Fundamentos del Arte II. La época romántica.

El siglo XIX constituye una etapa especialmente agitada de la historia europea, caracterizada por profundos cambios en todos los órdenes: 

- La economía está marcada por la revolución industrial, que iniciada a finales del s. XVIII, se extiende por toda Europa. Además se produce la consolidación del capitalismo industrial que provocaría tensiones sociales. 

- En lo social, la vieja sociedad estamental es sustituida por la sociedad de clases, es decir, la posición que un hombre ocupa en la sociedad ya no depende de su nacimiento sino de su situación económica, de su riqueza. Es la riqueza la que otorga los derechos: a mayor poder económico, mayor poder político. Así la nobleza, salvo en algunos países, es desplazada por la burguesía que se convierte en la nueva clase dominante: la Revolución Francesa (1789) supuso el acceso de la burguesía al poder político en Francia; y las revoluciones europeas de 1830 y 1848 consolidarán su posición social. Pero, a la vez, el proletariado irá cobrando conciencia de su fuerza, canalizada por las diversas doctrinas socialistas. 

La política es reflejo de las tensiones sociales. Napoleón pretendió consolidar ciertas adquisiciones de la Revolución y extenderlas por toda Europa y por otro lado provocó una reacción, tras su derrota, para restaurar el Antiguo Régimen. Sin embargo, la fuerza económica y social de la burguesía es creciente. De esta tensión entre los burgueses liberales y los monárquicos absolutistas, surgirán los citados movimientos revolucionarios de 1830 y 1848.  

Paralelamente, destaca el desarrollo de los nacionalismos. Se produjeron la independencia de Grecia del Imperio Turco-Otomano y las unificaciones de Alemania e Italia de la segunda mitad del siglo. Este proceso se debe a diversas circunstancias pero, sin duda, fue favorecido por las ocupaciones napoleónicas, que desarrollaron en los pueblos el sentimiento de sus peculiaridades históricas, culturales, lingüísticas, etc. 

Una gran parte de la producción romántica estuvo determinada por la necesidad de difundir exterior e interiormente una identidad nacional, como la expresión formal de una comunidad de individuos ligados por un pasado y unas costumbres comunes.  

Desde un punto de vista filosófico se abre el camino el idealismo, frente al racionalismo del s. XVIII,  y la exaltación del yo que rechaza límites y lucha por su libertad. Por otro lado, el liberalismo político defiende las libertades individuales y la soberanía popular, es decir, el poder reside en el pueblo, el cual lo ejerce a través de unos representantes elegidos por sufragio y dentro del marco de una Constitución. 

El Romanticismo no es una simple corriente literaria, sino un amplio movimiento  que abarcó diversos aspectos de la cultura y vida europeas y cuyo momento de máximo esplendor se alcanzó entre 1815 y 1848.

En primer lugar supone una crisis del racionalismo, una reacción contra el imperio de la razón: se pierde la fe en que ésta pueda explicar y ordenar el mundo, y dirigir la política, la moral, las artes...Se derrumban por tanto los valores precedentes y surge un nuevo espíritu, cuyos primeros pensadores y artistas surgen en Inglaterra y Alemania. Se pasará a reclamar el poder creador del espiritú, la importancia de la imaginación, el sentimiento y la pasión.

El paso del tiempo y la muerte se convirtieron en la extrema situación en la que se planteaban, con la mayor  crudeza, los frágiles límites de nuestra existencia. En este contexto, la religión cobró una gran  importancia ya que se convirtió en una necesidad dada las irrefrenables ansias de trascendencia que sintió todo romántico. Por ello se vio impulsada la pintura religiosa. Precisamente uno de los primeros grupos de artistas románticos es conocido como los Nazarenos.

En lo estético, se rechazan las formas neoclásicas, fundadas en la razón. A lo romántico no le sirven los cánones de aquella belleza contenida, estática, equilibrada, ordenada. Deja de interesar la "armonía", la "perfección", el "equilibrio".  Por el contrario se busca el dinamismo, su intensidad expresiva y su fuerza sentimental y se dará entrada a lo irracional, lo misterioso, lo sublime. Por encima de todo el "yo" del creador/artista .

Actividad.

1. Resume la situación política y social del s. XIX
2. Tras la lectura del texto, sintetiza las características de ésta época desde el punto de vista artístico.
3. Busca rasgos comunes entre la pintura y la literatura romántica 

Fundamentos del Arte II. Obras comentario del Romanticismo

*Título de la obra.
*Autor.
*Cronología y estilo.
*Comitente (si es que lo hubo, o si por el contrario, fue hecha motu propio por el artista)
*Tema.
*Técnica y aspectos formales: composición, color, perspectiva y volumen, luz, hieratismo o dinamismo, ethos o pathos, etc.
*Influencias.
*Función y significación.


Cuadro 1. La balsa de la Medusa. Théodore Géricault.






Cuadro 2. La libertad guiando al pueblo. Eugène Delacroix.










Cuadro 3. Mujeres de Árgel. Eugène Delacroix.




Cuadro 4. La barca de Dante. Eugène Delacroix.




Cuadro 5. La muerte de Sardanápalo. Eugène Delacroix.





Cuadro 6. La matanza de Quíos. Eugène Delacroix.




Cuadro 7. Caminante en un mar de nubes. Caspar David Friedrich.




Cuadro 8. Lluvia, vapor y velocidad. William Turner.




Cuadro 9. La catedral de Salisbury. John Constable.






Cuadro 10. Los fusilamientos del 3 de mayo de 1808. Francisco de Goya.




Todas las imágenes mostradas en este actividad proceden de la Wikipedia, public domain.

Fundamentos del Arte II. El paisaje, género romántico

Durante la primera mitad del s.XIX la pintura estaba sometida a una reglamentación rigurosa por géneros o especialidades temáticas. El género más importante era el histórico que, de forma general, englobaba todos aquellos cuadros en los que se presentaba un relato ( biblíco, mitológico, religioso, literario) o hecho histórico propiamente dicho.
Poco a poco otros géneros menos valorados por su aparente simplicidad técnica empezaron a cobrar importancia y dónde lo verdaderamente importante empezaba a ser la pintura en sí misma.
La contemplación de la naturaleza es una de las experiencias románticas más genuinas asociada a interpretaciones subjetivas.
El paisaje romántico alemán es un ejemplo de la importancia y reflexión que teóricos y artistas realizaron sobre el efecto sublime que producía la contemplación de la naturaleza. Se empleaba éste calificativo para referirse a todo aquello que producía una emoción sobrecogedora, entre el temor y el placer: las grandes cordilleras, con profundos abismos; los parajes solitarios o ruinas abandonadas; el mar inmenso.
Caspar David Friedrich (1774-1840) es el artista más importante del romanticismo alemán

El paisaje romántico inglés también se caracterizó por su fascinación por la naturaleza, W Turner (1775-1851)  concibe el paisaje como un lugar majestuoso, como una arrebatadora fuerza que atrapa todas las cosas hasta desintegrar sus formas concretas.

John Constable ((1776-1837) sin embargo muestra una actitud diferente, la del paseante emocionado por los placeres comunes de la vida rural, al placer estético captado por los sentidos. Sus pinturas llenas de claridad, revelan un entusiasmo respetuoso y amable por todas aquellas cosas, aparentemente simples de la vida campestre: la colina, el campo cultivado, la corriente de agua, los animales. Podríamos decir que es el mejor pintor de lo pintoresco, calificativo utilizado para caracterizar aquello que resulta curioso y sorprende de manera agradable.

Fundamentos del Arte II. E. Delacroix "La Libertad guiando al pueblo"

La obra representa el levantamiento de los ciudadanos de Paris que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830. Es una de las revoluciones burguesas, que puso fin a la restaurada la monarquía borbónica de Carlos X,  siendo sustituido por Luis Felipe de Orleans más cercano a los burgueses liberales. 

La revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. Jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección que levantaron barricadas. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos.

Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. La lucha por la libertad y por la nación de dónde nacerá el nacionalismo,  es una temática recurrente de los artistas románticos. El mismo autor trata idéntico tema en otras obras como La matanza de Quíos que también refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberación del yugo turco

En el cuadro aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad (Francia) representada como una mujer empuñando un fusil de la época (rasgo realista).  Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen también soldados leales a Carlos X.

El personaje del sombrero es un burgués,  autorretrato de  Delacroix. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada...y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese año Marx publica su Manifiesto Comunista). Fue un autor políticamente comprometido.

La figura de la Libertad, (cuyas referencias a la escultura clásica podemos advertir en el tratamiento de los paños, la desnudez, la postura) porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor.  En segundo plano aparece Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria.

La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). 

La obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. 

La perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrás de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontremos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault  fue iniciador.

Fuente: http://enciclopedia.us.es/index.php/La_Libertad_guiando_al_pueblo_(1830)

Para concluir puedes ver esta breve explicación:

Fundamentos del Arte II. W. Turner.

William Turner  capta a la perfección la atmósfera, las luces y los colores de este paisaje. Su espíritu. Porque junto a su odiado Constable, Turner fue El paisajista.

El artista  soplaba el pigmento y usaba sus manos. Un proceso creativo que lo elevó a categoría de leyenda. En sus últimos años el maestro llegó a tal grado de abstracción en su obra que tuvo que colocar clavos para que no expusieran sus cuadros al revés.

Pinceladas rápidas y empastadas, que convierten a este pintor no solo en el precursor del impresionismo, sino también de la abstracción y el informalismo.

Fundamentos del Arte II. La música en el Romanticismo. "La muerte y la doncella" de Franz Schubert

Franz Schubert nació en Viena a finales del s. XVIII en 1797 y murió en la misma ciudad en 1828. Hijo de un profesor de música a partir de 1814 se dedicó a la ópera, componiendo varias, aunque lo que realmente destaca de su música son los más de 600 Lieder (lied es un término utilizado en la historia de la música clásica para hacer referencia a una canción lírica breve cuya letra es un poema al que se ha puesto música y escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano).  Los poemas que Schubert empleaba pertenecían a los grandes escritores románticos como Wolfgang Goethe, Wilhelm Müller o Matthias Claudius. Este último es el autor de los versos de La muerte y la doncella, a la que Schubert puso música en 1817. El texto consiste en dos estrofas: en la primera la doncella suplica a la muerte que la deje vivir pues todavía es muy joven y en la segunda la muerte le contesta intentando tranquilizarla, presentándose como una amiga entre cuyos brazos tendrá un sueño dulce y suave. 

Doncella: "Apártate, ¡ay! Apártate. ¡Vete! Aspero esqueleto. Soy todavía joven. ¡Vete, amado! No me toques Muerte: Dame tu mano, hermosa y delicada imagen, soy tu amigo y no vengo a castigarte. Ten ánimo, no soy áspero. Habrás de dormir suavemente en mis brazos.

La doncella y la muerte

Das Mädchen:

Vorüber, ach vorüber!
Geh, wilder Knochenmann!
Ich bin noch jung, geh, Lieber!
Und rühre mich nicht an!

Der Tod:
Gib deine Hand, du schön und zart Gebild!
Bin Freund und komme nicht zu strafen.
Sei guten Muts! Ich bin nicht wild,
Sollst sanft in meinen Armen schlafen.

Fundamentos del Arte II. T. Gericault. La balsa de la Medusa

La Balsa de la Medusa (en francés: Le Radeau de la Méduse) es una pintura al óleo hecha por el pintor y litógrafo francés del Romanticismo,Théodore Géricault entre 1818 y 1819. La pintura se terminó cuando el artista tenía únicamente 27 años, el trabajo se convirtió en un icono del Romanticismo francés. Es una pintura de formato grande (491 cm × 716 cm)

Su obra más famosa es La balsa de la Medusa, tema sacado de un acontecimiento próximo que había polarizado a la opinión pública. 

Se trata de la pérdida de la fragata Medusa, enviada al Senegal por el gobierno francés el 1816 bajo el mando del conde de Chaumareix, oficial de la armada, inactivo durante 25 años, y a cuya incompetencia se atribuía el desastre. Al producirse el naufragio, el capitán y los oficiales hicieron uso de las barcas salvavidas y abandonaron a su suerte a la marinería, a la que consideraban socialmente inferior; un grupo de 149 personas improvisó una balsa y recuperó de las aguas algunos barriles de vino, y se vieron obligados para subsistir a prácticas de canibalismo (el hacha ensangrentada -en la parte inferior derecha de la balsa- es la única referencia al canibalismo descrito por los supervivientes). Sólo 15 individuos sobrevivieron cuando la balsa fue encontrada por la fragata Argus, semanas después. Otros cinco murieron al tocar tierra. Es, pues, un cuadro de historia contemporánea construido sobre un hecho real que había estremecido a la opinión pública; el pintor se convierte, pues, en intérprete del sentimiento popular. "Ni la poesía ni la pintura podrán jamás hacer justicia al horror y la angustia de los hombres de la balsa" afirmaba Géricault.

La paleta es muy reducida, va del beis al negro pasando por los tonos pardos claros y oscuros. Consigue, de este modo, una atmósfera de tonos cálidos con colores armonizados que produce una impresión dramática de angustia y desamparo. El color dominante es el beis oscuro y apagado. Sin embargo, existe un elemento que se destaca del resto por su color: se trata de la estola rojiza que lleva el anciano que sujeta un cadáver con la mano, en la parte izquierda inferior del cuadro.

El romanticismo se caracteriza por una pincelada suelta y unos contornos imprecisos, como es el caso de este lienzo.

En cuanto a la forma y ejecución de las figuras, buscando mayor autenticidad, visitó hospitales para trazar minuciosos estudios de enfermos y moribundos, y se llevó a su estudio diversos miembros humanos procedentes del depósito de cadáveres. Pero su realidad es más poética que fotográfica: aunque mandó instalar en su estudio una reproducción de la balsa a tamaño natural y figuras de cera para moverlas a su antojo, sus náufragos no son los macilentos desdichados que lograron sobrevivir, sino los vigorosos desnudos de Miguel Angel, a quien estudió en Italia (1816-1818).

Parte de la energía de esta obra nace del movimiento de las figuras: los brazos en escorzo señalando la dirección del Argus, la emoción reflejada en los rostros y gestos de los supervivientes, las manos juntas del hombre con los cabellos peinados por el viento... Pero también de las fuerzas de la naturaleza: la vela remeda la forma de la gran ola del fondo, y con ello la agiganta y la resalta (la vela hinchada y la violencia del mar recalcan el poder destructor de la naturaleza), los cúmulos de la izquierda repiten las formas de las tumultuosos olas que se encrespan debajo.

Organiza la composición formando dos pirámides. La primera la dibujan los vientos que sostiene la vela. La segunda está formada por las figuras inferiores de los muertos, que serían su base, y se alzaría, pasando por los enfermos y moribundos, hasta la figura de la cúspide, que cobra nuevas energías ante la perspectiva del rescate. El Argus, gemelo de la Medusa, es sólo un punto minúsculo en el horizonte y hay que forzar la vista para divisarlo, como les ocurre a los náufragos; su tamaño diminuto intensifica el dramatismo del momento, ya que entra en lo posible que el buque se aleje como ya había ocurrido una vez.

Al seleccionar esa tragedia como el tema de su primer trabajo importante —una descripción (la cual no le fue encargada) de un evento reciente en esa época— Géricault conscientemente seleccionó un incidente muy conocido que pudiera generar un gran interés público y al mismo tiempo que pudiera ayudarlo a comenzar su carrera. El evento en sí fascinó al artista, y antes de comenzar a trabajar en la pintura final, emprendió una investigación intensa y produjo muchos bocetos preparativos. Entrevistó a dos de los supervivientes, y construyó un modelo detallado a escala de la balsa. Su empeño le llevó a ir a morgues y hospitales donde pudiera ver de primera mano el color y la textura de la carne de las personas agonizantes y de las que estaban muertas. Como el artista había anticipado, la pintura probó ser altamente polémica en su primera exhibición en el Salón de París de 1819, atrayendo elogios apasionados y condenas por igual.

Fuente original:   http://artecom.blogspot.com/

Fundamentos del Arte II. Neoclasicismo y Romanticismo. Esquemas visuales

Fundamentos del Arte II. La música romántica s. XIX.

MÚSICA DEL ROMANTICISMO


ASPECTOS SOCIOPOLÍTICOS.- En los años finales del siglo XVIII tuvo lugar una renovación de las ideas y de la vida en Europa producida por estos dos hechos:

La Revolución francesa (1789), que, recogiendo las ideas de la Ilustración, declaró la igualdad de todos los ciudadanos ante la Ley y la supresión de la monarquía absoluta.
 El Imperio napoleónico.

A pesar de que fuera de Francia, las monarquías absolutas europeas se resistieron al cambio, la aristocracia fue perdiendo sus privilegios y acabaron triunfando la libertad y el individualismo, con lo que se dio paso a un mundo en el que se impusieron los ideales de la burguesía.

Paralelamente al triunfo del liberalismo político en Europa, el NACIONALISMO logró en la segunda mitad del siglo XIX, importantes éxitos con la unificación de Italia y de Alemania, países cuyos territorios pertenecían a diversos Estados.


ASPECTOS CULTURALES.-

El Romanticismo surge en Inglaterra y Alemania (“Sturm und Drang”, Tempestad y empuje”) y desde ahí se expande por Europa y América, este nuevo estilo supone una ruptura con el anterior, el neoclasicismo.

El individualismo, la expresión de los sentimientos y la libertad creadora, características principales del movimiento romántico, se reflejan en las artes:

- En Literatura surgió el interés por el pasado medieval, las tradiciones, el folklore.

- En pintura predominó el interés por la Naturaleza y el paisaje.

CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA DEL ROMANTICISMO


La burguesía cambió el papel social de la música. El músico se convirtió en un “profesional” de su arte, con libertad absoluta para poner precio a su trabajo. Los conciertos públicos (en teatros), donde las personas que pagaban pasaron a formar el nuevo auditorio (la música “clásica” deja de ser patrimonio exclusivo de la nobleza y de la Iglesia) y la música que se realiza en los salones de la burguesía adinerada, donde el PIANO es el instrumento rey, evidencian una “democratización “ de este arte. Si a esto unimos una nueva mentalidad, que valoraba la música como la más romántica de las artes, entenderemos ese cambio tan importante en la consideración social de los compositores, que acabaron convirtiéndose en ídolos de los salones de la burguesía, junto con los "virtuosos" (pianista o violinista).

Avances tecnológicos que permitieron el perfeccionamiento técnico de los instrumentos de viento y su elaboración en serie.

Con el Romanticismo llegan nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las mejoras técnicas que se producen en los instrumentos y a un mayor empleo del viento y la percusión, esto tiene como consecuencia la consolidación de la orquesta sinfónica.

"Orgullo y prejuicio" (Escena del baile ).

La emoción musical, reprimida por las normas del Clasicismo, se desbordó. Para el hombre romántico la música fue el medio más importante con que expresar sus sentimientos (amor, odio, ira, nostalgia, tristeza, desesperación …). Importa la inspiración y la fuerza expresiva.

Estilo melódico. La melodía es apasionada e intensa.

Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos recursos para la modulación, con el fin de crear un ambiente de mayor expresividad.

Predominio de la música instrumental sobre la vocal. No obstante, la ópera seguirá teniendo una gran importancia (con grandes compositores como VERDI o WAGNER) y el lied conocerá un gran desarrollo en Alemania.

La forma más característica de la música vocal del romanticismo es el LIED ("Widmund", Shumann). Se trata de una canción para una sola voz, acompañada al piano, cuya letra se basa en un texto poético de gran calidad. El maestro de este género fue Schubert.

La intensidad se adapta a los sentimientos del artista, de ahí sus cambios inesperados.

El ritmo está a merced de los sentimientos que expresa el músico, por lo que abandona su regularidad.

Preferencia por piezas cortas (son más íntimas) como el PRELUDIO, el ESTUDIO, el NOCTURNO… Aunque es en este período cuando se desarrollaron al máximo la sinfonía y el concierto.
Aparición del “VIRTUOSO” en ese deseo de destacar la propia personalidad ante los demás.
Los instrumentos preferidos son el VIOLÍN y el PIANO. La técnica de construcción del piano se perfecciona y su aprendizaje se populariza entre la burguesía.
Muchos compositores se inspiran en el folklore de su propio país o de otro país para componer sus obras, lo que llevará a la aparición del NACIONALISMO MUSICAL.
En los salones de los burgueses la danza tuvo un especial interés, como había sucedido tiempo atrás entre la nobleza.
En cuanto al tipo de bailes, se seguían bailando piezas dieciochescas, como los minués, las mazurkas, las contradanzas, pero junto a ellas surgieron nuevos bailes como el galop, la redova, el vals.
El vals, tan de moda durante el Romanticismo, al necesitar de un contacto físico mayor que el resto de los bailes burgueses y populares, en los que apenas se producía ningún roce , era visto como un baile muy atrevido e incluso "salvaje".


EL PRIMER ROMÁNTICO: BEETHOVEN (1770-1827).


Ludwig van Beethoven nació en Bonn, Alemania. No tuvo un hogar familiar acogedor. A los catorce años fue nombrado organista en la corte del Elector de Colonia. En 1787 fue enviado a Viena para que estudiase con Mozart, pero una enfermedad de su madre lo obligó a regresar a su ciudad natal. Su inquietud cultural lo convirtió en un ávido lector y llegó a matricularse en la Universidad.

En 1792 vuelve a viajar a Viena, siendo alumno de Salieri y Haydn, entre otros. Su experiencia como pianista le permitió relacionarse con la nobleza vienesa, entre la que adquirió prestigio.

Cuando tenía 26 años advirtió los primeros síntomas de sordera, que fue aumentando progresivamente, lo que lo llevó en los últimos años de su vida a encerrarse en sí mismo y a tener un carácter “difícil”.

Influenciado políticamente por las ideas de la Revolución Francesa, se consideraba republicano y demócrata. En 1827 muere rodeado de fama y admirado en todo el mundo.


Aportaciones y trascendencia de la obra de Beethoven.-

. Es un músico que comienza a componer al estilo Clásico y hace evolucionar la música hasta el romanticismo; es más, todos los compositores posteriores recibirán su influencia.

. Da relevancia a la música, que se convierte en el mejor lenguaje del hombre romántico.

. Es el prototipo del genio romántico, ejerciendo influencia no sólo sobre los músicos, sino sobre pintores y literatos.

. Liberó al músico de trabajar “por encargo” (al servicio de) puesto que él se considera un “artista libre”. El artista beethoviano, ya no escribe lo que su público espera de él, sino lo que él quiere imponer a su público.

Desde Beethoven el componer no consiste, como ocurría en el Clasicismo, en seguir unas normas que se imponen al artista, sino, por el contrario, consiste en expresar los propios sentimientos ("Claro de luna", Beethoven) e ideas que uno tiene del mundo.

.Lleva a la cumbre la SINFONÍA (escribe nueve), y, al mismo tiempo, hace que esta forma signifique para el pensamiento romántico el culmen de la expresión musical.

Dentro de su producción musical podemos distinguir tres períodos:


1ª.-Sus composiciones están muy influenciadas por el Clasicismo, aunque ya se aprecian formas románticas, como, por ejemplo, en su sonata “PATÉTICA”.

2ª.- Aparecen signos claramente románticos, como la preocupación por el color tímbrico, como ocurre en la “Sinfonía Pastoral”.

3ª.-En esta etapa Beethoven es plenamente romántico, hasta el punto de aportar “novedades” a la sinfonía como ocurre en la “Novena”, en la que en su cuarto movimiento introdujo la voz humana cantando la “Oda a la alegría”, de Schiller”, que es un canto de amor a la Humanidad, un grito de fraternidad.

"Novena sinfonía"

COMPOSITORES DEL ROMANTICISMO:

-CHOPIN (1810-1849).- Nació en Polonia. Casi toda su obra está escrita para piano. Poseía una gran técnica pianística y sus composiciones son de una gran sensibilidad e intimismo. En ocasiones se inspiró en el folklore de su país, ej:”polonesas” (Polonesa Heroica"). Escribió nocturnos, valses (Vals del minuto"),..

- LISZT (1811-1886).-Compositor húngaro, virtuoso del piano, al que dedicó gran parte de su obra. Sus composiciones son brillantes y espectaculares, como ocurre con su famosa "Rapsodia húngara, No.22" o con la "Campanella".


- SCHUMANN (1810-1856).- Nació en Sajonia. Fue el impulsor del ideario romántico. Una lesión en la mano le impidió ser un virtuoso del piano. Su obra pianística la realizó para su esposa CLARA, la pianista más famosa del momento.
Sus obras más importantes son las pequeñas composiciones que se agrupan en colecciones como “Album de la juventud”. Escribió numerosos lieder entre ellos su ciclo “Amor de poeta”.

Schumann: "Traumerei"



-SCHUBERT (1797-1828).-Fue el verdadero creador del lied romántico. Su obra estuvo marcada por los movimientos literarios románticos, el lirismo y la exaltación del folklore alemán. Puso música a textos de los poetas Schiller y Goethe, entre otros. Sus temas predilectos fueron el amor, la muerte y la Naturaleza. Compuso más de 600 lieder agrupados en colecciones, como “La bella molinera”.

- BRAHMS (1833-1897).- compuso más de 300 lieder influenciado por Schumann en su sentimentalismo y por Schubert en su carácter popular.


LA ÓPERA ROMÁNTICA ALEMANA


RICHARD WAGNER (1813-1883)
Wagner nació e Leipzig, Alemania y, desde los 14 años, estudió filosofía, armonía y contrapunto. Fue maestro de canto y director de orquesta.
Vivió en Londres y en París. En 1864 se instaló en Munich, donde se dedicó a la composición, bajo la protección de Luis II de Baviera, quién aportó su propio dinero para que se construyera la sala de ópera de Bayreuth, según los ideales del drama wagneriano. El teatro se inauguró con el estreno de la ópera de Wagner “El anillo del Nibelungo” (es una tetralogía)
Características de las óperas de Wagner:
. Intento de crear una “obra de arte total”: unión de la poesía, la música, decoración, acción.
.Uso del alemán.
. Temas basados en los mitos y leyendas alemanas, lo que es muy importante, dado que es en esta época cuando comienza el sentimiento de nacionalidad alemana.
. Empleo de una gran orquesta.
. Creación del “leit-motiv”: motivo musical que caracteriza a los principales personajes de la ópera y los anuncia y describe.
Óperas de Wagner:” Lohengrin”, “Tristán e Isolda”, “Los maestros cantores de Nuremberg”,
“Tanhäuser” (trata las leyendas del Medievo medieval y el tema del Amor).

LA ÓPERA ROMÁNTICA ITALIANA
La ópera romántica sirvió para expresar las ideas de unidad, libertad y patriotismo por las que luchó Italia durante el siglo XIX.
Características más importantes de la ópera italiana:
- Lo VOCAL tiene más importancia que los aspectos orquestales.
- En ciertos momentos de la ópera lo que interesa es el lucimiento de las cualidades vocales del cantante solista.
- Creación de bellas melodías para el lucimiento del cantante solista.


ROSSINI fue el músico que encarnó el tránsito entre la ópera del siglo XVIII y la ópera romántica.

Rossini: Obertura de la ópera "Guillermo Tell"

También destaca su ópera El barbero de Sevilla.

GIUSEPPE VERDI (1813-1901) será el gran genio de la ópera italiana.

Verdi: "Brindis" de la ópera "La traviata" 

Fundamentos del Arte II. Romanticismo y Romanticismo tardío

Os dejo el enlace a los apuntes de la profesora Ana Galván para el primer tema:

Tema 1. El Romanticismo
Tema 2. Romanticismo tardío

Fundamentos del Arte II. El Romanticismo: características

FUNDAMENTOS DEL ARTE II. Grandes Epocas Arte 9 Siglo XIX

¡Saludos! Para asentar conocimientos, obtener una visión general del s. XIX os propongo el visionado de este documental de 56 m. de duración.

Fundamentos del Arte II. Caspar David Friedrich

"A finales del siglo XVIII comenzó a desarrollarse en Europa una forma nueva deinterpretar el paisaje, promovida por la sensibilidad del Romanticismo. Se pintaron temas como: figuras solitarias contemplando la naturaleza, viajes por el mar, las ruinas de la arquitectura gótica... Y tratados con una nueva sencillez en la composición, que se reducía a lo esencial. La naturaleza así presentada evocaba una naturaleza en estado primitivo, antes de ser habitada, y se llenaba de misterio.Las figuras parecían querer fundirse con ese mundo regalo de Dios que contemplaban.

Friedrich hacía composiciones sencillas en las que la repetición de elementos monótonos del paisaje expresa intensamente la soledad del hombre , que nos hacen pensar en su fragilidad frente a la inmensidad del espacio. Esa inmensidad y su luminosidad misteriosa son para el artista un reflejo de Dios. El paisaje se ha llenado de misterio y grandeza, y a pesar de su desnudez, es capaz de transmitir emociones humanas que en otros momentos de la historia del arte se expresaban a través de cuadros con escenas religiosas o históricas"( Museo Thyssen Bornemisza)

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El caminate ante el mar de niebla. Caspar David Friedrich . 1818. Museo: Hamburger Kunsthalle. Características: 94,8 x 74,8 cm.. Estilo: Romanticismo Alemán Material: Oleo sobre lienzo
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Comentario

Según una tradición imposible de corroborar, el personaje representado sería un cierto von den Brincken, en cuya memoria Freidrich habría realizado la obra. Sería, pues, un cuadro conmemorativo, del tipo de Cuadro en memoria de Johann Emmanuel Bremer, de 1817. El fondo del paisaje se compone de varios dibujos de la llamada Suiza Sajona, es decir, la zona montañosa en torno a Schandau, los Elbsandsteingebirge: a la izquierda se alza el Rosenberg; a la derecha el Zirkelstein. Los estudios originales proceden, en su mayoría, de los que Friedrich llevó a cabo en 1808 y 1813 en la zona, en esta última ocasión durante el periodo que permaneció allí refugiado con motivo de la entrada en Dresde del ejército napoleónico. Como de costumbre, Friedrich se mueve en dos planos, en la dialéctica entre la realidad y el símbolo. Compositivamente, la obra se estructura en planos paralelos sucesivos, sin transición posible, eliminados los planos medios. La niebla, ese elemento en que el pintor veía una especie de manto místico, viene a cubrir toda posible linealidad en el recorrido visual hacia el horizonte. Este método característico es muy frecuente y se halla en obras como Bruma matinal en la montaña. En el primer plano, que en Friedrich siempre posee un tono oscuro, constrastado frente a la luminosidad del horizonte, se alza el caminante, de un infrecuente tamaño, sobre una cima rocosa de forma triangular. Aparece de espaldas, como la mayoría de los personajes del maestro pomerano. Esta atípica forma de representar las figuras ha llevado a plantear diversas posibilidades interpretativas. Algunos lo contemplan como un intento de expresar alienación, como un medio de plasmar la imposibilidad de reconciliar al hombre con la naturaleza, dentro de un contexto histórico concreto. Otros, sin embargo, consideran que estas figuras de espaldas ocupan una "posición trascendental", que les sitúa fuera del contexto físico de la naturaleza en que la realidad externa se funde con el ideal, con lo interior. Es decir, Friedrich se sitúa en la línea de los escritores y filósofos románticos alemanes, en especial Novalis, y de otros artistas como Runge, quienes documentaban su experiencia ante el paisaje de un modo metafísico: cuando contemplaban el mar se sentían inmateriales, por ejemplo. Así, la figura de espaldas de Friedrich, unida al paisaje como proyección de lo absoluto, representa un estado en que se alcanza la unidad de la naturaleza y el espíritu en Dios. Pero el significado alegórico global de la obra ha sido interpretado desde una perspectiva religiosa: la Fe (rocas) que, alzándose sobre los errores terrenos (niebla), nos eleva al dominio celeste. El Rosenberg es representación de Dios.

Fuente imágenes Wikipedia

Fundamentos del Arte II. Los miserables de Victor Hugo

Los miserables (título original en francés: Les misérables) es una novela del político, poeta y escritor francés Victor Hugo publicada en 1862, es considerada como una de las obras cumbres del romanticismo francés. Ambientada en la primera mitad del siglo,1832,  Los miserables es un fresco de la sociedad de una de las épocas más convulsas de la historia de Francia. Los ideales románticos de la novela se concretan en la historia de Jean Valjean, un ex-presidiario que asciende socialmente con una identidad falsa, su perseguidor, el policía Javert, y su hija “adoptiva” Cosette, que acabará enamorándose del joven revolucionario Marius, trasunto del Victor Hugo más político.

Victor Hugo logró crear un personaje inmortal en Jean Valjean, el hombre salido de la cárcel que se redime tras robar unos candelabros de plata al bondadoso obispo Monseñor Myriel y que se convertirá en un próspero empresario y en el padre de la niña huérfana que fuera maltratada por el malvado matrimonio Thénardier, que encarna la maldad humana como Myriel personifica la bondad. Junto a ellos, todo un desfile de personajes de todas las clases sociales de la Francia del siglo XIX y toda una serie de momentos históricos que se ven reflejados en la novela, como las inolvidables barricadas de París, una de las cimas épicas de la obra.

Los miserables ha sido objeto de numerosas adaptaciones teatrales, cinematográficas y televisivas, entre ellas el famoso musical del mismo nombre.