Historia del Cine. El origen del cine

The Impossible Voyage (1904 Film by Georges Méliès)

Le Voyage dans la Lune (1902) - Georges Méliès - (HQ) - Music by David ...

Fundamentos del Arte II. Centenario de la Bauhaus

El 1 de abril se ha cumplido el centenario de la fundación de la  Bauhaus, Das Staatliche Bauhaus, y la televisión alemana le ha rendido un homenaje con el estreno de este film

Ficha técnica:

Título original: “Lotte am Bauhaus”

País y año de producción: Alemania, 2019.

Duración: 105 minutos.

Dirección: Gregor Schnitzler.

Guion: Jan Braren.

Dirección de fotografía: Christian Stangassinger.

Intérpretes: Alicia von Rittberg, Noah Saavedra, Jörg Hartmann, Nina Gummich, Marie Hacke.


Interesante revisión de la Bauhaus aquí

Fundamentos del Arte II. Dalí y Disney: Destino

Fuentes

 http://rz100.blogspot.com.es/2015/05/arte-para-ninos-destino-un-corto-de.html

https://www.salvador-dali.org/es/servicios/prensa/noticias/176/dali-disney-destino

Destino, 1946

"En 1946, el arte de Salvador Dalí y los dibujos de Walt Disney se fusionan en el proyecto de dibujos animados Destino. La colaboración entre Dalí y Disney se formaliza en un contrato de trabajo que se firma el 14 de enero de 1946 y tiene una duración de 2 meses. En este período de tiempo, Dalí trabaja de manera formal en los Disney Studios de la localidad de Burbank, California, creando los dibujos para Destino. En este proceso también intervienen dos colaboradores de Disney, John Hench y Bob Cormack, con los que Dalí idea y trabaja las imágenes que deberán ilustrar la historia de amor que transcurre en el film.

La fuente de inspiración para el proyecto de Dalí y Disney es la canción mexicana Destino, de Armando Domínguez, cuya letra da cuerpo al argumento de la película y cuya música acompaña las imágenes en todo momento. A través del dibujo animado, Destino quiere explicar y remarcar la importancia del tiempo mientras esperamos a que el destino actúe en nuestras vidas. La historia de amor entre una bailarina y el jugador de béisbol/dios Cronos es el hilo conductor a través del cual se nos muestran las múltiples peripecias que sucederán antes de que el destino haga su aparición.

En Destino, Dalí recurre una vez más a la iconografía más propia y personal, y hace uso del paisaje ampurdanés y del recurso de las dobles imágenes para transportarlos y trabajarlos en el lenguaje nuevo de los dibujos animados. La combinación de las dobles imágenes con las transformaciones de objetos y las constantes referencias a obras ilustran un mundo de sueños en el que se mezclan los dibujos llenos de personalidad de Disney y el imaginario surrealista daliniano. El propio Dalí explica que con Destino trata de reflejar una «mágica exposición de los problemas de la vida en el laberinto del tiempo», y describe, muy explícitamente, alguna secuencia: « [...] la sombra de la campana se confunde con la silueta de la joven y ambas se ponen a bailar. La cabeza de Cronos esculpida sobre la pirámide se libera de la piedra y comienza también a bailar, intentando ahuyentar una lluvia de monstruos que caen del cielo. Cronos aparta a los monstruos de su cuerpo, y cada vez que se quita uno de encima se le hace un agujero».

[...]

La película original, de una duración de entre seis y ocho minutos, tenía que formar parte de un package film, entendido este como un largometraje en el que se combinan diferentes episodios o relatos cortos. Pero Destino no se completó en 1946, sino que solo se rodó una secuencia experimental de quince segundos; se deduce que el conflicto de la Segunda Guerra Mundial y la falta de presupuesto del momento impidieron que el proyecto saliera adelante. Finalmente, y gracias a los esfuerzos de diferentes instituciones encabezadas por Disney, en el 2003 se decide retomar el proyecto y se procede a recuperar las primeras ideas y los bocetos sobre los que se basaba el film. Destino acaba siendo una realidad para ser contemplada y disfrutada por un amplio público, tal y como sus creadores originales previeron.

Aunque Disney posee la mayoría de los dibujos, e incluso 5 pinturas, que Dalí y sus colaboradores de la factoría Disney realizaron para Destino, la Fundació Gala-Salvador Dalí conserva diversos bocetos y croquis para las imágenes de la película que el artista guardó para él. Se trata principalmente de estudios preparatorios hechos a lápiz y tinta sobre papel vegetal, muy poco conocidos, procedentes de los cuadernos en que Dalí dibujaba y volvía a dibujar las imágenes que tenía en la cabeza, en un proceso creativo concentrado y apasionado que refleja su entusiasmo por el proyecto" 

Información original aquí

Fundamentos del Arte II. Cine surrealista: Un perro andaluz (1929)

El surrealismo y el cine surrealista

El surrealismo nace oficialmente en París, Francia en 1924 con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton, quien era un poeta y crítico que al término de la Primera Guerra Mundial empezó a buscar nuevas formas de conocer al hombre en su totalidad; planteando un acercamiento que se alejara del realismo y de la razón, las fuerzas que regían la sociedad en esa época.

“Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control”. Se trata de plasmar las imágenes más significativas de la realidad, el subconsciente y el mundo de los sueños a través de símbolos y figuras abstractas.

Una característica fundamental de este movimiento es, sin duda, la provocación. La meta es alejarlo de la realidad que conoce para sumergirlo en un nuevo mundo donde la magia, la fantasía y el sinsentido son el principio protagónico.  Aquello que la clase burguesa tildaba de vulgar e inapropiado se convirtió en el elemento más utilizado para expresar de manera irónica el lugar que ocupaban en la sociedad.

Para resumir ,el surrealismo se apoyó en los siguientes recursos para entrelazar la realidad racional y la onírica:

• Animación de lo inanimado
• Metamorfosis
• Aislamiento de fragmentos anatómicos
• Máquinas fantásticas
• Elementos incongruentes
• Representación de perspectivas vacías, autómatas y espasmos
• Evocación del caos
• El sexo y lo erótico
• Libido del inconsciente
• Relaciones entre desnudos y maquinaria
• Lo prohibido y lo oculto 

Cine Surrealista

A partir de los años veinte los artistas europeos de vanguardia se opusieron al arte oficial y rechazaron los modelos clásicos de expresión. Muchos de estos artistas provenían de otras disciplinas estéticas pero se habían interesado en el cine. En un principio fueron los pintores y literatos quienes conformaron el movimiento cinematográfico alternativo.

En el año 1928 hizo su aparición la primera película con carácter surrealista llamada La Caracola y el Clérigo, de la cineasta y directora Germaine Dulac. El año siguiente se estrenó el film más representativo del género, Un Perro Andaluz del director español Luis Buñuel; quien se mantuvo en la línea surrealista para la realización de su siguiente película La Edad de Oro, obra que cuestiona las normas morales y sociales de la época.

Se denomina cine surrealista a toda producción cinematográfica que aplique los conceptos, recursos y técnicas surrealistas en su realización. Al igual que el surrealismo como movimiento plástico, el cine surrealista se apoya en el automatismo y el mundo de los sueños para presentarle al espectador una realidad alterna. Automatismo es la libre asociación de ideas e imágenes donde la coherencia, la racionalidad y el sentido no deben intervenir. Los sueños se refieren a la formación de imágenes oníricas.

El cine surrealista cumplió la función de escandalizar. Nace como una extensión de la pintura. Se trata de otorgarle movimiento a imágenes autómatas. La imagen conservó su estatus y se mantuvo como la herramienta principal de narración. Por este motivo, los realizadores tuvieron que recurrir a distintas técnicas de cámara y composición, tales como angulaciones inusuales, efectos ópticos y distintas velocidades de filmación. El cine surrealista otorga al espectador una mirada no convencional de la realidad que no responde a ningún principio estético o moral. Nos revela un mundo onírico en el que el inconsciente fluye con total libertad.

Los sueños, las alucinaciones, la imaginación espontánea, el inconsciente, la fantasía, y el azar son elementos esenciales en el cine surrealista. Además, presenta las siguientes características:

• Cámaras lentas

• Uniones absurdas entre secuencias y planos

• Tiempos y espacios confusos o ambiguos

• Erotismo lírico
• Fantasía onírica
• Automatismos
• Humor desvergonzado y cruel


Un perro andaluz
Un Perro Andaluz es un cortometraje de Luis Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí en el guión. La cinta tiene una duración de diecisiete minutos, está filmada en blanco y negro y al momento de su estreno era muda. En el cortometraje van sucediendo una serie de imágenes impactantes. Un hombre secciona el ojo de una mujer con una navaja; un ciclista vestido de forma estrafalaria se cae y es recogido por la mujer; una mano llena de hormigas... 

[...] Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple, adoptada de común acuerdo: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar por qué. (Buñuel, 1982)

La película se concibe como un experimento surrealista que transgrede las convenciones, desafía la racionalidad y provoca al espectador.

Este particular film nos enfrenta a un relato y una narrativa revolucionarios. No se trata de una trama tradicional en la que se distinga un orden lógico de acontecimientos. No se puede señalar puntualmente el inicio, el desarrollo y el desenlace. La acción no transcurre de forma lineal y los límites espaciales tampoco están definidos. Se trata más bien de una sucesión de imágenes. Buñuel denomina decoupage a este tipo de narración que refleja el funcionamiento de la mente humana a partir de la asociación de ideas. A lo largo de la película el espectador experimenta saltos en el tiempo. Con ayuda de inter-títulos tan variados como: «Érase una vez», «Ocho años después», «Hacia las tres de la mañana», «Dieciséis años antes », o «En primavera», Buñuel nos transporta hacia adelante y hacia atrás en el tiempo constantemente. Además la narración no se encuentra limitada a un espacio coherente. Los personajes aparecen en cualquier lugar y las acciones pueden empezar en una locación para terminar de desarrollarse en otra completamente diferente. Esta ruptura de la continuidad nos remite al delirio y el sueño, dos estados en que la mente permite entender secuencias insólitas.

 Un Perro Andaluz, busca que las imágenes surjan una tras otra sin tener en cuenta la coherencia o el sentido. Se busca dejar de lado el control ejercido por la razón y permitir que las ideas fluyan libremente. Para poder “guiar” al espectador hacia esta libertad, Buñuel utiliza varias herramientas cinematográficas. Para comenzar, alterna montajes paralelos y montajes alternos. Un montaje alterno ocurre cuando se narran dos o más historias que ocurren simultáneamente, pero que en algún momento se cruzan. Así por ejemplo, mientras una mujer lee un libro sentada en su habitación, un ciclista de vestimenta estrafalaria pedalea por una calle desierta.

Se denomina montaje paralelo a la narración de dos o más historias que pueden o no ocurrir simultáneamente pero jamás se cruzan. El ejemplo más claro del uso de este recurso en Un Perro Andaluz es la escena inicial en la que se secciona el ojo de una mujer con una navaja. Ninguna otra escena de la película hará referencia a esos escasos primeros minutos de la trama. 

Buñuel también se apoya en el uso de primeros planos para intensificar el dramatismo de las imágenes que captura. Uno de los más recordados es el acercamiento que le hace a la fotografía de una mariposa cuyo tórax se asemeja a una calavera. Asimismo “usa el plano picado (la cámara orientada hacia abajo) con un valor simbólico para marcar las distancias”

Sus imágenes superpuestas y fundidos encadenados tienen aun más protagonismo. Siempre en la búsqueda de la asociación libre de ideas, Buñuel invita al espectador a presenciar como una figura se transforma en una y luego en otra que parecen no guardar relación entre sí. El agujero negro de la mano de un hombre “se transforma en el vello axilar, un erizo de mar y en un grupo de personas que rodean a una mujer de apariencia andrógina que tantea con un bastón una mano cortada que yace en medio de la calle” (Wikipedia, 2010). 

Las situaciones planteadas en Un Perro Andaluz pueden dar lugar a diversos análisis e interpretaciones que pueden o no develar las intenciones de Buñuel. Sin embargo una cosa no admite dudas ni especulaciones, el film no se realizó para ser comprendido sino para exaltar sensaciones y provocar reacciones en el espectador.  El espectador debe dejarse guiar por el juego de imágenes interrelacionadas. La interpretación es personal y debe ser libre. 

«Un perro andaluz» © Colección Filmoteca Española

Ficha técnica

Guión
Luis Buñuel, Salvador Dalí

Intérpretes
Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Salvador Dalí

Fotografía
Albert Duverger

Música
Richard Wagner

Duración
16 minutos

Producción
Blanco y negro. Cine mudo

Luis Buñuel. Biografía. 

Nace en Calanda (Teruel), el 22 de febrero de 1900. Después de estudiar bachillerato en Zaragoza, en 1917 se instala en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoce a Federico García Lorca y a Salvador Dalí. En 1924 se traslada a París, donde trabaja como asistente del cineasta Jean Epstein. En 1929 estrena su primera película “El perro andaluz”, cuyo guión escribe Dalí. Realiza después “La edad de oro”. En México rueda "Los olvidados" (1947), con la que gana el primer premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 1951. En 1961 vuelve a España y comienza el rodaje de "Viridiana", que obtiene la Palma de Oro en Cannes. En 1967 recibe el León de Oro del Festival de Venecia por “Belle de jour”. Fallece en México, el 29 de julio de 1983.

El perro andaluz

Para saber más del significado de la película desde un punto de vista simbólico puedes visitar la página Aula de Filosofía aquí

Fundamentos del Arte II. El origen de la animación: Stop motion.

Os dejo otro interesante artículo de rtve sobre el cine y la animación con el origen y uso del Stop motión.

" “Willis y King Kong juegan una importancia capital en el desarrollo del stop-motion –asegura Adrián-, pero de manera un tanto subliminal. Daos cuenta que gran parte de los espectadores de la época se pensaban que el protagonista de la película era un gorila de verdad"

Para profundizar pincha aquí

Fundamentos del Arte II. Cine expresionista

Saludos! Vamos a detenernos en el cine expresionista. Os dejo un breve vídeo del programa "Días de Cine"  que resume muy sucintamente el origen y características del expresionismo y del cine expresionista.
Para verlo pincha en el siguiente enlace rtve.es/alacarta

Fundamentos del Arte II. Cine animación: Luis Buñuel en la isla de la tortugas

Esta película de animación está basada en el comic que lleva el mismo nombre, y cuenta lo acontecido durante el rodaje de Las Hurdes, el polémico documental que permitió a Luis Buñuel recuperarse después del fracaso con el estreno de La edad de Oro.

Salvador Simo dirige este largometraje de animación, cuyo guión ha estado al cargo de Eligio R. Montero. Manuel Cristóbal y José María Fernández de Vega han sido los productores. 

En el siguiente enlace puedes ver el proceso de realización

Para más info pincha en el siguiete enlace:  Luis Buñuel en el laberinto de las tortugas

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. Nueva objetividad.

OTTO DIX: Retrato de Sylvia von Harden

“Retrato de la periodista Sylvia von Harden” (1926, óleo y temple sobre tabla, 121 x 89 cm, MNAM, Centre Pompidou, París)

Sylvia von Harden era una intelectual alemana del periodo de entreguerras, que se ganaba la vida como periodista y escritora. Cuando el pintor Otto Dix la conoció en Berlín, le fascinó su aspecto andrógino, su corte de pelo y su monóculo y le suplicó que posase para él.
El retrato de Sylvia von Harden se convirtió en uno de los iconos de la Nueva Objetividad, una corriente artística que se desarrolló en la Alemania de entreguerras y que se caracterizó por ser una cruda mezcla entre expresionismo y realismo. Por lo general, los retratos de la Nueva Objetividad distorsionaban el aspecto físico del modelo para mostrar todo aquello que no puede captarse a simple vista, intentando ir más allá que la fotografía. Sin dejar de ser fiel a la realidad, Otto Dix pinta a la escritora fea como un pecado, exagerando sus rasgos hasta rozar prácticamente la caricatura.
El artista omite deliberadamente cualquier referencia a la profesión Sylvia von Harden porque no le interesa como personaje, sino como modelo de un nuevo tipo de mujer emancipada que rompe con los estereotipos clásicos femeninos. Para destacar esta idea, enfatiza su aspecto andrógino y la presenta haciendo cosas que, por aquel entonces, se consideraban típicamente masculinas

Película "Cabaret"

Argumento.- Berlin, años 30. El nazismo domina la ciudad y en el Kit Kat Club la joven cantante Sally Bowles y el alegre maestro de ceremonias intentan hacer olvidar a sus clientes, las tristezas de la vida.

Ficha técnica.- Título original: “Cabaret”. Año: 1972. Duración: 123 minutos. Producción: Allieds Artists. Guión: Jay Presson Allen y Hugh Wheeler. Fotografía: Geoffrey Unswort. Música: John Kínder. Dirección: Bob Fosse. Intérpretes: Liza Minnelli (Sally), Michael York (Brian), Joel Grey (maestro de ceremonias), Helmut Griem (Maximilian), Marisa Berenson (Natalia), Fritz Wepper (Fritz).

El fotograma de la película en la que aparece un homenaje al retrato de Sylvia von Harden.

.- Esta película se estrenó cuando el género musical estaba prácticamente desaparecido y lo volvió a poner de moda. Tuvo que competir en la ceremonia de los Oscar de 1972 con la mítica “El padrino,” de Francis Ford Coppola y a pesar de ello resultó la gran triunfadora con 10 nominaciones al Oscar de los que ganó 8: Director, actriz Liza Minnelli, actor secundario Joel Grey, banda sonora adaptada, fotografía, dirección artística, montaje y sonido y nominada a los de mejor película y guión adaptado. Liza Minnelli es hija de la gran actriz y cantante Judy Garland  – de tormentosa vida privada –  y del director Vincente Minnelli, debutó en el teatro con 17 años en Nueva York, en el modesto circuito del Off Broadway y a los 19 debutó en el circuito oficial con la obra “Flora the red menace” por la que se convirtió en la actriz más joven en ganar el premio Tony

En esta dirección podéis ver la película integra (a veces interrupciones indeseables de publicidad)
http://www.clasicofilm.com/2016/02/cabaret-1972-hdtv.html

Podéis leer el comentario original a la obra aquí:
http://www.elcuadrodeldia.com/post/165511842058/otto-dix-sylvia-von-harden-1926

Loving Vincent Official Theatrical Trailer

‘Loving Vicent’ es la primera película de la historia pintada a mano, fotograma por fotograma. El film recrea la vida y muerte del pintor Van Gogh y cada escena se inspira en un cuadro del artista.

Más de 65.000 fotogramas pintados al óleo, 125 pintores y 94 cuadros del artista holandés dan vida a Loving Vicent. Un proceso creativo para el que Dorota Kobiela y Hugh Welchman, directores y guionistas del film, dedicaron más de cinco años de trabajo. 

Kobiela explica: “Es extraño que Van Gogh se suicidara justo en el momento en que empezó a tener éxito”. Es este hecho el que inspira a la joven directora para trasladar a la gran pantalla la trágica muerte de Van Gogh, y decidió que la mejor forma era utilizar los cuadros y cartas del pintor.

Cine para saber de arquitectura y diseño. 1ª parte.

¡Saludos!
 Esta entrada es la primera de una serie en la que recopilaré algunas de las películas de referencia, como "El Manantial" y "Metrópolis" hasta algunas más contemporáneas como "Blade Runner", para recorrer la historia de la arquitectura y el diseño contemporáneos. Esta lista no pretende ser exhaustiva pero sí presentar un variado conjunto para aprender a través del denominado Séptimo Arte, en ésta ocasión, de arquitectura y diseño. 

¡Espero que os guste!

1. Metrópolis

El crítico Roger Ebert en su libro ‘Las grandes películas, 200 películas imprescindibles de la historia del cine’ afirma que: “Metrópolis fijó para el resto de siglo la imagen de una ciudad futurista como un infierno de progreso científico y desesperación humana”.

‘Metrópolis’ nos traslada al año 2026. Narra la historia de un futuro dividido en dos mundos: uno mira al cielo, el otro se pudre trabajando en las profundidades de la tierra. Los pensadores habitan en lujoso áticos y se dedican al deporte y a la vida social. La clase trabajadora por el contrario, es esclava de una mitad que ni siquiera conoce y vive alienada, moviéndose al ritmo de las agujas de un reloj (objeto con gran simbolismo en la película) y presa de unas máquinas que nunca se detienen, como luego plasmaría de forma más cómica Charles Chaplin en la inolvidable ‘Tiempos modernos’ (1936).

El detonante de la trama surge cuando el hijo del amo de Metrópolis, Freder Frederson (Gustav Fröhlich), recibe en su “Jardín del placer” la visita de una joven llamada María. Subyugado por la belleza y la bondad de esta joven (Brigitte Helm), Frederson se adentra en las entrañas de la ciudad subterránea. Allí descubre una realidad cruel que desconocía, así como el germen de una revolución que intentará frenar con engaño y manipulación su padre (Alfred Abel) y el científico Rotwang (Rudolf Klein-Rogge). A partir de entonces, Frederson con la ayuda de María se convertirá en el “mediador” de este enfrentamiento entre “cerebro y manos”.

Fritz Lang era hijo de un arquitecto y pasó a su vez por la Escuela de Arquitectura. En su mítica "Metrópolis", de 1926, nos llevó a las ciudades del futuro y reflejó la estética de su época mostrando las influencias del constructivismo, la arquitectura funcionalista e incluso el art Decó, tan de moda en su época. El futurismo y racionalismo y la influencia de Bruno Taut, Antonio Sant’Elia, Mies van der Rohe, Le Corbusier y Ludwing Hilberseimer se deja también sentir en esta ciudad polarizada, estratificada y hacinada.

Metrópolis es, hasta la fecha, el único largometraje declarado por la Unesco Patrimonio de la Humanidad.

Título original: Metrópolis. País: Alemania. Año: 1927. Duración: 153 min. Director: Fritz Lang. Guión: Thea von Harbou. Música: Bernd Schultheis & Gottfried Huppertz. Fotografía: Karl Freund & Günther Rittau (B&W). Reparto: Gustav Fröhlich, Brigitte Helm, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge, Fritz Rasp, Theodor Loos, Heinrich George, Fritz Alberti, Grete Berger, Heinrich Gotho, Georg John, Olaf Storm. Productora: U.F.A.. Género: Ciencia ficción. 

Os dejo el trailer de la película:

Podéis ver la versión incompleta y censurada por los nazis en el siguiente enlace, cuya duración es  inferior por los cortes y pérdidas que había sufrido la cinta

En 2008 se encontró una copia sin censura y completa en el Museo del Cine de Buenos Aires.  La versión íntegra  restaurada, con subtítulos en español, podéis verla en el siguiente enlace

2. El Manantial

'El Manantial', de King Vidor (1949), (de la que hablamos recientemente aquí) es la historia de un arquitecto vanguardista, dispuesto a luchar por sus principios y contra el establishment hasta hacer   tambalear los cimientos de la profesión. El protagonista, encarnado por Gary Cooper, parece un trasunto de Frank Lloyd Wright, y, de hecho, se solicitó al arquitecto que realizara  los dibujos que aparecen en la cinta. Lamentablemente los honorarios que solicitaba resultaron excesivos para los productores, que desistieron de la idea. 

Frank Lloyd Wright (1867–1959), (del que ya hemos hablado aquí, aquí, y aquí) es, junto a Walter Gropius, Le Corbusier,  Mies Van der Rohe y Alvar Aalto, uno de los pilares que sostienen los fundamentos de la arquitectura moderna.  

En 72 años de vida profesional construye 437 edificios, diseña otros tantos proyectos que no se harán realidad, mantiene una fecunda actividad docente y publica una larga serie de escritos. Toda su vida profesional tiene razón de ser una voluntaria renuncia a aceptar los límites establecidos por la sociedad y la cultura de su tiempo. Wright representa como pocos el carácter emprendedor de un país aún joven y lleno de confianza en las posibilidades de su futuro.

Wright redefine el espacio arquitectónico. Subraya la importancia del espacio interior de los edificios: “El edificio no será, en adelante, un bloque de materiales de construcción elaborado desde fuera, como una escultura. El ambiente interno, el espacio dentro del cual se vive, es el hecho fundamental en el edificio, ambiente que se expresa al exterior como espacio cerrado”.

Al igual que hiciera Wright, el joven arquitecto protagonista de la película trabaja de manera libre, con un estilo único y personal alejado de sus contemporáneos. A Wright esto le permitió desarrollar un nuevo sentido de la arquitectura, que ha servido de influencia para muchas generaciones de arquitectos. 

Podeis ver la película en V.O subtitulada al español pinchando en el siguiente  enlace. 

Puedes leer un artículo sobre la novela homónima y su autora, Ayn Rand, guionista de la película,  pinchando aquí.  "Rand argumentaba que sólo la libertad individual puede fundar la inteligencia. Y que sólo la inteligencia íntegra puede crear un mundo mejor, más auténtico y más feliz" 

Título: El manantial. Título original: The Fountainhead. Director: King Vidor. Reparto: Gary Cooper, Patricia Neal, Raymond Massey, Kent Smith, Robert Douglas. Productor: Henry Blanke
Guión: Ayn Rand. Música: Max Steiner Año: 1949. Productora: Warner Bros Entertainment
Duración: 108 minutos. País: USA

3. Berlín, sinfonía de una gran ciudad

En 1927, Walther Ruttman, pintor de profesión y vinculado al movimiento postexpresionista Nueva objetividad, rodó el documental 'Berlín sinfonía de una ciudad' ('Berlin: Die Sinfonie der Grosstadt'), a partir de un guión suyo y de Karl Freund. Se trata de un film mudo, concebido para ser acompañado por una partitura de Edmund Meisel que se recuperó en 2007.  

En el estreno del año 1928, el director comenta: “Desde que empecé en el cine, tuve la idea de hacer algo con vida, crear una película sinfónica sobre la gran energía que comprende la vida de una gran ciudad".

La película se divide en actos que van surgiendo según los momentos del día y éstos, a su vez, se segmentan en bloques. Cada uno de estos episodios muestra un ritmo diferente, al igual que lo mostraría cualquier metrópolis según las horas a las que nos acercásemos a ella: el amanecer tranquilo donde sólo algunos comercios van abriendo sus cierres, la hora punta con frenética actividad, el trabajo, el medio día, la agradable tarde de cafés y terrazas y la noche cosmopolita.

No sólo podemos apreciar la arquitectura de una ciudad que sería casi completamente destruida durante la II Guerra Mundial pocos años más tarde, sino un verdadero documento social de lo que era el Berlín de entreguerras. 

Título original: Berlin Die Symphonie der GroBstadt . Año: 1927. Duración: 72 min. País: Alemania. Director: Walther Ruttmann. Productor: Karl Freund. Guión: Walther Ruttmann, Karl Freund (basada en la idea original de Carl Mayer) Música: Edmund Meisel Fotografía: Reimar Kuntze, Robert Baberske, Läszlo Schäffer, Karl Freund

El arquitecto y su obra

Saludos! O dejo unas escenas de la película "El manantial". 

El Manantial (The Fountainhead) película de 1949 dirigida por King Vidor, basada en la novela homónima escrita en 1943 por Ayn Rand, filósofa y escritora estadounidense de origen judío ruso, ampliamente conocida por sus novelas y por haber desarrollado un sistema filosófico al que denominó «objetivismo»

El protagonista de la novela, Howard Roark (Gary Cooper)  es un joven arquitecto que decide luchar solo contra los convencionalismo sociales, las ideas preconcebidas, los prejuicios, en lugar de comprometer su visión artística y personal. El libro sigue su batalla para practicar lo que el público ve como la arquitectura moderna y racional, en un establishment centrado en la adoración de la tradición y la falta de originalidad. El cómo otros personajes se refieren a Roark en la novela revela diversos tipos de arquetipos del carácter humano, todos los cuales son variaciones entre Roark, el hombre ideal, de espíritu único, independiente e íntegro, y lo que la autora describe como "second-handers" (subordinados); personas mediocres cuyo objetivo es lograr el "éxito" aunque tengan que traicionarse a sí mismos y a sus principios y a las personas que aman y valoran, persiguiendo a todas aquellas personas que se alzan en contra de la mediocridad para mostrar su originalidad. Las complejas relaciones entre Roark y los diferentes tipos de personas que ayudan u obstaculizan su progreso, o ambas cosas, permiten que la novela sea a la vez un drama romántico y una obra filosófica. Roark es la encarnación de Rand del espíritu humano, y su lucha representa el triunfo del individualismo y la integridad personal sobre el tradicionalismo y la falta de principios sólidos.

Quizás la autora pudo inspirarse en el arquitecto más famoso y  polémico del momento, el estadounidense Frank Lloyd Wright. ;)

"Recuerda" A. Hitchcock y Dalí

Basada en la novela  The House of Dr. Edwardes, de Hilary St. George Saunders y John Palmer. La película fue dirigida por A. Hitchcock, y contó con Ingrid Bergman y Gregory Peck como actores principales.

El psiquiatra Anthony Edwardes (Gregory Peck) se incorpora al cargo de director del sanatorio en sustitución del antiguo director, el Dr. Murchison (Leo G. Carroll). En el centro trabaja como psiquiatra la Dra. Constance Petersen (Ingrid Bergman) que rápidamente se enamora de él. La doctora que observa el extraño comportamiento del Dr. Edwardes intenta desvelar un trauma de su pasado que no logra recordar. 

Para realizar la parte onírica de la escenografía Hitchcock contactó con Salvador Dalí al que encargó la realización de la secuencia más freudiana del film, el sueño del personaje interpretado por Gregory Peck. La secuencia del sueño, que duraba en principio veinte minutos, fue recortada quedando en unos dos minutos porque, aunque Dalí era ya muy reconocido como artista, no era del agrado del productor.  La secuencia mantiene la esencia del pintor y del surrealismo. 

A continuación podéis ver la secuencia del sueño:

Título original: Spellbound

Director: A. Hitchcock

Año: 1945

y si os quedáis con ganas de más también podéis disfrutar la película íntegra.