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martes, 31 de marzo de 2020

Fundamentos del Arte II. La Bauhaus: Weimar, Dessau y Berlín

Los antecedentes de la Bauhaus los encontramos en las consecuencias que tuvo la industrialización ocurrida primero en Inglaterra y más tarde en Alemania durante el siglo XIX y los cambios que originó en las condiciones de vida y producción de los artesanos y la clase obrera. Esta creciente industrialización tuvo su principal crítico en el escritor inglés John Ruskin que propuso renunciar al trabajo con máquinas y retornar a un pasado donde la producción tuviera un rostro más humano; esta época la sitúa en el periodo medieval como refleja su libro The stones of Venice.

Su más importante seguidor fue William Morris que pretendía convertir en realidad las ideas de Ruskin. Para esto montó unos talleres donde se ponía en practica la forma de producción artesanal de la Edad Media dando paso al movimiento: Arts and Crafts (Artes y oficios)

En Europa, influida por los progresos británicos en el campo de la producción, aparecieron distintas instituciones que fueron el germen para diferentes escuelas de artes y oficios.

El gobierno prusiano amplió con talleres las Escuelas de Artes y Oficios prusianas. Contrataron como profesores a artistas de reconocido prestigio. Es así como se reforma la Academia de Düsseldorf, la de Berlin y la Escuela de Arte de Weimar entre otras. La diferencia fundamental radicaba en el apoyo a la producción con máquinas al contrario que lo que sucedía en Inglaterra con las escuelas agrupadas en torno al movimiento Arts and Crafts.

Nació la Werkbund (Liga de Talleres) en lo que fue la más importante fusión de arte y economía del período anterior a la Primera Guerra Mundial. El arquitecto Walter Gropius fue nombrado miembro de la Liga en 1912. En los años previos a la Primera Guerra Mundial se produjo la dimisión del fundador y director de la Escuela de Arte de Weimar el arquitecto belga Henry van de Velde.
Walter Gropius (1883-1969)  fue nombrado director en 1919.

Gropius llamó a la nueva escuela Das Staatliches Bauhaus, y se abrió el 12 de abril de 1919 en una época en que Alemania se encontraba en desarrollo tras el fin de la I Guerra Mundial.

En el manifiesto de la Bauhaus, publicado en los periódicos alemanes, se estableció la filosofía de la nueva escuela: La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran arquitectura. Hoy las artes existen aisladas... Los arquitectos, los pintores y escultores deben estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad... El artista es un artesano enaltecido. En los escasos momentos de inspiración, la gracia divina motivará que su trabajo florezca como arte trascendiendo su voluntad consciente. Pero el perfeccionamiento de su oficio es esencial para cualquier artista. En esto reside la fuente principal de la imaginación creativa. Gropius buscó una nueva unidad entre el arte y la tecnología reconociendo las raíces comunes tanto de las bellas artes como de las artes aplicadas, ya que él se adhirió a la generación de artistas con el fin de resolver os problemas de diseño visual creados por el industrialismo.

La Bauhaus de Weimar
Durante los primeros años de la Bauhaus alumnos y profesores colaboraban para la construcción de la "catedral del futuro" aunque esta visión utópica no impedía que se aceptaran encargos de muebles, objetos o tapices que acercaban la realidad productora a la Escuela y donde se cimentó la importancia y el mérito de la Escuela.

Retrato de Walter Gropius, 1920



Los profesores 
La idea de Gropius era la de que los profesores que impartieran las materias fueran de reconocido prestigio. Entre ellos destacan: el pintor y docente Johannes Itten, el pintor Lyonel Feininger y el escultor Gerhard Marcks. Itten llegó a ser el más influyente ya que fue el que desarrolló el curso preparatorio y el centro del proyecto pedagógico de la Bauhaus. En el año 1919 y por deseo de Itten se incorporó al cuadro de profesores el pintor expresionista Georg Muche. Paul Klee y Oskar Schlemmer entraron a formar parte del profesorado de la escuela en 1921 así como Lothar Schreyer que se encargaría del taller de teatro. En 1922 Wassily Kandinsky que estaba considerado como el máximo representante de la pintura abstracta fue invitado por el Consejo de maestros a unirse al proyecto y así, en un plazo de tres años Gropius reunió a un elenco de artistas de vanguardia con el propósito de que el arte volviera a formar parte de la vida cotidiana.

Las clases de Johannes Itten
Johannes Itten fue el personaje central de la primera época de la Bauhaus.
Sus clases que se orientaban en torno a tres premisas: los bocetos de la naturaleza y la materia; el análisis de viejos maestros y la clase de desnudo.

 La diferencia radical entre el curso introductorio obligatorio de Itten y los que se impartían en las academias clásicas de artes y oficios, era que en estas los alumnos copiaban objetos y por el contrario Itten enseñaba leyes del color, ritmo y forma de la composición que ayudaban a que el alumno desarrollara su propia sensibilidad artística.
Profundamente respetado por sus alumnos, solía vestirse con un traje "Bauhaus" que el mismo había diseñado y partidario de la enseñanza Mazdaznan (muy extendida en Alemania y que propugnaba una alimentación vegetariana, ejercicios respiratorios, y ayunos entre otras cosas) se rodeó en la escuela de un grupo fiel de seguidores, entre los que se encontraba el pintor Georg Muche, con los que ponía en práctica su ideario

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Johannes Itten con el traje Bauhaus que él mismo diseñó, 1920

La Bauhaus de Dessau 1925-1928
La fama adquirida por la Bauhaus en Weimar hacia suponer que pronto llegarían ofertas de diversas ciudades para que la escuela se instalara en alguna de ellas, pero al final la única oferta verdaderamente consistente fue la realizada por la ciudad de Dessau.
Debido al ambiente contrario a las actividades de la Bauhaus se abandona Weimar y se reabre en Dessau

Dessau era una ciudad con grandes fábricas, como la aeronáutica Junkers, y complejos químicos. La escasez de viviendas era grande y la ciudad carecía de un plan de desarrollo de la misma, y las ideas de Gropius sobre racionalización y tecnificación en la construcción de viviendas, fue acogida con gran entusiasmo por la autoridades de la ciudad.

Pronto Gropius recibió el encargo de la realización de una colonia modelo en Dessau-Törten. El nuevo edificio escolar y las casas para los profesores se convirtieron en el compendio de la arquitectura moderna en Alemania.



El edificio donde se impartían las clases estaba formado por tres alas cuyos compartimentos se hallaban claramente divididos de acuerdo con la función a la que estaban destinados. Además de una sección de aulas, una de talleres y una administrativa, contenía un anejo de cinco pisos el llamado edificio-taller. En el primer piso de este edificio se instalaron un aula magna, un escenario y el comedor escolar; el piso podía transformarse en una superficie corrida, para celebraciones. El equipamiento del mismo procedía en su totalidad de los diferentes talleres de la escuela.





Las casas de los maestros
En un pequeño pinar al lado del edificio principal de la Bauhaus, Gropius construyó las casas de los maestros: tres casas para profesores, cada una con dos viviendas y talleres, y una casa independiente para si mismo. Al principio Klee y Kandinsky habitaron una casa, Muche y Schlemmer otra y Feininger y Moholy-Nagy la tercera.


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Casa de maestro de Walter Gropius

La decoración interior de las mismas se realizó a partir de las indicaciones de colorido de los propios maestros y en especial la de Gropius, en extremo representativa, era mostrada a los visitantes ilustres como ejemplo de los postulados de la escuela.

La colonia Törten
El trazado de la colonia se debe a Gropius. Se trataba de una colonia de viviendas que constaba únicamente de casas independientes de un solo piso y con jardín y para la cual se emplearon materiales prefabricados y estandarizados para rebajar sus costes.

Imagen relacionada
Vista de la colonia Dessau-Törten

Eran casas baratas y se llegaron a hacer hasta tres fases, y aunque en las dos últimas resolvió algunos problemas que había tenido en la primera como la poco efectiva calefacción. Los talleres de la Bauhaus habían erigido una vivienda modelo en Törten cuyo mobiliario podía ser adquirido en la propia escuela.


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La Bauhaus bajo la dirección de Hannes Meyer  1928-1930
El período de Hannes Meyer como director de la Bauhaus se minimiza a menudo, y eso que su mandato duro tres meses más que el de su sucesor Mies van der Rohe. Su compromiso político llevo al alcalde de Dessau a cesarle en 1930 ante el temor de que las actividades comunistas de los estudiantes de la Bauhaus pudieran costar votos.

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Hannes Meyer

Meyer en principio se hizo cargo de la sección de arquitectura y estuvo dirigiendo esta sección aproximadamente un año, tiempo durante el cual no obtuvieron ningún encargo, para a comienzos de 1928 ser propuesto por Gropius, por sus conocimientos y dotes didácticas como nuevo director de la Bauhaus propuesta que pronto ratificaron tanto el Ayuntamiento de Dessau como el Consejo de Maestros.

La nueva organización de la Bauhaus 
Meyer estaba decidido a transformar radicalmente la organización de la escuela y sus primeras decisiones fueron estas:
Ampliación de la instrucción básica. Se elevó la remuneración de Klee y Kandinsky y se acordó que este daría clase en los semestres primero y cuarto, Klee en el segundo y Schlemmer en el tercero.
Para los estudiantes que ya trabajaban en los talleres se repartía la educación entre los dos polos, el artístico y el científico. Lo novedoso era la clara división entre arte y ciencia, así como la tendencia científica del diseño, que Meyer aseguró gracias a una serie de nuevos profesores y profesores invitados.
Meyer subdividió la sección de arquitectura en aprendizaje y ejercicio de la construcción. La sección de arquitectura era la más importante de la Bauhaus y en torno a ella se organizaban las demás secciones.
Se reguló de nuevo la base financiera de los talleres y se reorganizó el trabajo interno de tal modo que aumentaron los ingresos tanto de los estudiantes como de la escuela.

Asimismo se abrió la Bauhaus a los alumnos menos dotados aunque a la larga esta decisión saturó los talleres y hubo de recurrirse a un cupo limitado

La Bauhaus de Mies van der Rohe 1930-1933

Mies van der Rohe como Gropius, había trabajado en el estudio de Peter Behrens y había destacado a comienzos de los años veinte con diseños visionarios para rascacielos de cristal.

En 1923-24 había sido uno de los iniciadores de la revista radical G (Gestaltung). En 1926-27 dirigió la planificación de la colonia Weibenhof en Stuttgart, en la que habían tomado parte casi todos los arquitectos modernos, y que se había erigido como gran demostración de la nueva forma de construir y vivir y en 1929 fue elegido por el gobierno alemán para construir el pabellón alemán en la Exposición Universal de Barcelona.

El nuevo curso en la Bauhaus 1930
Ante la convocatoria de una huelga por los estudiantes, frustrados por la destitución de Meyer, van der Rohe respondió, apoyado por las autoridades de Dessau, con el cierre inmediato de la escuela y la anulación de los estatutos vigentes en ese momento. Cada uno de los alumnos de la Bauhaus, si deseaba seguir en ella, debería solicitar una nueva admisión y se retiró la vivienda, con efecto inmediato, a aquellos que disponían de los 26 talleres para estudiantes. Al mismo tiempo cinco de los estudiantes extranjeros más aventajados y pertenecientes al círculo de colaboradores de Hannes Meyer fueron expulsados sin la menor justificación.

El nuevo estatuto entró en vigor el 21 de octubre. El poder de decisión se concentraba ahora prácticamente en el director; no era necesario escuchar a los estudiantes, que habían perdido su representación en el Consejo de Maestros. Se prohibía todo tipo de actividad política e incluso se prohibía fumar. El estudio se redujo a seis semestres y la arquitectura constituía ahora, todavía más que bajo Meyer, el centro del programa. La Bauhaus se convirtió en una escuela de arquitectura que contaba con algunos talleres.

En la hasta entonces floreciente producción de los talleres tuvo lugar un cambio decisivo. Mies suprimió la producción y decidió que los talleres debían realizar únicamente modelos para la industria. La Bauhaus dejó de ser productora y no admitía contratos. Con ello satisfacía Mies una de las exigencias de la artesanía de la ciudad, que veía competencia en la escuela, pero retiraba a los estudiantes la posibilidad de ganar algo de dinero durante su formación o de financiarse el estudio con su trabajo. Muchos alumnos criticaron esta medida como socialmente dura, pues, además, permanecían cerrados los talleres para estudiantes y las cuotas escolares se habían elevado notablemente.

Dificultades económicas y conflictos políticos
La disminución de los presupuestos asignados por la ciudad de Dessau debido a las críticas que la escuela recibía por parte del partido nacionalsocialista, hizo que la supervivencia económica de la Bauhaus estuviera ligada a las altas cuotas estudiantiles y a lo que la industria pagaba por las licencias de sus productos. La forma de administrar los dividendos de las licencias, los alumnos se llevaban el diez por ciento de las mismas, provocó un fuerte enfrentamiento entre Mies y los alumnos.

Mies van der Rohe confeccionó un programa de conferencias y actos a los que se invitó a profesores y conferenciantes de pretendido corte apolítico con el objetivo de despolitizar la Bauhaus pero que eran criticados como representantes de la derecha por la revista de los estudiantes comunistas de la escuela.

Se cierra la escuela en 1932 trasladándose por un periodo breve de tiempo a Berlín, donde será clausurada definitivamente por el gobierno nacionalsocialista de Hitler en 1933.

Mas información: aquí,

100 años de Bauhaus - El código (1/3) | DW Documental



Tras el visionado de este primer capítulo quizás puedas contestar las siguientes preguntas:

¿Quién fundó la Bauhaus? ¿Dónde? ¿Cuándo?
¿Qué es el Neufert?
Artistas y artesanos, arte y artesanía. ¿Cuál es el objetivo de la Bauhaus?
Respecto al diseño de objetos, ¿cuáles eran los dos principios básicos?
¿Qué es el Pabellón Mies de Barcelona? ¿Cuándo, dónde y por qué se construyó?
Respecto a la tipografía, ¿qué es el diseño corporativo?


jueves, 26 de marzo de 2020

martes, 24 de marzo de 2020

Fundamentos del Arte II. Dalí y Disney: Destino

Fuentes
 http://rz100.blogspot.com.es/2015/05/arte-para-ninos-destino-un-corto-de.html
https://www.salvador-dali.org/es/servicios/prensa/noticias/176/dali-disney-destino


Destino, 1946

"En 1946, el arte de Salvador Dalí y los dibujos de Walt Disney se fusionan en el proyecto de dibujos animados Destino. La colaboración entre Dalí y Disney se formaliza en un contrato de trabajo que se firma el 14 de enero de 1946 y tiene una duración de 2 meses. En este período de tiempo, Dalí trabaja de manera formal en los Disney Studios de la localidad de Burbank, California, creando los dibujos para Destino. En este proceso también intervienen dos colaboradores de Disney, John Hench y Bob Cormack, con los que Dalí idea y trabaja las imágenes que deberán ilustrar la historia de amor que transcurre en el film.

La fuente de inspiración para el proyecto de Dalí y Disney es la canción mexicana Destino, de Armando Domínguez, cuya letra da cuerpo al argumento de la película y cuya música acompaña las imágenes en todo momento. A través del dibujo animado, Destino quiere explicar y remarcar la importancia del tiempo mientras esperamos a que el destino actúe en nuestras vidas. La historia de amor entre una bailarina y el jugador de béisbol/dios Cronos es el hilo conductor a través del cual se nos muestran las múltiples peripecias que sucederán antes de que el destino haga su aparición.

En Destino, Dalí recurre una vez más a la iconografía más propia y personal, y hace uso del paisaje ampurdanés y del recurso de las dobles imágenes para transportarlos y trabajarlos en el lenguaje nuevo de los dibujos animados. La combinación de las dobles imágenes con las transformaciones de objetos y las constantes referencias a obras ilustran un mundo de sueños en el que se mezclan los dibujos llenos de personalidad de Disney y el imaginario surrealista daliniano. El propio Dalí explica que con Destino trata de reflejar una «mágica exposición de los problemas de la vida en el laberinto del tiempo», y describe, muy explícitamente, alguna secuencia: « [...] la sombra de la campana se confunde con la silueta de la joven y ambas se ponen a bailar. La cabeza de Cronos esculpida sobre la pirámide se libera de la piedra y comienza también a bailar, intentando ahuyentar una lluvia de monstruos que caen del cielo. Cronos aparta a los monstruos de su cuerpo, y cada vez que se quita uno de encima se le hace un agujero».
[...]
La película original, de una duración de entre seis y ocho minutos, tenía que formar parte de un package film, entendido este como un largometraje en el que se combinan diferentes episodios o relatos cortos. Pero Destino no se completó en 1946, sino que solo se rodó una secuencia experimental de quince segundos; se deduce que el conflicto de la Segunda Guerra Mundial y la falta de presupuesto del momento impidieron que el proyecto saliera adelante. Finalmente, y gracias a los esfuerzos de diferentes instituciones encabezadas por Disney, en el 2003 se decide retomar el proyecto y se procede a recuperar las primeras ideas y los bocetos sobre los que se basaba el film. Destino acaba siendo una realidad para ser contemplada y disfrutada por un amplio público, tal y como sus creadores originales previeron.

Aunque Disney posee la mayoría de los dibujos, e incluso 5 pinturas, que Dalí y sus colaboradores de la factoría Disney realizaron para Destino, la Fundació Gala-Salvador Dalí conserva diversos bocetos y croquis para las imágenes de la película que el artista guardó para él. Se trata principalmente de estudios preparatorios hechos a lápiz y tinta sobre papel vegetal, muy poco conocidos, procedentes de los cuadernos en que Dalí dibujaba y volvía a dibujar las imágenes que tenía en la cabeza, en un proceso creativo concentrado y apasionado que refleja su entusiasmo por el proyecto" 

Información original aquí

Fundamentos del Arte II. Cine surrealista: Un perro andaluz (1929)


El surrealismo y el cine surrealista
El surrealismo nace oficialmente en París, Francia en 1924 con la publicación del Manifiesto Surrealista de André Breton, quien era un poeta y crítico que al término de la Primera Guerra Mundial empezó a buscar nuevas formas de conocer al hombre en su totalidad; planteando un acercamiento que se alejara del realismo y de la razón, las fuerzas que regían la sociedad en esa época.


“Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control”. Se trata de plasmar las imágenes más significativas de la realidad, el subconsciente y el mundo de los sueños a través de símbolos y figuras abstractas.

Una característica fundamental de este movimiento es, sin duda, la provocación. La meta es alejarlo de la realidad que conoce para sumergirlo en un nuevo mundo donde la magia, la fantasía y el sinsentido son el principio protagónico.  Aquello que la clase burguesa tildaba de vulgar e inapropiado se convirtió en el elemento más utilizado para expresar de manera irónica el lugar que ocupaban en la sociedad.



Para resumir ,el surrealismo se apoyó en los siguientes recursos para entrelazar la realidad racional y la onírica:
• Animación de lo inanimado
• Metamorfosis
• Aislamiento de fragmentos anatómicos
• Máquinas fantásticas
• Elementos incongruentes
• Representación de perspectivas vacías, autómatas y espasmos
• Evocación del caos
• El sexo y lo erótico
• Libido del inconsciente
• Relaciones entre desnudos y maquinaria
• Lo prohibido y lo oculto 

Cine Surrealista


A partir de los años veinte los artistas europeos de vanguardia se opusieron al arte oficial y rechazaron los modelos clásicos de expresión. Muchos de estos artistas provenían de otras disciplinas estéticas pero se habían interesado en el cine. En un principio fueron los pintores y literatos quienes conformaron el movimiento cinematográfico alternativo.



En el año 1928 hizo su aparición la primera película con carácter surrealista llamada La Caracola y el Clérigo, de la cineasta y directora Germaine Dulac. El año siguiente se estrenó el film más representativo del género, Un Perro Andaluz del director español Luis Buñuel; quien se mantuvo en la línea surrealista para la realización de su siguiente película La Edad de Oro, obra que cuestiona las normas morales y sociales de la época.

Se denomina cine surrealista a toda producción cinematográfica que aplique los conceptos, recursos y técnicas surrealistas en su realización. Al igual que el surrealismo como movimiento plástico, el cine surrealista se apoya en el automatismo y el mundo de los sueños para presentarle al espectador una realidad alterna. Automatismo es la libre asociación de ideas e imágenes donde la coherencia, la racionalidad y el sentido no deben intervenir. Los sueños se refieren a la formación de imágenes oníricas.

El cine surrealista cumplió la función de escandalizar. Nace como una extensión de la pintura. Se trata de otorgarle movimiento a imágenes autómatas. La imagen conservó su estatus y se mantuvo como la herramienta principal de narración. Por este motivo, los realizadores tuvieron que recurrir a distintas técnicas de cámara y composición, tales como angulaciones inusuales, efectos ópticos y distintas velocidades de filmación. El cine surrealista otorga al espectador una mirada no convencional de la realidad que no responde a ningún principio estético o moral. Nos revela un mundo onírico en el que el inconsciente fluye con total libertad.

Los sueños, las alucinaciones, la imaginación espontánea, el inconsciente, la fantasía, y el azar son elementos esenciales en el cine surrealista. Además, presenta las siguientes características:

• Cámaras lentas
• Uniones absurdas entre secuencias y planos
• Tiempos y espacios confusos o ambiguos
• Erotismo lírico
• Fantasía onírica
• Automatismos
• Humor desvergonzado y cruel


Un perro andaluz
Un Perro Andaluz es un cortometraje de Luis Buñuel con la colaboración de Salvador Dalí en el guión. La cinta tiene una duración de diecisiete minutos, está filmada en blanco y negro y al momento de su estreno era muda. En el cortometraje
 van sucediendo una serie de imágenes impactantes. Un hombre secciona el ojo de una mujer con una navaja; un ciclista vestido de forma estrafalaria se cae y es recogido por la mujer; una mano llena de hormigas... 
[...] Escribimos el guión en menos de una semana, siguiendo una regla muy simple, adoptada de común acuerdo: no aceptar idea ni imagen alguna que pudiera dar lugar a una explicación racional, psicológica o cultural. Abrir todas las puertas a lo irracional. No admitir más que las imágenes que nos impresionaran, sin tratar de averiguar por qué. (Buñuel, 1982)
La película se concibe como un experimento surrealista que transgrede las convenciones, desafía la racionalidad y provoca al espectador.
Este particular film nos enfrenta a un relato y una narrativa revolucionarios. No se trata de una trama tradicional en la que se distinga un orden lógico de acontecimientos. No se puede señalar puntualmente el inicio, el desarrollo y el desenlace. La acción no transcurre de forma lineal y los límites espaciales tampoco están definidos. Se trata más bien de una sucesión de imágenes. Buñuel denomina decoupage a este tipo de narración que refleja el funcionamiento de la mente humana a partir de la asociación de ideas. A lo largo de la película el espectador experimenta saltos en el tiempo. Con ayuda de inter-títulos tan variados como: «Érase una vez», «Ocho años después», «Hacia las tres de la mañana», «Dieciséis años antes », o «En primavera», Buñuel nos transporta hacia adelante y hacia atrás en el tiempo constantemente. Además la narración no se encuentra limitada a un espacio coherente. Los personajes aparecen en cualquier lugar y las acciones pueden empezar en una locación para terminar de desarrollarse en otra completamente diferente. Esta ruptura de la continuidad nos remite al delirio y el sueño, dos estados en que la mente permite entender secuencias insólitas.
 Un Perro Andaluz, busca que las imágenes surjan una tras otra sin tener en cuenta la coherencia o el sentido. Se busca dejar de lado el control ejercido por la razón y permitir que las ideas fluyan libremente. Para poder “guiar” al espectador hacia esta libertad, Buñuel utiliza varias herramientas cinematográficas. Para comenzar, alterna montajes paralelos y montajes alternos. Un montaje alterno ocurre cuando se narran dos o más historias que ocurren simultáneamente, pero que en algún momento se cruzan. Así por ejemplo, mientras una mujer lee un libro sentada en su habitación, un ciclista de vestimenta estrafalaria pedalea por una calle desierta.
Se denomina montaje paralelo a la narración de dos o más historias que pueden o no ocurrir simultáneamente pero jamás se cruzan. El ejemplo más claro del uso de este recurso en Un Perro Andaluz es la escena inicial en la que se secciona el ojo de una mujer con una navaja. Ninguna otra escena de la película hará referencia a esos escasos primeros minutos de la trama. 

Buñuel también se apoya en el uso de primeros planos para intensificar el dramatismo de las imágenes que captura. Uno de los más recordados es el acercamiento que le hace a la fotografía de una mariposa cuyo tórax se asemeja a una calavera. Asimismo “usa el plano picado (la cámara orientada hacia abajo) con un valor simbólico para marcar las distancias”
Sus imágenes superpuestas y fundidos encadenados tienen aun más protagonismo. Siempre en la búsqueda de la asociación libre de ideas, Buñuel invita al espectador a presenciar como una figura se transforma en una y luego en otra que parecen no guardar relación entre sí. El agujero negro de la mano de un hombre “se transforma en el vello axilar, un erizo de mar y en un grupo de personas que rodean a una mujer de apariencia andrógina que tantea con un bastón una mano cortada que yace en medio de la calle” (Wikipedia, 2010). 
Las situaciones planteadas en Un Perro Andaluz pueden dar lugar a diversos análisis e interpretaciones que pueden o no develar las intenciones de Buñuel. Sin embargo una cosa no admite dudas ni especulaciones, el film no se realizó para ser comprendido sino para exaltar sensaciones y provocar reacciones en el espectador.  El espectador debe dejarse guiar por el juego de imágenes interrelacionadas. La interpretación es personal y debe ser libre. 


«Un perro andaluz» © Colección Filmoteca Española

Ficha técnica

Guión
Luis Buñuel, Salvador Dalí

Intérpretes
Pierre Batcheff, Simone Mareuil, Salvador Dalí

Fotografía
Albert Duverger

Música
Richard Wagner

Duración
16 minutos

Producción
Blanco y negro. Cine mudo


Luis Buñuel. Biografía. 

Nace en Calanda (Teruel), el 22 de febrero de 1900. Después de estudiar bachillerato en Zaragoza, en 1917 se instala en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde conoce a Federico García Lorca y a Salvador Dalí. En 1924 se traslada a París, donde trabaja como asistente del cineasta Jean Epstein. En 1929 estrena su primera película “El perro andaluz”, cuyo guión escribe Dalí. Realiza después “La edad de oro”. En México rueda "Los olvidados" (1947), con la que gana el primer premio a la mejor dirección en el Festival de Cannes de 1951. En 1961 vuelve a España y comienza el rodaje de "Viridiana", que obtiene la Palma de Oro en Cannes. En 1967 recibe el León de Oro del Festival de Venecia por “Belle de jour”. Fallece en México, el 29 de julio de 1983.

El perro andaluz


Para saber más del significado de la película desde un punto de vista simbólico puedes visitar la página Aula de Filosofía aquí

miércoles, 18 de marzo de 2020

Sant Chapelle de Paris



Construida entre 1242-1248 por Pierre de Montreuil.
Destaca la diferencia de altura entre la nave central y las laterales, la tendencia ascensional de los elementos arquitectónicos y ornamentales, la ubicación del crucero casi en el centro del edificio y su escaso saliente en planta, así como la progresiva supresión de los muros y la tribuna en favor de grandes vidrieras policromadas.

Busca información sobre la técnica de las vidrieras.

GIGANTES DEL GOTICO Construccion de una Catedral en la Edad Media

Es una historia particular sobre el "primer constructor" gótico. Recrean la vida de Guillermo de Sans y la construcción de las primeras catedrales.

lunes, 16 de marzo de 2020

Fundamentos del arte II. Surrealismo



Saludos!
Os dejo enlaces a dos presentaciones sobre el Surrealismo y otras vanguardias realizadas por los profesores Salvador Guzmán y Ana Galvan respectivamente.
Surrealismo y otras vanguardias

jueves, 12 de marzo de 2020

Fundamentos del Arte I. Actividades Introducción al Gótico.

Saludos!!

 Para las siguientes actividades la clase se organizará por parejas.


1. Leed la introducción y el apartado de la arquitectura de los apuntes/libro digital
2. Definir los siguientes términos arquitectónicos : absidiolos, girola, crucero, nave central, nave longitudinal, cabecera, arco apuntado, bóveda de crucería, vidriera

3  Compara las características de la plantas de una iglesia románica y de una iglesia gótica:
a) ¿Qué elementos tienen en común?
b) ¿En qué se diferencian?
c) Busca en el libro o apuntes a qué edificios se corresponden





4 Tras el visionado del video, y con ayuda del material de trabajo como el libro digital, apuntes etc, realiza un esquema con las principales Catedrales españolas, indicando su cronología, localización e influencias recibidas.




El secreto de Thomas Crown - Escena devolución cuadro. Tema: "Sinnerman"...





Hoy nuestra alumna Paola nos ha presentado a René Magritte, pintor surrealista. Sus obras más destacadas: "Los amantes", "Esto no es una pipa" y  "El Hijo del Hombre" entre otras.

En esta escena de la película "El caso de Tomas Crown" se hace referencia explicita a dicho autor.

Título original: The Thomas Crown Affair
Año: 1999
Duración: 113 min.
País;  Estados Unidos
Dirección: John McTiernan
Guion: Leslie Dixon, Kurt Wimmer (Historia: Alan R. Trustman)
Música: Bill Conti
Fotografía: Tom Priestley Jr.
Productora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)


Aquí la maravillosa Nina Simone con la canción de la película 



Video Clip




martes, 10 de marzo de 2020

La arquitectura gótica

Fundamentos del arte I. Gótico

Saludos!! empezamos nuevo estilo artístico. Debéis descargar los apuntes del arte gótico para empezar a trabajar.
Os dejo los apuntes y comentarios del arte gótico: apuntes  aquí y comentarios aquí.
Finalmente podéis probar con éste vínculo para acceder a los apuntes de la profesora Ana Galván aquí
Espero que todo este material os sirva de ayuda. 

Abstracción, Neoplasticismo y Constructivismo

Abstracción
Kandinsky, figura fundamental del expresionismo alemán nacido en Munich con "Der Blau Reiter",  abandona la figuración hacia 1910 mostrándose más interesado por lo "no ojetivo" donde el único "tema" sea el color, la línea, la superficie, etc. De esta preocupación nacen sus primeras acuarelas abstractas. Publica un libro titulado "De lo espiritual del arte" (1912) donde manifiesta que el arte debe relacionarse más con lo espiritual que con lo material; renunciando a la representación figurativa. Desea encontrar la correspondencia forma-color y el ánimo de quien contempla la obra. De ahí su creencia de que era posible aproximar la pintura a la música (muchos de sus cuadros se titulan "improvisación", "composición", etc.
Kandinsky evolucionó hacia una abstracción geométrica que desarrolló durante sus años de docencia en La Bauhaus

Neoplasticismo
La "revolució cubista" tiene en Holanda una incidencia especial gracias a la constitución de un grupo de artistas en torno a la revista "De Stijl" (El Estilo), pulicada entre 1917 y 1926. El fundador principal fue Theo Van Doesburg (1883-1931) que aglutina en torno suyo a arquitectos como Rietveld y pintores como Piet Mondrian. 
La idea de Doesburg es fomentar "la construcción de un nuevo entorno según leyes creadoras. La revista De Stijl propugna la astracción y la simplificación (claridad, certidumbre y orden). 
La linea recta, los volúmenes prismáticos y los colores planos son las principales características formales de los artistas mencionados. Tanto es así que cuando Doesburg, a partir de 1924, realice variaciones Mondrian abandona el grupo. 
Los fundamentos teóricos del grupo son casi más importantes que las propias obras. 
Mondrian repite en sus lienzos variantes de sus rectángulos de distinto tamaño, para los que usa solamente los colores primarios, el blanco y negro. Mondrian busca un "arte puro" despojado de lo particular. La geometría del neoplasticismo es muy distinta de la libertad pictórica del expresionismo  pero comparte con este sus planteamientos son idealistas.

Constructivismo