Fundamentos del Arte II. Impresionismo.

El máximo interés de los impresionistas es la luz, pintar la luz y cómo ésta se refleja en los objetos. Lo que se pinta es el instante fugaz, porque la luz natural cambia constantemente. Para ello se recurre, aunque no siempre, al empleo de colores puros, confiando en que sea el ojo del espectador el que los mezcle, aplicando así la teoría de los colores recientemente planteada

La luz obliga a los impresionistas a salir a la calle, al campo, al mar, a pintar al aire libre (plenairismo), abandonando el estudio. Por eso en un catálogo general de estos artistas predominaria de forma absoluta el paisajismo. Habitualmente emplean una pincelada suelta y gruesa, con colores aplicados tal cual salen del bote de pintura, y rehuyen los claroscuros. Y como les interesa la fugacidad de las cosas, a veces las pintan varias veces (serialismo) para dejarnos una crónica de cómo la luz va cambiándolas constantemente.

Listado de obras y autores:

Manet (1832-1883)

Se sitúa a caballo entre el realismo y el Impresionismo. Muchos han clasificado su estilo como naturalista porque se basa en la observación de la realidad y su plasmación sin alteración alguna. Representa la vida tal cual, sin adorno ni metáfora. Por ello sus obras suscitan escándalos y polémicas

Obras: 

Desayuno en la hierba, 1863

Olimpia, 1863

Retrato Emile Zola, 1866

Bar Folies- Bergère, 1881-82

Monet (1840-1926)

Su máxima preocupación es plasmar la vibración cromático-lumínica en sus lienzos. La luz engendra el color y la forma. Sus temas preferidos son las marinas, las escenas fluviales y los paisajes. 

Obras:

Impresión, sol naciente., 1873

Estación de San Lázaro, 1877

La Catedral de Ruen, 1893

El Parlamento inglés, 1909

Nenúfares (serie) 1919-1923

Degas (1834-1917)

Es un impresionista más de la forma que del color. Es un hábil dibujante, le preocupó captar el movimiento con fidelidad, de ahí que desarrollara temas como las bailarinas y las carreras de caballos.

Obras: 

La clase de danza. 1874

Bebedores de absenta, 1876

Carreras, 

Renoir

En sus creaciones muestra la alegría de vivir, incluso cuando los protagonistas son trabajadores. Siempre son personajes que se divierten, en una naturaleza agradable. Trató temas de flores, escenas dulces de niños y mujeres y sobre todo el desnudo femenino

Obras: 

Moulin de la Galette, 1876

El almuerzo de los barqueros, 1880-81

Otros pintores del impresionismo: Sisley, Pisarro

Tan fiel como Monet a la técnica del Impresionismo se mantuvo Sisley (1839-1899), que fue exclusivamente un pintor paisajista y será Pisarro (1830- 1903), quien lleve hasta las últimas consecuencias el estudio de la luz y el color llegando al post-impresionismo y al puntillismo.

Los autores impresionistas no tenían conciencia de grupo, aunque todos reivindican la libertad a la hora de seleccionar el motivo pictórico, cada uno plasmará lo que ve. Es un arte íntimo arraigado en el sentimiento de la originalidad individual, que se inicia con las vivencias personales y con las experiencias en soledad.

A principios de 1880 estas diferencias estilísticas y las cuestiones personales comenzaron a agudizarse y el Impresionismo como movimiento de vanguardia acabó diluyéndose. De sus cenizas comenzaron a gestarse las propuestas de otros artistas que darán lugar al post-impresionismo y al neoimpresionismo.

Fundamentos del Arte II. Escultura del s.XIX.

A. Rodin (1840-1917)

Escultor francés que dotaba a su trabajo de gran fuerza psicológica, expresada a través del modelado y la textura. En el arte de Rodin se funden una técnica impresionista, que con la rugosidad de las superficies y la multiplicación de planos obtiene efectos de luz, la profundidad vital y la fuerza colosal que anima las figuras. Se le considera uno de los escultores más importantes del siglo XIX y principios del XX. Estudió arte en una escuela pública para artesanos y por su cuenta en el Louvre, ya que no fue admitido en la École des Beaux-Arts. Durante muchos años trabajó para otros escultores, incluido Ernest Carrier-Belleuse. Rodin colaboró, a principios de la década de 1870 en la realización de una escultura arquitectónica para la Bolsa de Bruselas. En 1875, viajó a Italia, donde se sintió atraído por el tratamiento del movimiento y la acción muscular en las obras de los escultores del renacimiento, Donatello y Miguel Ángel (el fuerte impacto de la terribilitá de Miguel Angel se aprecia en toda su obra). Para Rodin, la belleza en el arte consistía en una representación fidedigna del estado interior, y para lograr este fin a menudo distorsionaba sutilmente la anatomía.

LAS PUERTAS DEL INFIERNO (1880-1917) 

La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas , creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes.

Su escultura, en bronce y mármol, se divide en dos estilos. El estilo más característico revela una dureza deliberada en la forma y un laborioso modelado de la textura, el otro está marcado por una superficie pulida y la delicadeza de la forma. Rodin produjo algunas esculturas importantes entre 1858 y 1875, incluyendo entre ellas especialmente Hombre con la nariz rota. Sin embargo, su reconocimiento llegó en 1877 con la exhibición en el Salón de su desnudo masculino La era de bronce. Este trabajo levantó controversia dado su extremado realismo y provocó la acusación de que Rodin había hecho moldes de yeso a partir de modelos vivos. La exhibición en 1880 de su desnudo San Juan Bautista, que resaltaba las cualidades humanas del sujeto, acrecentó la reputación de Rodin. El mismo año comenzó a trabajar en las Puertas del infierno, una puerta de bronce esculpido para el Museo de las Artes Decorativas de París. La puerta representaba principalmente escenas del Infierno, la primera parte de la Divina Comedia de Dante. Aunque Rodin no completó las Puertas del infierno, creó modelos y estudios de muchos de sus componentes escultóricos, siendo todos ellos aclamados como obras independientes. Entre estos trabajos se encuentran El beso (su famosa escultura El Beso, Elaborada entre 1886 y 1890, la escultura corresponde al momento en que Rodin trabaja junto con Camille Claudell). Esta experiencia de una relación en la que el goce de la unión física se unía a una camaradería de tipo espiritual, posiblemente contribuyó a un cambio en su concepción del amor que es evidente en las obras del período. Del amor culpable manifiesto en los grupos de Las Puertas del Infierno, donde las parejas se unen en la maldición del pecado compartido, se pasa a una representación visual del amor en la que una fuerza interna une en audaces enlaces y abrazos a seres que así manifiestan la expansión de su energía vital, de la felicidad compartida. Esta desmitificación y la representación del amor como parte del comportamiento de todo ser humano provocó una fuerte reacción en sus contemporáneos que juzgaron como crudamente realista e impúdica a El Beso (escena aceptada y gozada siempre que se diera un contexto mítico o literario). En este sentido, Rodin habría operado una especie de democratización de la sensualidad erótica. No obstante, la obra gozó de notable aceptación popular. Supone a un tiempo la apoteosis de la belleza y el movimiento, con la multiplicación de planos y la suave ondulación de la superficie), Ugolino, El pensador , Adán y Eva.

Su estilo deriva en plena madurez hacia las formas simbólicas, como en La catedral, reducida a dos manos en posición orante en la que las formas sugieren dimensiones que desbordan sus límites visibles o La mano de Dios, en la que de una etérea nube de mármol brota un cuerpo humano. Estas versiones intelectuales de los temas se desenvuelven en un plano de superación de lo sensible, similar al que acomete Cézanne en pintura. En 1886 terminó Los burgueses de Calais. Rodin también produjo numerosos retratos en los que se revelan los estados emocionales de los sujetos. Entre ellos, cuadros de cuerpo entero de los escritores franceses Honoré de Balzac y Victor Hugo, así como del pintor Jules Bastien-Lepage, también hizo bustos de los artistas franceses Jules Dalou, Carrier-Belleuse y Pierre Puvis de Chavannes. Murió en Meudon, cerca de París, el 17 de noviembre de 1917. Una parte de su obra puede verse en el Musée Rodin, de París.

La obra de François Auguste René Rodin marca, a la par del Impresionismo en pintura, el nacimiento de la escultura contemporánea, aunque su figura desborda los límites de ese movimiento para convertirse en uno de los escultores más grandes de todos lo tiempos. Podemos concluir, por tanto, que el lenguaje escultórico del siglo XX tiene su punto de partida en este extraordinario creador.

August Rodin: Obras

Comentarios: Los burgueses de Calais

Fundamentos del Arte II. Neoclasicismo y Romanticismo. Esquemas visuales

Fundamentos del Arte II. Síntesis obras del s. XX

El arte del siglo XX

1. La nueva arquitectura
- Vanguardias, funcionalismo y racionalismo. Autores como Le Corbusier o los
de la escuela de la Bauhaus (W. Gropius) se basaban en sencillas formas de geometría pura, sin decoración, y concebían la obra arquitectónica como un elemento útil y bello a la vez. (imágenes 1 a 6)
- Arquitectura organicista: Frank Lloyd Wright pretendía que los edificios se
adecuaran a los materiales utilizados y al medio natural. (Im. 7)
- Arquitectura de después de la Segunda Guerra Mundial (imágenes 8 a 11)

 2. Las Primeras Vanguardias hasta 1914  (Im.12 a 22)
 – El fauvismo (Matisse) utilizó de forma subjetiva el color, el dibujo y las perspectivas.
– El expresionismo (Kirchner, Nolde), mediante la fuerza de los colores, la textura y la línea, transmitía los problemas de su época.
– El cubismo (Picasso, Braque) pretendía descomponer los objetos en formas geométricas,mostrando así el volumen, la tercera dimensión.
– El futurismo (Boccioni) rechazaba el arte pasado y pretendía captar la sensación de movimiento
– El dadaísmo (Duchamp) creó auténticas provocaciones, burlas a las convenciones sociales, obras que deliberadamente no presentaban ningún significado racional.

 3. Vanguardias en el período de entreguerras. (Im. 23 a 32)
Los avances científicos y técnicos y los importantes cambios sociales de la posguerra hicieronplantearse a los artistas la función y el sentido del arte:
– La abstracción (Kandinsky, Miró, Mondrian, Malevich) buscó provocar emociones solo mediante la armonía de las líneas y colores.
– El surrealismo (Dalí, Magritte) mostró la parte irracional e inconsciente de la mente.

4. Las Segundas Vanguardias (Im. 33 a 44)
 - nuevas tendencias abstractas: action painting (Pollock, Rothko).- También surgió el informalismo, que no es figurativo ni abstracto, pues usa el collage y

múltiples materiales (Tàpies, Saura).
- Después de la segunda mitad del siglo XX, los estilos pictóricos se diversificaron y se convir-
tieron en arte para la sociedad de masas y consumista:
– En la década de 1960 apareció el pop-art (Warhol, Lichtenstein, Equipo Crónica), quecriticó la sociedad de consumo.
– También destaca el hiperrealismo (Estes, López), el arte pobre y el arte conceptual.
– Últimamente, nuevas tendencias convierten el arte en una experiencia (performances,body art). Christo.

1. Pabellón de Turbinas AEG (1908-1909) de Behrens (I)2. Torre Einstein (1919-1921) de Mendelsohn (I)3. Casa Schröder (1924) de Rietveld (I)4. Edificio de la Bauhaus (1925) de W. Wropius ©5. Villa Saboya (1929-1931) de Le Corbusier ©6. Iglesia de Notre Dame de Ronchamp (1950-56) de Le Corbusier (I)7. La Casa de la Cascada (1936) de Frank LLoyd Wright ©8. Centro Pompidou (1971-1977) de Piano y Rogers (París). (I)9. Museo de Arte Romano de Mérida. (1980-1985) de Moneo. (BC)10. Museo Guggenheim de Bilbao (1993-1997) de F. O´Ghery (BC)11. Ciudad de las Artes y las Ciencias (1990) de Santiago Calatrava ©

 Las Primeras Vanguardias hasta 1914

12. Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso (1907). ©13. La danza de Henri Matisse (1910). (I)14. El portugués de George Braque (1911). ©15. Desnudo bajando una escalera de Marcel Duchamp (1912). (I)16. Los grandes caballos azules de Franz Marc (1911). (I)17. Escena callejera en Berlín de Kirchner (1913) (I)18. Primera acuarela abstracta de Kandinsky (1910-1913). (BC)19. Rueda de bicicleta de Duchamp (1913). (I)20. Rusia, a los asnos y a los demás de Marc Chagall (1911). (I)21. Mlle. Pogany de Brancusi (1912). (I)22. Formas únicas de continuidad en el espacio de Boccioni (1913). (BC)
Las Primeras Vanguardias (período de entreguerras)

23. Tres músicos de Picasso (1921) ©24. El carnaval del arlequín de Joan Miró (1924-1925). (BC)25. La vista del obispo de Gutiérrez Solana (1926) (I)26. Los amantes de Magritte (1928) (BC)27. El gran masturbador de Dalí (1929). (I)28. La persistencia de la memoria de Dalí (1931). (BC)29. Composición II con azul y rojo de Mondrian (1929). (BC)30. Cuadrado negro sobre fondo blanco de Malevich (1929). (I)31. El profeta de Pablo Gargallo (1933). (I)32. Guernica de Picasso (1937). ©