.

La riqueza de los mosaicos llenos de colorido y embellecidos por el oro, se complementa con los revestimientos de mármol, las decoraciones estucadas y los originales capiteles.

El arte bizantino creó un tipo de capitel muy diferente a los heredados de la arquitectura griega, los órdenes dórico, jónico y corintio y sus variaciones latinas. El arte paleocristiano reutilizó dichos modelos, ya que no hubo verdadera creación de un estilo arquitectónico hasta la llegada del Arte Románico, en el siglo XI. Sin embargo, los capiteles bizantinos marcan una inflexión original en cuanto a las formas. La superficie está horadada, perforada, logrando el efecto de "calado". 

En cuanto a los revestimientos de mármol, éstos cubren las superficies que no están decoradas con mosaicos, y contribuyen a magnificar el brillo y el esplendor de todo el espacio interior. "

(http://blogdefrine.blogspot.com.es/2011/08/el-oro-de-bizancio-en-italia.html)

El caso del "post-impresionismo": la búsqueda de un estilo y el fracaso ...

Del realismo al impresionismo. El arte en la segunda mitad del siglo XIX. Conferencia impartida por Richard Thomson, Watson Gordon Professor of Fine Art, History of Art, Edinburgh College of Art, University of Edinburgh 

Curso anual 2013 - 2014

 © Fundación Amigos del Museo del Prado

Fundamentos del Arte II. Postimpresionismo