Fundamentos del Arte II. E. Delacroix "La Libertad guiando al pueblo"

La obra representa el levantamiento de los ciudadanos de Paris que tuvo lugar los días 27, 28 y 29 de julio de 1830. Es una de las revoluciones burguesas, que puso fin a la restaurada la monarquía borbónica de Carlos X,  siendo sustituido por Luis Felipe de Orleans más cercano a los burgueses liberales. 

La revuelta se inició el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que restringían libertades ciudadanas. Jóvenes republicanos se pusieron al frente de la insurrección que levantaron barricadas. La revuelta rebasó las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberación nacional , en varios países europeos.

Según G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro político de la pintura moderna, pues en su opinión la historia contemporánea es la lucha política por la libertad. Libertad que, según este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en aquella época al concepto de Patria. De ahí que la figura central de la mujer, que es alegoría de la libertad, lo sea también de la nación. La lucha por la libertad y por la nación de dónde nacerá el nacionalismo,  es una temática recurrente de los artistas románticos. El mismo autor trata idéntico tema en otras obras como La matanza de Quíos que también refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su liberación del yugo turco

En el cuadro aparecen jóvenes, adultos, clase obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad (Francia) representada como una mujer empuñando un fusil de la época (rasgo realista).  Entre los muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen también soldados leales a Carlos X.

El personaje del sombrero es un burgués,  autorretrato de  Delacroix. En una carta fechada el 18 de octubre de 1830 escribió a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una barricada...y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintaré para ella". Aunque, como era habitual en los románticos, Delacroix criticaba a la pequeña burguesía por su estrechez de miras, él mismo procedía de una familia de la alta burguesía y frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte, así como fue revolucionario en 1830, adoptó una postura contrarrevolucionaria en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese año Marx publica su Manifiesto Comunista). Fue un autor políticamente comprometido.

La figura de la Libertad, (cuyas referencias a la escultura clásica podemos advertir en el tratamiento de los paños, la desnudez, la postura) porta dos símbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera tricolor.  En segundo plano aparece Notre-Dame de París, en una de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria.

La composición del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias con La Balsa de Medusa de Géricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha señalado que al igual que en la balsa, «el plano de apoyo es inestable, construido con vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo el movimiento de la composición» que acaba culminando en una persona que agita algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. No obstante, este mismo autor señala que aunque hay similitudes, también hay diferencias, y así en mientras que en la obra de Géricault el movimiento es de delante hacia atrás, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). 

La obra está impregnada de movimiento no solo por los gestos dramáticos de los personajes, y por la composición en diagonales, sino porque los del primer plano avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la composición y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la admiración del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz dramática y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no se vislumbra. La figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral, pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso, que dota de más inquietud a la composición. 

La perfecta combinación de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrás de la mujer) recuerdan a Goya, determinan que nos encontremos ante una obra y un autor de una tremenda trascendencia en la pintura contemporánea. Por otra parte su maestría en ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanápalo o la de esta obra, es también evidente. Delacroix, que tuvo una formación neoclásica, reaccionó contra el academicismo y llegó a convertirse en el culminador del romanticismo del que su amigo Géricault  fue iniciador.

Fuente: http://enciclopedia.us.es/index.php/La_Libertad_guiando_al_pueblo_(1830)

Para concluir puedes ver esta breve explicación:

Francis Bacon

La forma en que Bacon retrató al cuerpo humano se origina en el trauma que le ocasionó la guerra y las consecuencias psicológicas de esta, además de su propia interioridad: fue expulsado de su casa a los 16 años al manifestar su homosexualidad y tendía fuertemente hacia la autodestrucción. Sus primeros éxitos datan de 1944, cuando realiza el tríptico Tres estudios de figuras junto a una crucifixión, considerada una de las obras clave de la pintura contemporánea. Justamente nace con esta obra su predilección por el tríptico, formato que le dio un sello personal y donde se acerca al motivo desde distintos ángulos pero siempre manteniendo la unidad de la obra, generando una sensación de ambiguedad sobre el objeto, en especial en los retratos.

En 1949 comienza su serie de versiones sobre el Retrato de Inocencio X de Velázquez (arriba), un momento clave en su obra y donde se reúnen las ideas pictóricas sobre la angustia y la expresión atormentada de sus personajes que luego desarrollaría con profusión, como el gusto de presentar los rostros de manera borrosa, a la manera de una pesadilla. Influenciado por el noruego Edvard Munch, es en las décadas del 50′ y 60′ que Bacon logra repercusión en los círculos del arte, siendo adquiridas por importantes museos.

Otro momento clave en su carrera fue el encuentro con George Dyer en 1964, a quien sorprendió robando en su taller y que luego se transformaría en su amante, en una relación tormentosa que le provocó una estimulación creativa notable, con gran cantidad de pinturas, entre ellas varios retratos de Dyer. Este terminó suicidándose con barbitúricos en 1971.

Documental realizado por "La Sala" que se centra en la figura de Francis Bacon y la exposición retrospectiva del museo Guggenheim de Bilbao. Aquí os dejo un  adelanto

Podéis consultar la página oficial del pintar pinchando en el siguiente enlace aquí

Fundamentos del Arte II. Tamara Lempicka. Art Decó

El Art Decó (Artes Decorativas e Industriales) es el estilo artístico, por excelencia, de las artes decorativas y aunque fue durante bastante tiempo menospreciado por los críticos del arte su revalorización se produjo con fuerza en los años 60 del siglo XX. 

Para saber más sobre el origen y significado del movimiento "Art Decó", desarrollado en los años 20-30 y paradigma de un estilo esteticista, decorativo, bello y de consumo, os recomiendo el visionado del siguiente vídeo y la lectura de los materiales, 

Puedes consultar más información y materiales aquí y aquí 

Actividades. 

1. Indica las características  generales del art decó.

2. Explica las influencias recibidas por T. Lempicka. 

3. Establece la relación entre Coco Chanel y T. Lempicka.

Fundamentos de Arte II. Art Decó: Tamara Lempicka

Tamara Lempicka. 1898-1980

Tamara Lempicka es la representante más importante del movimiento Art Decó. Artista de origen ruso-polaco, nació el seno de una familia bien situada económicamente. Con 18 años, en 1916 se casó con Tadeusz Lempicki y con él abandonó Rusia huyendo de la revolución. Llegó a París en 1918 y allí iniciaría su formación artística.

Durante los años 20, Tamara se involucra en la vida bohemia de París, alternando con personalidades como Picasso. Se especializó en retratos y desnudos femeninos muy sensuales, cantantes, actrices fueron sus modelos. Sus obras, herederas en cierto modo del cubismo, reflejan perfectamente este estilo lujoso y decadente del periodo de entreguerras. Lempicka logró convertirse en la retratista de moda. Cobraba verdaderas fortunas por sus obras y se pasaba las noches de fiesta, y cambiando de amante como de vestido. Sus cuadros son muy atractivos y vistosos, pero al igual que el art decó no dejan de ser una simple fachada decorativa que no esconde mucha cosa detrás. Al cabo de unos pocos años ya habían pasado de moda, al igual que el estilo al que pertenecían

En 1925, tuvo lugar la primera exposición de Art Decó en París en la que participa activamente, lo cual le permite aparecer en revistas americanas como el Harper´s Bazar. En ese año Tamara y Kizette , su hija, viajan a Italia para estudiar las obras maestras clásicas y el Conde de Castelbarco organiza la primera exposición de Tamara. En 1928 se divorcia de Tadeus y ese mismo año conoce al Barón Raoul Kuffner, convertido en marchante y coleccionista de su obra, y con el cual se casará en 1933. Durante este tiempo se ha producido un intenso reconocimiento de su pintura, siendo el cuadro Tamara al volante de un Bugatti verde, posiblemente el más emblemático de esta manera independiente y libre de vivir. Este autorretrato lo pinto por encargo para la portada de una revista de modas alemana, “Die Dame”, que querían una imagen que reflejase la emancipación femenina. 

Al estallar la II Guerra, se marcha a los Estados Unidos, donde sigue teniendo éxito, quizás más como baronesa que como pintora, ya que la llama del art-decó se está apagando.

El desnudo y el retrato son sus principales géneros. Hombres elegantemente vestidos, o bien mujeres etéreas, con las telas de sus vestidos flotando.

Se quiso ver también ciertos rasgos propios del cubismo en su obra, y desde luego la artista tuvo contacto con el movimiento, adoptando cierta geometrización en algunas de sus obras.

Para profundizar en este movimiento artístico y en la figura de Tamara Lempicka puedes consultar el blog de Ana, pincha aquí

Expresionismo alemán

1. ¿Qué principios comparten el fauvismo y el expresionismo? 2. Realiza una lista con los autores representativos de la primera generación del expresionismo. 3. Explica las diferencias existentes entre los dos grupos representativos del Expresionismo alemán: El puente (Die Brücke) y El Jinente Azul ( Der Blaue Reiter) 4. Tras la I Guerra Mundial surgirá la tercera generación de expresionistas. ¿cuál es la principal característica de este grupo formado por E. Nolde y O. Kokoschka? 5. Tras el visionado de unas escenas de la obra cinematográfica "El gabinete del Dr. Caligary" (1920) de Wiene. Busca información sobre dicha película y realiza una breve sinopsis. ¿A qué movimiento artístico se adscribe?

Fundamentos del Arte I. Praxíteles

LAS CURVAS DEL MÁRMOL Praxíteles, cuya vida como la de la mayoría de los artistas griegos está bastante teñida de fantasía, es conocido como el primer escultor en realizar un desnudo femenino, la Afrodita de Cnido. El hecho no es anecdótico porque los griegos habían representado el cuerpo masculino desnudo desde sus primeras esculturas arcaicas, pero el femenino había aparecido siempre cubierto de ropa, aunque a finales del siglo V estos ropajes desnudaran más que cubrieran.

La aparición del desnudo femenino implicaba un cambio de mentalidad y un ideal cultural que pasaba de ser representado por el atleta, viril, encarnación de los valores cívicos de la polis -entre los cuales la guerra, que en la cultura griega era concebida en términos civilizadores-, a un ideal humano afeminado, para el cual los valores del arte y del pensamiento cuentan más que los atléticos. Praxíteles prefería la escultura en mármol al bronce más propio del siglo V, e incluso su concepción del modelado, muy sutil, con suaves pasajes de la oscuridad a la luz, llevó a que algunas de sus esculturas estuvieran policromadas por Nicias, un famoso pintor.



Praxíteles parte del clasicismo pero apunta al helenismo. En el siglo V antes de Cristo, Polícleto, autor del Doríforo, una escultura que dominó todo el siglo, como el Hermes de Praxíteles lo haría en el siglo IV, escribió un libro, el Kanon o Regla, donde establecía las relaciones de proporción mutua entre las diferentes partes del cuerpo humano, normativas y matemáticas, introduciendo un naturalismo idealizado que buscaba conciliar la observación de la naturaleza con un ideal de belleza, el del atleta fuerte y maduro. Praxíteles une también la observación de la naturaleza con el ideal de belleza, pero no le interesa el atletismo con todo lo que conlleva. Sus dioses son jóvenes y esbeltos, animados de un movimiento ondulante y sensual que sería conocido en la posterior historia del arte como "curva praxiteliana", una línea que recorre todo el cuerpo dotándolo de un ritmo flexible. Incluso Apolo, el dios representado por Fidias potente y bello, es presentado por Praxíteles en el Apolo Sauróctono como un adolescente sin musculatura y en una actitud juguetona, apoyado en un tronco de árbol mientras persigue una lagartija con una flecha. Para Praxíteles los dioses ya no son encarnaciones místicas de fuerzas abstractas sino seres con intensidad y humanidad.

Los ideales de la polis del siglo V habían caído en descrédito y una época de mayor ambigüedad, que comenzaba a descubrir el individualismo y el placer estaba en ciernes. Praxíteles es no solamente un gran escultor, sino también un verdadero innovador que plasmó en sus obras una nueva visión del arte y de la vida.

Este artículo está firmado por Estela Ocampo, profesora de Teoría del Arte en la UPF.

Publicado en el diario EL PAÍS (21.03.2007) (fuente: blog. Historia del Arte)

Eduardo Chillida: El Peine del Viento

Interesante artículo de la obra más emblemática de Chillida ubicada en San Sebastián.

Imagen: wikipedia

"El Peine del viento quizá sea la obra más emblemática y reconocible de Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924 – Ibídem, 2002). Está situada en la bahía de la Concha, en San Sebastián. Alberga dos playas, La Concha (este) y Ondarreta (oeste). Hay quienes prefieren el Paseo Nuevo de La Concha, con su oleaje abierto y los hay, como Chillida, que preferían el promontorio rocoso del final de la playa de Ondarreta, en el cierre del litoral urbano, un lugar más recogido, más a escala humana. En este lugar es donde se sitúa el Peine del viento.

Ese lugar era para Chillida su lugar, su patria. Él conocía el sentido de ese lugar y quiso compartirlo con sus conciudadanos. «Este lugar es el origen de todo. Él es el verdadero autor de la obra. Lo único que hice fue descubrirlo. El viento, el mar, la roca, todos ellos intervienen de manera determinante. Es imposible hacer una obra como ésta sin tener en cuenta el entorno. Es una obra que he hecho yo y que no he hecho yo»."

Para leer el artículo completo pulsa aquí